El actor, que ha mostrado un creciente interés por el mundo ‘wellness’, ha cofundado una empresa que vende suplementos vitamínicos, productos de cuidado para la piel y planes para el “manejo del peso” que funciona con inteligencia artificial y médicos de EE UU
La sección de Cultura de elDiario.es te trae una recopilación de actividades con las que poder desconectar este finde Recíbelo por mail - Esta agenda cultural forma parte del boletín de Cultura, suscríbete aquí para recibirlo primero Están siendo días lluviosos, pero la sección de Cultura de elDiario.es te trae una recopilación de actividades con las que poder desconectar este finde (aunque sea difícil encontrar el sol). Nueve planes, por Elena Cabrera Neoficción y el presente en disputa (Madrid). El interesantísimo festival literario Sui Generis ha evolucionado desde lo gótico, la fantasía o la ciencia ficción a una propuesta muy interesante para reflexionar sobre las variaciones del presente que nos propone la ficción. Tiene lugar del 12 al 15 de noviembre en Casa del Lector (Matadero). Consulta aquí el programa , a ver si puedes pasar por alguna de las muchísimas charlas. San Juan de la Cruz (Úbeda). Cualquier excusa es buena para visitar la hermosa Úbeda, así que aquí va una: El pecho del amor muy lastimado. Variaciones del dibujo del Crucificado de San Juan de la Cruz es una exposición que se inaugura el 14 de noviembre en la iglesia de San Lorenzo y en la que 22 artistas contemporáneos (con una buena representación local) reinterpretan el dibujo del Crucificado de San Juan de la Cruz y que también inspiró a Dalí. La danza de ‘Juancaballo’ (Pamplona). En cierta forma seguimos en Úbeda, donde nace una leyenda relacionada con los centauros, también llamados Juan Caballos. El Museo Universidad de Navarra, en Pamplona, remata este viernes 13 de noviembre Museo en Danza con Juancaballo , con dramaturgia de Alberto Conejero (La bola negra) y creada e interpretada por el bailarín y coreógrafo Juan Berlanga, con quien hablamos en septiembre cuando una representación de esta misma obra fue interrumpida por manifestantes en apoyo a Ceuta. Hay dos pases (19:00 y 20:30) y las entradas cuestan 20 euros. Momento de la danza de ‘Juancaballo’ Cine en Xixón. El Cine Festival Internacional de Cine de Xixón (FICX) se caracteriza por su apuesta por el cine más arriesgado e interesante. Se celebra del 13 al 21 de noviembre y la Sección Oficial incluye nombres consagrados del cine internacional como los de Clio Barnard, Angela Schanelec, Hong Sangsoo o João Nicolau La fluorescencia de Dan Flavin (Bilbao). El 11 de noviembre se ha abierto en el Museo Guggenheim una muestra sobre Dan Flavin, artista fallecido en 1996 que ideó una nueva forma de arte radical que eludía las convenciones expositivas, con especial fijación por las lámparas fluorescentes. La muestra recoge obras producidas entre los 60 y los 80. Cine queer (Madrid). El Festival Internacional de Cine LGBTIAQ+ de Madrid, QueerCineMad, organizado por Fundación Triángulo, tiene programadas 120 películas, estrenos internacionales, retrospectivas y Francia como país invitado. Entre el 10 y el 22 de noviembre. Una de las zonas de la exposición de Dan Flavin El espíritu de Hemato (Madrid). Desde que falleció el genial cómic, escritor y guionista conocido como Hematocrítico, sus amigos celebran un festival de humor y literatura infantil en Vigo de nombre Hematofesti. El próximo tendrá lugar del 12 al 25 de abril en 2027. Pero para ir abriendo boca, este sábado 14 de noviembre habrá un Hematofesti Petisco, un aperitivo, en el Círculo de Bellas Artes con Ignatius Farray, Lucía Aldao, Paula Carballeira y Amaral Arte contemporáneo en Zaragoza. Nace la ZAF, feria de arte en la capital aragonesa, del 12 al 15 de noviembre en el Centro de Historias, el Palacio de Montemuzo y el Torreón Fortea, con entrada gratuita, más de cien artistas y galerías nacionales e internacionales. Cine documental (Montaverner, Valencia). La Mostra Internacional de Cinema Documental comienza hoy en el l’Auditori Lluís Peiró, con la proyección de Las novias del sur de Elena López Riera. También se podrán ver otras películas como Hijos del compás de Miguel Forneiro o Acuérdate de mí de Remedios Malvárez. Todas las proyecciones son gratuitas. Tres libros, por Laura G. Higueras 'Éxodo y exilio del arte. La odisea del Museo del Prado durante la Guerra Civil, de Arturo Colorado Castellary (Cátedra). Si os interesa la intrahistoria sobre todo lo que ocurrió durante la Guerra Civil más allá de las batallas, este libro es una delicia. Arturo Colorado es un experto en investigación sobre la política republicana de salvamento del arte y en expolio franquista de la posguerra. Aquí relata el recorrido que hicieron los 'velázquez', 'goyas' y 'grecos' de la institución, junto al resto de obras que en febrero de 1939 llenaron 71 camiones cargados por las fuerzas republicanas gracias a la intervención internacional de los museos de los países democráticos. 'Qué hacemos con los domingos por la tarde', de Ignacio Peyró (Libros del Asteroide). Bajemos revoluciones con este ensayo presentado como “Apuntes para la vida adulta”. El autor aborda con humor, sin renunciar a la reflexión, grandes temas como el amor y el desamor, ser o no padres, cómo ser hijos, celebrar y agradecer, y hasta sortear la melancolía que nos espera, agazapada, cada domingo por la tarde. Y de forma disfrutona. 'Un baño en una laguna mientras llueve', de George Saunders (trad. de Amado Diéguez, Capitán Swing). El autor de 'Lincoln en el baño' se sirve de relatos de Chéjov, Turguénev, Tolstói y Gógol para entender cómo funciona la ficción y por qué es más relevante que nunca en estos tiempos turbulentos. Didáctico y accesible, trata de explicar por qué nos sumergimos en las historias y por qué nos resistimos a ellas, el funcionamiento de la escritura en sí, y también el de la mente cuando lee. Tres canciones, por Francisco Gámiz Parte de la portada de 'Worst Christmas Ever!' de Sufjan Stevens ¿Es demasiado pronto para escuchar villancicos? ¿Cuándo es el momento idóneo para abrazar la música navideña? En EEUU se lo toman muy en serio y el clásico de Mariah Carey ya se hace notar en las listas de éxitos. Además, los artistas también empiezan a publicar canciones de Navidad. Lo ha hecho Olivia Rodrigo con Take Me Home (4 Christmas) , pero el tema, un tanto decepcionante, carece de magia y abusa de monotonía. Mucho más interesante es la nueva propuesta de Sufjan Stevens, que ya puedes escuchar en nuestra playlist . 'On This Christmas (It Only Gets Better)' de Sufjan Stevens. La primera canción navideña en casi 15 años de Stevens se aleja de los tópicos para hacer introspección y tratar de ver luz en la oscuridad. Con una melodía casi más triste que la propia letra, el artista plantea la Navidad como una oportunidad para hacer balance de los propios errores, reconocer las cosas que hemos dicho o hecho y la necesidad de pedir perdón. 'Los días se beben entre sí' de Hidrogenesse. El dúo barcelonés, que tiene concierto en Madrid este 14 de noviembre, ha convertido la poesía de Álvaro Pombo en un disco “con lomo”. Así lo han explicado Genís Segarra y Carlos Ballesteros a elDiario.es, puesto que pretendían homenajear al autor poniendo música a sus poemas. Se trata de un álbum que se refugia en el pop electrónico para combinar la ironía, el surrealismo y la cotidianidad que caracterizan la obra de Pombo. 'Lies' de Zach Bryan y Lana Del Rey. Zach Bryan es una de las voces más importantes del nuevo country , ese country que se aleja de los discursos más conservadores. Su reciente EP Young Manhood and Other Donatable Organs regala una maravillosa canción que evoca a su ya aclamado dueto con Kacey Musgraves, pero esta vez con la voz de Lana Del Rey, que encaja a la perfección. Todavía no sabemos cuándo la cantante publicará el disco country que prometió en 2024, pero si suena así merece la pena la espera. Tres películas, por Laura G. Higueras Fotograma de 'La violinista' 'Wild Horse Nine' . Martin McDonagh , autor de la fantástica 'Tres anuncios en las afueras', dirige esta película ambientada poco antes del golpe de Estado de Chile en 1973, cuando los agentes de la CIA Criss y Lee, encarnados por John Malkovich y Sam Rockwell, son enviados por su jefe de oficina desde Santiago a la Isla de Pascua. Allí lidiarán con sus truculentos pasados, conspiraciones presentes y dos estudiantes rebeldes que aparecen dispuestos a arruinar la operación. El resultado es una sátira política mordaz, divertida y oscura. 'El tren fluvial'. Lorenzo Ferro, al que conocimos como protagonista de la inquietante El Ángel en 2018, debuta en la dirección con esta tierna fábula que rodó junto a Lucas Vignale, quien falleció este verano en un accidente aéreo en Río de Janeiro. La película cuenta la historia de Milo, un niño de nueve años que vive en un remoto pueblo de Argentina, en el que estudia la danza del malambo, pero que en verdad sueña con escapar del campo en tren a Buenos Aires, donde aspira a cumplir sus sueños. 'La violinista'. Acabamos con la primera película española en ganar en Annecy, el festival de cine de animación más importante del mundo. Raúl García y Ervin Han cuentan en este filme cómo un joven periodista español se adentra en las vidas entrelazadas de dos amantes mientras investiga el origen de un viejo violín. La investigación le lleva al Singapur de 1941, donde el sueño de dos jóvenes violinistas, Kai y Fei, se ve truncado por la invasión japonesa de Malasia durante la II GM.
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El actor, que ha mostrado un creciente interés por el mundo ‘wellness’, ha cofundado una empresa que vende suplementos vitamínicos, productos de cuidado para la piel y planes para el “manejo del peso” que funciona con inteligencia artificial y médicos de EE UU
La sección de Cultura de elDiario.es te trae una recopilación de actividades con las que poder desconectar este finde Recíbelo por mail - Esta agenda cultural forma parte del boletín de Cultura, suscríbete aquí para recibirlo primero Están siendo días lluviosos, pero la sección de Cultura de elDiario.es te trae una recopilación de actividades con las que poder desconectar este finde (aunque sea difícil encontrar el sol). Nueve planes, por Elena Cabrera Neoficción y el presente en disputa (Madrid). El interesantísimo festival literario Sui Generis ha evolucionado desde lo gótico, la fantasía o la ciencia ficción a una propuesta muy interesante para reflexionar sobre las variaciones del presente que nos propone la ficción. Tiene lugar del 12 al 15 de noviembre en Casa del Lector (Matadero). Consulta aquí el programa , a ver si puedes pasar por alguna de las muchísimas charlas. San Juan de la Cruz (Úbeda). Cualquier excusa es buena para visitar la hermosa Úbeda, así que aquí va una: El pecho del amor muy lastimado. Variaciones del dibujo del Crucificado de San Juan de la Cruz es una exposición que se inaugura el 14 de noviembre en la iglesia de San Lorenzo y en la que 22 artistas contemporáneos (con una buena representación local) reinterpretan el dibujo del Crucificado de San Juan de la Cruz y que también inspiró a Dalí. La danza de ‘Juancaballo’ (Pamplona). En cierta forma seguimos en Úbeda, donde nace una leyenda relacionada con los centauros, también llamados Juan Caballos. El Museo Universidad de Navarra, en Pamplona, remata este viernes 13 de noviembre Museo en Danza con Juancaballo , con dramaturgia de Alberto Conejero (La bola negra) y creada e interpretada por el bailarín y coreógrafo Juan Berlanga, con quien hablamos en septiembre cuando una representación de esta misma obra fue interrumpida por manifestantes en apoyo a Ceuta. Hay dos pases (19:00 y 20:30) y las entradas cuestan 20 euros. Momento de la danza de ‘Juancaballo’ Cine en Xixón. El Cine Festival Internacional de Cine de Xixón (FICX) se caracteriza por su apuesta por el cine más arriesgado e interesante. Se celebra del 13 al 21 de noviembre y la Sección Oficial incluye nombres consagrados del cine internacional como los de Clio Barnard, Angela Schanelec, Hong Sangsoo o João Nicolau La fluorescencia de Dan Flavin (Bilbao). El 11 de noviembre se ha abierto en el Museo Guggenheim una muestra sobre Dan Flavin, artista fallecido en 1996 que ideó una nueva forma de arte radical que eludía las convenciones expositivas, con especial fijación por las lámparas fluorescentes. La muestra recoge obras producidas entre los 60 y los 80. Cine queer (Madrid). El Festival Internacional de Cine LGBTIAQ+ de Madrid, QueerCineMad, organizado por Fundación Triángulo, tiene programadas 120 películas, estrenos internacionales, retrospectivas y Francia como país invitado. Entre el 10 y el 22 de noviembre. Una de las zonas de la exposición de Dan Flavin El espíritu de Hemato (Madrid). Desde que falleció el genial cómic, escritor y guionista conocido como Hematocrítico, sus amigos celebran un festival de humor y literatura infantil en Vigo de nombre Hematofesti. El próximo tendrá lugar del 12 al 25 de abril en 2027. Pero para ir abriendo boca, este sábado 14 de noviembre habrá un Hematofesti Petisco, un aperitivo, en el Círculo de Bellas Artes con Ignatius Farray, Lucía Aldao, Paula Carballeira y Amaral Arte contemporáneo en Zaragoza. Nace la ZAF, feria de arte en la capital aragonesa, del 12 al 15 de noviembre en el Centro de Historias, el Palacio de Montemuzo y el Torreón Fortea, con entrada gratuita, más de cien artistas y galerías nacionales e internacionales. Cine documental (Montaverner, Valencia). La Mostra Internacional de Cinema Documental comienza hoy en el l’Auditori Lluís Peiró, con la proyección de Las novias del sur de Elena López Riera. También se podrán ver otras películas como Hijos del compás de Miguel Forneiro o Acuérdate de mí de Remedios Malvárez. Todas las proyecciones son gratuitas. Tres libros, por Laura G. Higueras 'Éxodo y exilio del arte. La odisea del Museo del Prado durante la Guerra Civil, de Arturo Colorado Castellary (Cátedra). Si os interesa la intrahistoria sobre todo lo que ocurrió durante la Guerra Civil más allá de las batallas, este libro es una delicia. Arturo Colorado es un experto en investigación sobre la política republicana de salvamento del arte y en expolio franquista de la posguerra. Aquí relata el recorrido que hicieron los 'velázquez', 'goyas' y 'grecos' de la institución, junto al resto de obras que en febrero de 1939 llenaron 71 camiones cargados por las fuerzas republicanas gracias a la intervención internacional de los museos de los países democráticos. 'Qué hacemos con los domingos por la tarde', de Ignacio Peyró (Libros del Asteroide). Bajemos revoluciones con este ensayo presentado como “Apuntes para la vida adulta”. El autor aborda con humor, sin renunciar a la reflexión, grandes temas como el amor y el desamor, ser o no padres, cómo ser hijos, celebrar y agradecer, y hasta sortear la melancolía que nos espera, agazapada, cada domingo por la tarde. Y de forma disfrutona. 'Un baño en una laguna mientras llueve', de George Saunders (trad. de Amado Diéguez, Capitán Swing). El autor de 'Lincoln en el baño' se sirve de relatos de Chéjov, Turguénev, Tolstói y Gógol para entender cómo funciona la ficción y por qué es más relevante que nunca en estos tiempos turbulentos. Didáctico y accesible, trata de explicar por qué nos sumergimos en las historias y por qué nos resistimos a ellas, el funcionamiento de la escritura en sí, y también el de la mente cuando lee. Tres canciones, por Francisco Gámiz Parte de la portada de 'Worst Christmas Ever!' de Sufjan Stevens ¿Es demasiado pronto para escuchar villancicos? ¿Cuándo es el momento idóneo para abrazar la música navideña? En EEUU se lo toman muy en serio y el clásico de Mariah Carey ya se hace notar en las listas de éxitos. Además, los artistas también empiezan a publicar canciones de Navidad. Lo ha hecho Olivia Rodrigo con Take Me Home (4 Christmas) , pero el tema, un tanto decepcionante, carece de magia y abusa de monotonía. Mucho más interesante es la nueva propuesta de Sufjan Stevens, que ya puedes escuchar en nuestra playlist . 'On This Christmas (It Only Gets Better)' de Sufjan Stevens. La primera canción navideña en casi 15 años de Stevens se aleja de los tópicos para hacer introspección y tratar de ver luz en la oscuridad. Con una melodía casi más triste que la propia letra, el artista plantea la Navidad como una oportunidad para hacer balance de los propios errores, reconocer las cosas que hemos dicho o hecho y la necesidad de pedir perdón. 'Los días se beben entre sí' de Hidrogenesse. El dúo barcelonés, que tiene concierto en Madrid este 14 de noviembre, ha convertido la poesía de Álvaro Pombo en un disco “con lomo”. Así lo han explicado Genís Segarra y Carlos Ballesteros a elDiario.es, puesto que pretendían homenajear al autor poniendo música a sus poemas. Se trata de un álbum que se refugia en el pop electrónico para combinar la ironía, el surrealismo y la cotidianidad que caracterizan la obra de Pombo. 'Lies' de Zach Bryan y Lana Del Rey. Zach Bryan es una de las voces más importantes del nuevo country , ese country que se aleja de los discursos más conservadores. Su reciente EP Young Manhood and Other Donatable Organs regala una maravillosa canción que evoca a su ya aclamado dueto con Kacey Musgraves, pero esta vez con la voz de Lana Del Rey, que encaja a la perfección. Todavía no sabemos cuándo la cantante publicará el disco country que prometió en 2024, pero si suena así merece la pena la espera. Tres películas, por Laura G. Higueras Fotograma de 'La violinista' 'Wild Horse Nine' . Martin McDonagh , autor de la fantástica 'Tres anuncios en las afueras', dirige esta película ambientada poco antes del golpe de Estado de Chile en 1973, cuando los agentes de la CIA Criss y Lee, encarnados por John Malkovich y Sam Rockwell, son enviados por su jefe de oficina desde Santiago a la Isla de Pascua. Allí lidiarán con sus truculentos pasados, conspiraciones presentes y dos estudiantes rebeldes que aparecen dispuestos a arruinar la operación. El resultado es una sátira política mordaz, divertida y oscura. 'El tren fluvial'. Lorenzo Ferro, al que conocimos como protagonista de la inquietante El Ángel en 2018, debuta en la dirección con esta tierna fábula que rodó junto a Lucas Vignale, quien falleció este verano en un accidente aéreo en Río de Janeiro. La película cuenta la historia de Milo, un niño de nueve años que vive en un remoto pueblo de Argentina, en el que estudia la danza del malambo, pero que en verdad sueña con escapar del campo en tren a Buenos Aires, donde aspira a cumplir sus sueños. 'La violinista'. Acabamos con la primera película española en ganar en Annecy, el festival de cine de animación más importante del mundo. Raúl García y Ervin Han cuentan en este filme cómo un joven periodista español se adentra en las vidas entrelazadas de dos amantes mientras investiga el origen de un viejo violín. La investigación le lleva al Singapur de 1941, donde el sueño de dos jóvenes violinistas, Kai y Fei, se ve truncado por la invasión japonesa de Malasia durante la II GM.
Jensen Huang ha sido el director NVIDIA desde que la cofundó en 1993 hasta este mismo 2026, en el que ha tenido que dimitir tras su escándalo de su infidelidad con una supuesta espía. Pero en este tiempo, sus chips se han convertido en una pieza básica del auge de la inteligencia artificial, aunque su historia empieza bastante lejos de Silicon Valley, en una familia taiwanesa corriente y con un primer trabajo en la cocina de un restaurante. Su trayectoria también pasa por un internado de Kentucky, un Denny’s y un primer chip que estuvo a punto de hundir la empresa. De Taiwán a Kentucky . Huang, cuyo nombre original es Jen-Hsun Huang, nació el 17 de febrero de 1963 en Tainan, en una familia con un padre ingeniero químico y una madre maestra . Cuando tenía cinco años se mudaron a Tailandia, pero sus padres decidieron no instalarse allí de forma definitiva por la guerra de Vietnam, y acabaron mandando a los niños a Estados Unidos. El propio Huang explicaba en una entrevista con NPR que ese viaje fue en 1973, en plena agitación social en Tailandia, cuando él tenía nueve años y su hermano, diez. Los dos vivieron primero con un tío en Tacoma, en el estado de Washington, y poco después acabaron en el Oneida Baptist Institute, un internado de Kentucky en el que, como recordaba en esa misma conversación, los alumnos eran duros y las peleas no acababan bien. Lavaplatos en un Denny’s . Ya en Oregón, Huang empezó a trabajar con 15 años en un Denny’s de Portland, donde fue lavaplatos, ayudante de camarero y camarero, según cuenta el blog oficial de NVIDIA . Y es que él mismo ha recordado en varias ocasiones lo que le dio aquel empleo: “Denny’s me ha enseñado muchas lecciones”, aseguraba en 2023 en ese mismo texto, en el que también recomendaba empezar en la hostelería porque enseña humildad, esfuerzo y hospitalidad. Ingeniero antes que empresario . Huang se graduó en ingeniería eléctrica en la Universidad Estatal de Oregón en 1984, y allí conoció a Lori Mills, también estudiante de ingeniería, con quien más tarde se casó. Después pasó por AMD, donde diseñaba microprocesadores, y por LSI Logic, donde ocupó puestos de ingeniería, marketing y dirección general entre 1985 y 1993. Mientras trabajaba en LSI Logic también se sacó un máster en ingeniería eléctrica por la Universidad de Stanford, que terminó en 1992 , apenas un año antes de dar el salto y montar su propia empresa. En Xataka “Nos dio seis meses de vida”: cuando NVIDIA estuvo a punto de quebrar y SEGA se convirtió en su único salvador Una empresa a punto de quebrar . En 1993, Huang fundó NVIDIA junto a Chris Malachowsky y Curtis Priem, y los tres arrancaron con 40.000 dólares de capital. La idea era fabricar chips gráficos para ordenadores y videojuegos, pero su primer producto, el NV1, se basaba en superficies cuadráticas y no en los triángulos que acabaría imponiendo Microsoft con DirectX. Cuando Microsoft presentó esas especificaciones, el interés por el NV1 se esfumó , y NVIDIA tuvo que rehacer su chip prácticamente sin clientes y con la plantilla muy reducida. El resultado fue el RIVA 128, lanzado en 1997 y ya compatible con el estándar de Microsoft, que volvió a poner a la compañía en el mapa. Dos años después, en 1999, llegó la GeForce 256, que NVIDIA presentó como “la primera GPU del mundo” por integrar en un único chip la transformación geométrica y la iluminación, entre otras funciones. Una GPU permite al ordenador procesar gráficos y cálculos complejos mucho más rápido, aunque en aquel momento su uso se centraba sobre todo en los videojuegos y los gráficos por ordenador. De los videojuegos a la IA . Con el tiempo, quedó claro que las GPU, capaces de hacer muchísimos cálculos a la vez, eran buenas candidatas para ejecutar algoritmos de aprendizaje automático, y NVIDIA dejó de ser únicamente una empresa de gráficos para juegos. Y así empezó la evolución hasta convertirse en una potencia de la IA con presencia en campos como los coches autónomos o la robótica. Pero el gran acelerón llegó con la IA generativa: desde la aparición de ChatGPT, NVIDIA ha multiplicado casi por 13 su negocio de centros de datos . Además de esto, los cinco grandes proveedores de nube suponen algo más de la mitad de esos ingresos, y Huang destacó el alcance de CUDA, la plataforma de software con la que se programan sus GPU. Huang también se ha hecho reconocible por su chaqueta de cuero , que suele llevar en los anuncios más importantes de la compañía, y por una lista de reconocimientos en la que sobresalen dos. Fortune lo eligió empresario del año en 2017 , y en 2019 la Harvard Business Review lo colocó en el primer puesto de su clasificación de los 100 consejeros delegados con mejores resultados del mundo. Foto | Anderseidesvik En Xataka | Jensen Huang ha salvado a NVIDIA seis veces. La séptima crisis es él - La noticia ¿Cómo Jensen Huang, que proviene de una familia común, construyó el imperio de NVIDIA? fue publicada originalmente en Genbeta por Redacción de Genbeta .
El Schwarzmilzferner , que era el último glaciar de los Alpes de Allgäu (en su lado tirolés), ya no lo es, como lo cuenta la información de la agencia dpa y recogen medios como Welt en su sección de Ciencia . Tras el verano de 2026, esta masa de hielo, a unos 2.450 metros de altitud en la ladera sureste de la Mädelegabel y la Hochfrottspitze, ha perdido más de cuatro metros de grosor y alrededor de la mitad de su volumen. Ese “entierro” es poco ceremonioso igualmente, aunque el glaciar aún no ha desaparecido del todo, pero sí que ha perdido su estatus en base al hielo que también ha perdido. ¿Qué hace que un glaciar lo sea? Según el glaciólogo Christoph Mayer, de la Academia Bávara de Ciencias, además del grosor y el volumen cuenta si el hielo fluye , es decir, si se mueve, y el Schwarzmilzferner ya no lo hace, según la agencia austriaca APA . Mayer y sus colegas lo vigilan de cerca desde hace 26 años y documentan pérdidas claras desde 2016. De hecho, la tendencia se reforzó a partir de 2022 y “desde entonces estaba claro que el glaciar llegaba a su fin”, afirma. Su final tiene fecha aproximada, y Meyer señala que “después del próximo verano, con toda probabilidad habrá desaparecido por completo ”. El caso del Schwarzmilzferner es uno de muchos, porque cada año desaparecen varios glaciares pequeños en los Alpes y el experto considera la tendencia casi imparable: “Incluso si en invierno nieva mucho, las masas de hielo sufren rápidamente ”. Añade que “los veranos son ya demasiado calurosos para ellas”, y su previsión para el conjunto es que “según el estado actual, doy por hecho que los Alpes orientales al completo estarán libres de hielo entre 2060 y 2070”. En Xataka Venezuela pierde su último glaciar. Los científicos ya tienen una 'Death note' de los próximos países en los que pasará En Baviera, el margen es incluso menor. Los cuatro últimos glaciares alemanes perdieron más de una cuarta parte de su superficie entre 2023 y 2025, y en total alrededor de un millón de metros cúbicos de hielo. Es el resultado de la medición del geógrafo Wilfried Hagg, de la Hochschule München, y de Mayer, que la Academia Bávara y la universidad presentaron el 19 de marzo de 2026 . Según Welt, la Umweltforschungsstation Schneefernerhaus (estación de investigación ambiental), en la Zugspitze, también espera pérdidas considerables tras el verano de 2026. Los plazos son cortos. El Blaueisgletscher y el Watzmanngletscher, en los Alpes de Berchtesgaden, podrían perder pronto su estatus de glaciar, y el Nördlicher Schneeferner, en la Zugspitze, antes de que acabe la década. El Höllentalferner, también en la Zugspitze, es el que más aguantaría, pero los científicos le dan como máximo diez años . Previamente, en 2022, el Südlicher Schneeferner ya había dejado de ser glaciar , según la Academia Bávara. Foto | Harald Hetzner (vía Wikimedia Commons CC BY-SA 1.0) En Xataka | Lo que parecía imposible se ha hecho realidad: los glaciares de los Pirineos ya tienen fecha para su extinción definitiva En Genbeta | Una herramienta de la NASA muestra qué glaciares pueden inundar casi 300 ciudades costeras En Xataka| 300 glaciares han desaparecido del oeste americano desde mediados del siglo XX. Los supervivientes tienen algunas cosas en común - La noticia "Completamente desaparecido": los científicos "entierran" el último glaciar de los Alpes de Allgäu fue publicada originalmente en Xataka Ciencia por Redacción Xataka Ciencia .
El candidato español gana posibilidades para conseguir ser el presidente del Banco Central Europeo, tras un acuerdo entre Berlín y París, frente al neerlandés Klaas Knot Hernández de Cos se enfrentará al neerlandés Knot por la presidencia del BCE La balanza se va inclinando para que Pablo Hernández de Cos sea el próximo presidente del Banco Central Europeo (BCE). Francia apoyaría al candidato español frente al neerlandés Klaas Knot en el proceso de suceción de Christine Lagarde, que abandona la presidencia de la institución monetaria el 7 de febrero de 2027, casi nueve meses antes del final de su mandato, según ha adelantado el diario francés Le Monde. En esta pugna por liderar la política monetaria de la zona euro no solo se pelea por la presidencia del BCE. Además, la representante de Alemania Isabel Schnabel anunció en septiembre que dejaba su cargo en el Comité Ejecutivo y del Consejo de Gobierno del BCE para incorporarse al Fondo Monetario Internacional (FMI) en enero de 2027. Por otro lado, el economista jefe de la institución monetaria, el irlandés Philip Lane, también finaliza en mayo de 2027 su periplo de ocho años en la institución monetaria. Francia había mostrado su interés por el puesto de economista jefe, la segunda posición con más poder dentro del BCE, pero en las negociaciones entre las capitales europeas habría cedido ese puesto a Alemania para conseguir llegar a un acuerdo que no encumbre a un halcón, defensor de las políticas monetarias más duras, como Knot. Los nombramientos para el banco se abordarán de manera informal entre los líderes europeos este viernes en Dublín. Francia se enfrenta a unas elecciones fundamentales el próximo año, por lo que un presidente del BCE que abogue por más subidas de tipos de interés para ahogar a la economía y así bajar la inflación podría inclinar aún más la balanza por la candidata de ultraderecha, Marine Le Pen. París se conformaría con ocupar un puesto en el comité ejecutivo con responsabilidad en operaciones de mercado. Knot es reconocido por defender las políticas monetarias más duras. Coincidió con la presidencia del BCE de Mario Draghi, al que criticó por las medidas de estímulo económico que adoptó para sacar a Europa de la grave crisis económica que sufrió, aunque posteriormente adoptó un papel más pragmático ante la envergadura de la crisis, podría tener el respaldo de algunos países del norte de Europa que esperan una política monetaria más dura. Markus Brunnermeier como economista jefe Según Handelsblatt, el principal periódico económico de Alemania, la cancillería alemana habría ya elegido a Markus Brunnermeier como su apuesta para ocupar el puesto de economista jefe del BCE. Brunnermeier es profesor de la Universidad de Princeton y es considerado en los círculos financieros como un candidato altamente cualificado. El vicepresidente y ministro de Economía y de Transportes, Carlos Cuerpo, ya se mostró “optimista” ante las posibilidades de que Pablo Hernández de Cos sea designado como presidente del Banco Central Europeo. Cuerpo recalcó que “hace tiempo que se ha empezado a negociar la sucesión de la presidenta Christine Lagarde. Somos conscientes de todo lo que conlleva este tipo de procesos y hemos intentado poner sobre la mesa una candidatura lo suficientemente potente y fuerte como para tener posibilidades realistas. Somos optimistas, España por primera vez puede tener a alguien al frente del Banco Central Europeo”. Los 21 países de la zona euro tienen que elegir por votación al presidente de la institución monetaria por un periodo de ocho años sin posibilidad de renovación. La votación se decide por mayoría cualificada reforzada entre los 21 países, lo que significa que para conseguir un cargo al menos 16 países deben votar a favor y esos países deben representar al menos el 65% de la población de la zona del euro.
La adaptación de este texto épico, central en el imaginario religioso de India, se anuncia como la superproducción de mayor presupuesto que jamás haya salido del país Namit Malhotra es un todopoderoso productor indio , cuya empresa de efectos digitales ha tenido desempeño en Hollywood, que dio unas curiosas declaraciones durante la promoción de su último film. Le preguntaron si, ya que estaba desarrollando esta ambiciosísima adaptación de Ramayana , tendría interés en adaptar más tarde el otro gran poema indio, el Mahabharata , junto a quien a día de hoy sigue siendo el cineasta más taquillero de la historia de India, S.S. Rajamouli. “Lo importante es que ha llegado el momento de que todo el cine indio triunfe”, dijo saliéndose por la tangente. Rajamouli no está detrás de Ramayana y ni siquiera trabaja en Bollywood —el nodo de la industria india radicado en Mumbai y hablado en hindi— sino en Tollywood, cuyo epicentro es Hyderabad y donde se habla en telugu. Pese a esta separación geográfica Malhotra parece convencido de que sus esfuerzos y los del director de Ramayana Nitesh Tiwari están coordinados con los de Rajamouli, pues es un mismo y común “cine indio” el beneficiado. Y además, con las mismas fuentes. Dejando de lado cómo el Mahabharata viene influyendo la carrera de Rajamouli —por ejemplo en el film que prepara para 2027, Varanasi — resulta que este ya ha adaptado antes el Ramayana . En la película, además, que a muchos nos descubrió las particularidades de la superproducción india hace cuatro años: RRR . Esta película tuvo en 2022 un éxito aplastante, llegando a ganar un Oscar a Mejor canción original por Naatu Naatu . Y ofreciendo, por lo demás, una serie de claves estéticas que acaso pasaron desapercibidas, sobre todo por cómo Rajamouli habría fabulado sobre la vida de dos revolucionarios indios reales (enfrentados al colonialismo británico a principios del siglo pasado) siguiendo el esquema narrativo de, sí, el Ramayana . Este poema épico, atribuido a Valmiki durante el siglo III a.C., es una piedra troncal de la cultura india y el motor narrativo secreto de RRR . Con sus dos protagonistas transmutados en el rey Rama y Hanuman, el hombre-mono. Raju (Ram Charan) sería Rama y Komaram Bheem (Jr. NTR), Hanuman. Mientras, Sita (Alia Bhatt) sería la princesa que tratan de rescatar del malvado Ravana (aquí el Imperio británico). Que el triunfo de RRR tuviera esta envergadura siendo una adaptación velada del Ramayana habría motivado directamente, por tanto, el asombroso despliegue de medios de la película que ahora estrenan Malhotra y Tiwari: un hito para el cine indio gracias a su presupuesto (4.000 millones de rupias —unos 38 millones de euros—, la película más cara jamás salida de este país) y a una distribución masiva coincidiendo con las fiestas del Diwali en noviembre (inspiradas, justamente, en la victoria de Rama sobre Ravana). La distribución se extiende además a nuestro país a través de Sony, toda una major . Algo excepcional — en España suelen encargarse de estos proyectos distribuidoras independientes — que remite a cuando hace 25 años la misma Sony distribuyera Lagaan, érase una vez en India (nominada al Oscar a Mejor película internacional), y blinda el aura de gran evento de Ramayana . Que es, no obstante, una película mucho peor que RRR . Pero por razones muy interesantes. El Ramayana contra la Odisea La clave se encuentra en ese texto fundacional. El Ramayana ha sido llevado al cine en múltiples ocasiones previas, ya sea de forma indirecta como hacía RRR o directamente, con las licencias esperables, en el caso de un título de dibujos animados de cierto culto estrenado en los 90 ( El príncipe guerrero ) o la más reciente Adipurush . Este film de 2023 fue destrozado por la crítica a causa del guion y sus pobres efectos digitales —reproches plenamente extrapolables a Ramayana —, pero lo relevante es que utilizaba las mismas estrategias que el posterior título de Tiwari, aplanando toda la posible complejidad del texto de Valmiki para convertirlo en un espectáculo escapista. Suscribía, al mismo tiempo, una curiosa tendencia global. Puestos a pensar en el Ramayana como código fuente cultural —un texto que es más que un texto al haber vertebrado religiones y nacionalismos—, cuesta no ver un equivalente en La investidura de los dioses con respecto a otra potencia asiática, China. Esta novela desarrollada durante la dinastía Ming (siglo XVI) ha sido objeto de la misma insistencia por llevarla al cine, finalmente con un éxito que Ramayana sueña con emular. Nos referimos a la película animada Ne Zha y especialmente a su secuela, Ne Zha 2 , que en 2025 no se limitó a ser el film más taquillero de la historia de China, sino que logró ser la producción animada con mayor recaudación de todos los tiempos superando a Del revés 2 . A Ne Zha 2 y Ramayana les une un ímpetu similar: el de dos potencias que reclaman poder geopolítico. En el caso de China con un liderazgo consolidado que Ne Zha 2 celebraría, y en el de India de forma más emergente pero igualmente intimidante. El nacionalismo baña ambos films y se cifra en la actualización de referentes sobradamente conocidos por la ciudadanía, ahora reactivados con modelos de producción de inequívoco sabor occidental: “Un ejercicio de autoestima mediante la reproducción de moldes parecidos a aquellas películas que dibujaban un mundo monopolar donde Estados Unidos ejercía de sheriff (o bully ) con arrogancia imperial”, escribía Ignasi Franch . 'RRR' ya adaptaba en su día el Ramayana “Quienes eran subalternos repiten modelos como si no hubiese otra forma de situarse en el mundo. Como si la queja no fuese que un país se imponía a los demás, sino que no era tu país el que se imponía”. Lo divertido, entonces, llega cuando nos percatamos de que Occidente ya ha “respondido” a esta rebelión en 2026 y a pocos meses de Ramayana , pues justo eso podría ser La Odisea de Christopher Nolan . La Odisea de Homero comparte el carácter embrionario del Ramayana y La investidura de los dioses . Pero a diferencia de estas, su recuperación en el presente no está marcada por el orgullo sino por la contrición y el remordimiento. La Odisea de Nolan se actualiza a la medida de su época y nos habla de un Occidente cabizbajo, consciente de los abusos cometidos y de haber generado una espiral de violencia global que justo vendrían a engrosar Ne Zha 2 y Ramayana , con su elogio acrítico del guerrero y el apego militante al potencial patriótico de sus fuentes. El caso de Ramayana sería particularmente violento, por emanar de un régimen que ha hecho del racismo y el fundamentalismo religioso su brújula principal. La verdadera lucha de Rama En Ramayana la figura del director sería lo de menos. Es decir, no hay que obviar que Tiwari firmó la que sigue siendo la película más taquillera de la historia de India: Dangal , estrenada en 2016. El modo en que recreaba una historia real —de acusado parecido a lo que vimos más tarde en EEUU con El método Williams , cambiando el tenis por la lucha libre de cara a la abusiva educación de un padre a sus hijas deportistas— subrayando con ella un desbocado patriotismo entroncaría con Ramayana … y sin embargo Tiwari solo es un gestor providencial. Es más relevante que la producción de Ramayana haya sido respaldada directamente por el gobierno de Narendra Modi, y que el guion corra a cuenta del productor Namit Malhotra junto a un tal Sridhar Raghavan. Raghavan es el principal artífice de lo que podríamos considerar el Universo de Marvel indio: una saga de películas de acción que responde al nombre de YRF Spy Universe (el “Universo de Espías” del estudio Yash Raj Films). El YRF Spy Universe, del mismo modo que Ramayana o la obra de S.S. Rajamouli, redunda en un nacionalismo exacerbado capaz de definir blockbusters donde la relectura mitológica se alinee con las enseñanzas de Hollywood. Fue por ejemplo muy ilustrativo el caso de Kalki 2898 en 2024, otra producción que fue en su día la más costosa alumbrada por la industria india. Se trataba de un plagio descarado de marcas occidentales como Dune y Mad Max , pero el truco era que además actualizaba con ello el imaginario mitológico del Mahabarhata . Kalki 2898 , como Ramayana , es el inicio de una saga. El subtítulo de Ramayana en España es El nacimiento de una leyenda porque en efecto solo adapta una parte del poema —básicamente hasta que Sita es secuestrada; Hanuman ni siquiera aparece y el film se autocondena, durando más de tres horas, a ser de lo más anticlimático—, y porque en efecto esta adaptación del gran relato nacional nace en un entramado industrial donde las fuerzas productivas son inseparables de los dictados del gobierno. El Partido Popular Indio de Modi (reelegido en 2024) promulga una ideología llamada Hindutva, y es la que respaldan de un modo u otro todas las producciones enumeradas. Ranbir Kapoor interpreta a Rama El Hindutva respalda el sistema de castas y rechaza una India multicultural, marginando el credo musulmán en pos de un hinduismo excluyente. Es, en fin, una retórica ultraderechista que ha venido hallando una herramienta muy adecuada para extenderse y perpetuarse en el cine de gran espectáculo: tanto aquel que erige a India como gran potencia de la geopolítica actual —caso del YRF Spy Universe— como el que adapta una y otra vez los textos primordiales. El Ramayana , según Modi y sus acólitos, sería el gran legitimador del Hindutva, con Rama como héroe monolítico que representa las virtudes nacionales. La película de Tiwari se limita a suscribirlas. Ahora bien. El Ramayana ha llegado a la sociedad de muchas formas. Hay versiones indonesias, malayas, tailandesas. Y sobre todo —y como pasa con cualquier texto de tan inabarcable arraigo— se le ha leído de muchas formas. Con Ravana como antihéroe que merece nuestra comprensión, o con Hanuman como representante de las clases populares. Justo este ángulo enfatizaba Monkey Man , una película de acción que Dev Patel dirigió y protagonizó hace un par de años, y que pretendía releer el imaginario del Ramayana desde coordenadas distintas. Atacando directamente, de hecho, al gobierno de Modi y a la forma en que había instrumentalizado falazmente el mito. Monkey Man , a día de hoy, sigue prohibida en India. Porque “si existen 300 Ramayanas ninguna formación política puede pretender hablar en nombre de Rama”, escribe Ankush Pal . “Y así es como el edificio de la identidad nacionalista hindú empieza a tambalearse”. Si esta última Ramayana es tan insípida, entonces, y tan aburrida y arrítmica y fea, es porque tales son los rasgos inevitables de la propaganda gubernamental. Las historias populares nunca podrán prosperar desde este marco.
Takashi Yamazaki repite como director tras el éxito de ‘Godzilla Minus One’ en otro gozoso festival de monstruos y destrucción urbana con el que el cine japonés pueda sacar pecho El cine francés presume de sus clásicos y reivindica ‘Los miserables’: “En EEUU preguntan si es la versión sin canciones” En la gala de los Oscar de 2023 se palpaba una tensión extraña. Tanto Takashi Yamazaki como Christopher Nolan asistían como candidatos: Yamazaki optaba al premio a Mejores efectos visuales por su trabajo en Godzilla Minus One (que también dirigía), mientras Nolan firmaba la posible gran triunfadora de la noche, Oppenheimer . Y en efecto esta se llevó 7 estatuillas de las 13 a las que estaba nominada, mientras Yamazaki lograba el primer Oscar de una saga tan longeva como Godzilla . La tensión venía, por otra parte, del hecho de que Oppenheimer y Godzilla Minus One ofrecieran vistazos contrapuestos a lo mismo: el bombardeo de Hiroshima y Nagasaki en 1945. Una crítica recurrente a la película de Nolan había apuntado a la ausencia de la perspectiva japonesa: todo se narraba desde el punto de vista del susodicho Oppenheimer, padre de la bomba atómica. El filme había incomodado lo suyo a Japón por la frivolidad con la que Universal Pictures había compartido memes de Oppenheimer y Barbie durante la promoción —luego la major se disculparía—, pero sobre todo por la propia naturaleza de la trama, que imposibilitó inicialmente un estreno en el país nipón. Yamazaki solo pudo verla durante un viaje a Taiwán y, aunque aseguró que la película le había gustado, no pudo resistirse a hacer un comentario sobre la coincidencia que le había llevado a la misma gala de premios que al director estrella de Hollywood. “Como persona de ascendencia japonesa, mi respuesta a Oppenheimer es que me gustaría dedicarle una película propia algún día”, dijo . Y es que Godzilla nació en 1954 como respuesta al trauma de Hiroshima y Nagasaki: un monstruo generado en los despojos de la posguerra para seguir atormentando al conmocionado pueblo japonés. Puesto que la película de Yamazaki volvía al origen de todo casi parecía que Oppenheimer fuera una precuela de Godzilla Minus One , mientras la dialéctica se mantenía como siempre: el cine estadounidense hablando de remordimiento, el cine japonés regodeándose en la destrucción propia. La diferencia es que esta destrucción, ahora, podía rivalizar en espectacularidad con Hollywood. Godzilla Minus One le arrebató el Oscar a sagas como Misión imposible y Guardianes de la galaxia . Esa estatuilla contrastaba, de hecho, con cómo habían pasado prácticamente desapercibidas en esta categoría las películas estadounidenses de Godzilla , adscritas al llamado Monsterverso . Con algunos títulos disfrutables como Kong: La isla calavera o los dos crossovers de Godzilla vs. Kong , pero todos a muchísima distancia de la excelencia que había logrado Yamazaki. Tiempo después el tráiler de la secuela, Godzilla Minus Zero , mostraba al monstruo llegando a Nueva York y destruyendo la Estatua de la Libertad. ¿Había llegado la hora de la venganza? Hollywood bajo el terror del monstruo Resulta tentador leerlo así. Por mucho que la alianza de EEUU y Japón continúe tan boyante como siempre, o por mucho que Godzilla Minus Zero parezca seguir buscando ansiosamente el placer del público occidental. La cuestión es que aquel Oscar a Mejores efectos visuales que obtuvo en 2023 —en conjunto a la mayor taquilla que nunca haya logrado una película japonesa de Godzilla — es de lo más jugoso a efectos simbólicos y nos habla, como tantas otras cosas alrededor, del declive de la hegemonía hollywoodiense a la hora de proporcionar taquillazos globales. Todo empezó en la pandemia, cuando por primera vez la industria estadounidense no tuvo la mayor recaudación… en beneficio del mercado de China. Una potencia que años después, gracias a Ne Zha 2 , le arrebataría a Del revés 2 de Pixar la posición de película animada más taquillera de todos los tiempos. Podríamos sumarle a eso el creciente influjo de la superproducción india —con el fenómeno también traducido en Oscars que fue RRR en 2022 o las notables ambiciones depositadas en la inminente Ramayana , a estrenarse en España el mismo día que Godzilla Minus Zero —, y por supuesto el desempeño japonés, con otros hitos alrededor de la película de Yamazaki. No debemos obviar que en la misma ceremonia de Godzilla Minus One también ganó El chico y la garza de Miyazaki el Oscar a Mejor película de animación. Ni que dos años después otro anime, Guardianes de la noche: La fortaleza infinita , pudo colarse en el ránking de mayores recaudaciones. La potestad de producir blockbusters con opciones de arrasar a lo largo del mundo —o de, al menos, conseguir cifras enormes sin apenas moverse del sitio, como acostumbran China e India— se ha expandido, y por supuesto que Godzilla debía beneficiarse también. Es quien más se lo merece, además, por cómo Hollywood ha llegado a entorpecer directamente su trayectoria. Allá por 2016 Toho, el gran estudio japonés responsable de Godzilla , se había labrado otro gran éxito. La incorporación de efectos especiales por ordenador y de un autor tan inclasificable como Hideaki Anno ( Neon Genesis Evangelion ) dio forma a Shin Godzilla : una entrega que se atrevía a sustituir los bombardeos nucleares por la reciente explosión de Fukushima como génesis del monstruo. El resultado era un enfoque más frío que el que posteriormente seguiría Yamazaki, pero por bien que funcionara no hubo manera de darle continuidad. Y la culpa, al parecer, fue el trato que Toho acababa de hacer con Legendary Pictures para incluir a Godzilla en su Monsterverse. Hasta bien entrado 2020, que dieron luz verde a Yamazaki, no pudo empezar a desarrollarse otra entrega. Godzilla llega a Nueva York Es inevitable, entonces, no percibir todo lo que rodea a Godzilla Minus One y Godzilla Minus Zero —mejor no darle muchas vueltas a la absurdez de los títulos— desde un halo de justicia poética. Así como llamar la atención sobre las notables diferencias entre Shin Godzilla y las películas de Yamazaki, que van mucho más allá de la mejora (absolutamente categórica) de los efectos digitales. Frente al sarcasmo de Anno y su interés en darle a la población japonesa un protagonismo colectivo —aprovechando para burlarse de la burocracia y el sentimiento de inferioridad japonés—, Yamazaki se ha apegado a una narración más clásica y emocional, partiendo de una idea brillante que sigue explorando en Minus Zero : ahora el gran oponente del monstruo es un expiloto kamikaze, arrepentido por no haberse sacrificado durante la Segunda Guerra Mundial. Una secuela que gana complejidad y espectáculo La gracia está en que Koichi (Ryunosuke Kamiki) ha acabado formando una familia con Noriko (Minami Hamabe) y una niña huérfana a la que adoptan, Akiko (Sae Nagatani). Con lo que el imperativo de morir por la patria ha cambiado radicalmente: ahora ha de seguir vivo por su nueva familia, y enfrentarse a los monstruos que siguen amenazando a Japón a escasos años del fin de la Segunda Guerra Mundial. Otro detalle encantador de estos nuevos Godzilla es que hablamos de cine de época (seguimos anclados en la década de los 40), con un diseño de producción estupendo que además permite la fabulación histórica… con kaijus incorporados. El proyecto de Yamazaki busca seguir preguntándose por la identidad del Japón contemporáneo —que es, por supuesto, de lo que siempre han hablado Godzilla —, y sus preguntas ganan virulencia al toparnos en Godzilla Minus Zero con la introducción del profesor Murakami (Jun Kunimura). Superviviente de los bombardeos estadounidenses que concluyeron abruptamente la contienda, en los primeros minutos de esta secuela sobrevive a otra espantosa catástrofe: el ataque de King Ghidorah, otro monstruo clásico de Toho, poco después de la primera aparición de Godzilla. Como manda la lógica de este tipo de producciones, el incremento del espectáculo de Minus Zero con respecto a Minus One se cifra en que Godzilla ya no es el único monstruo (resucitado tras su aparente muerte en el film anterior), sino que ahora le tocará zurrarse con uno aún más grande y poderoso que él, un dragón de tres cabezas nada menos. Y en efecto todo está resuelto de maravilla, con una contundente mejora del CGI con respecto al film anterior y una puesta en escena felizmente segura de sí misma por parte de Yamazaki, que garantiza secuencias tan apabullantes como el primer ataque de los aviones a King Ghidorah. O los guantazos monstruosos finales, claro. El protagonismo humano es tan importante como el monstruoso No obstante, y volviendo a los personajes, lo mejor de Godzilla Minus Zero es que mantiene intacta la virtud troncal del primer film en cuanto a la materialización de una ficción satisfactoria, con ambiciones sorprendentes. A través del profesor Murakami Godzilla Minus Zero plantea la posibilidad de una venganza japonesa contra los EEUU mientras estos son retratados como una potencia traicionera, seducidos por la posibilidad de usar a Godzilla para sus propios fines. Todo lo cual rinde estupendamente como metáfora —que volvemos a lo mismo, es lo que siempre ha sido este grandullón—, pero sobre todo favorece una narración honesta y transparente, según la furia de este biólogo se cruza con el remordimiento del profesor Noda (Hidetaka Yoshioka) tras haber comandado los batallones de kamikazes y las dudas de la pareja Koichi-Noriko. La gran debilidad de las películas hollywoodienses de Godzilla (aparte de unos efectos digitales sin fuste) suele pasar por una presencia humana bastante irritante que le estorba a los monstruos tanto como al espectador. Yamazaki, de forma sencilla a la vez que sólida, ha esquivado este problema —hasta el anecdótico personaje de la meteoróloga que interpreta Masami Nagasawa se hace querer— e incluso logra emocionar con las vivencias de esta pequeña sinécdoque de Japón, donde se cruzan y resuenan el amor familiar, el patriotismo y el deber. No es que todas estas inquietudes aterricen bien en Godzilla Minus Zero . El guion termina sucumbiendo a la necesidad de originar más secuelas echando a perder la opción de algo realmente desafiante, y depende mucho del subrayado cursi para asegurar el impacto. Lo que, por otra parte, no deja de redundar en la impresión que se concreta cada vez que suena el épico tema musical de Godzilla , compuesto por Akira Ifukube hace más de 70 años: este es el tipo de blockbuster tramposo e irresistible que Hollywood solía hacer, y que ya no hace. Larga vida al nuevo rey.
La autora estadounidense Paula Fox, fallecida en 2017, escribió sobre los secretos que amenazan con romper la frágil armonía familiar Olivia Laing, escritora: “Pasolini vio el regreso del fascismo mucho antes que nadie” Como bien dijo Tolstói, las familias infelices lo son cada una a su manera. De familias y sus dinámicas recónditas sabía mucho Paula Fox (Nueva York, 1923-2017), una autora que todavía no goza de la atención que merece entre el público hispano. Dedicó muchos años a la literatura infantil y juvenil, ámbito en el que publicó una veintena de títulos, entre los que destacan La danza de los esclavos (1973) y La cometa roja (1995), que le valieron reconocimientos como la Newbery Medal 1974, el National Book Award 1983 y el Hans Christian Andersen 1978, este último de alcance internacional y considerado el Premio Nobel de la literatura para niños. Paula Fox, hija de madre cubana y padre neoyorquino, ambos ligados al mundo cultural –ella, Elsie de Sola, como guionista, y él, Paul Hervey Fox, como escritor, dramaturgo y guionista a su vez–, publicó también siete novelas para el público general, que, como les suele ocurrir a quienes escriben para los más jóvenes, pasaron más desapercibidas entre el público adulto. En los años noventa, eso cambió: escritores como Jonathan Franzen o David Foster Wallace la reivindicaron, con lo poco habitual que era, al menos entonces y hasta hace bien poco, que un autor blanco heterosexual elogiara la obra de una mujer. Sea como sea, la recomendación surtió efecto; y sus novelas volvieron a leerse, esta vez con el aplauso que merecían. En España, la publicó el malogrado sello El Aleph, donde apenas despertaron interés, y no ha sido hasta los últimos años, cuando Sexto Piso le ha dado una nueva oportunidad, que parece que al fin su nombre comienza a calar entre los lectores. En particular, de su producción destaca Personajes desesperados (1970; Sexto Piso, 2020, trad. Rosa Pérez Pérez), la historia del declive de un matrimonio de mediana edad en el Brooklyn desapacible de los años sesenta, que cuenta con una adaptación a la gran pantalla protagonizada por Shirley MacLaine. Los hijos de la viuda (1976; Sexto Piso, 2025, trad. Magdalena Palmer) sigue esa misma senda de la deconstrucción de un matrimonio de clase media-alta, y por extensión del resto de la familia, aunque no alcanza la excelencia de su obra maestra. La novela está protagonizada por una mujer de mediana edad llamada Laura Maldonada, de origen español, que convoca junto con su marido Desmond a tres invitados muy especiales: Clara Hansen, la hija del primer matrimonio de Laura; Carlos Maldonada, su hermano, un tipo excéntrico y excesivo; y Peter Rice, un editor amigo de la familia. Los cinco se encuentran en una habitación de hotel en Nueva York, donde la pareja se hospeda la víspera de partir rumbo a África, en uno de sus frecuentes viajes por placer. Toman unos cócteles para amenizar la velada, mientras hacen tiempo para salir a cenar. Todo tranquilo en apariencia, salvo porque las copas suscitan cierta exaltación en Laura, y lo que tenía que ser una velada sencilla va subiendo de tono hasta volverse asfixiante, sobre todo para su hija, Clara. Y es que la vida de Laura no fue siempre el remanso de lujo y ociosidad de ahora: poco a poco, a través de la mirada de Clara, descubrimos que la joven se crio con su abuela Alma y la relación con su progenitora no ha sido fácil. La relación entre madre e hija, junto con el modo en el que cada mujer ha desarrollado su identidad, es el hilo principal de la novela, que va sacando a la luz un lado oscuro de la maternidad que amenaza con romper la frágil armonía que sostiene los vínculos entre los adultos. Laura, enajenada, muestra su lado menos amable; la novela adopta un tono histriónico, una tensión pegajosa como la que va imbricando a los personajes. La mujer guarda un secreto, cuya revelación, en el punto álgido de la narración, los pone frente a las cuerdas. Clara, en cambio, es una chica reservada, discreta; madre e hija no parecen tener nada en común, pero están unidas por ese nudo materno que cuesta tanto deshacer. La novela alterna los pasajes de introspección de cada personaje, que van dando pistas de la historia familiar, con fragmentos de diálogo muy vivo, en el que cada contertulio tiene su manera particular de expresarse, de revelar su carácter a través de lo que dice, de cómo lo dice y, por supuesto, de lo que calla. Paula Fox domina esas escenas que se podrían adaptar al teatro –un número reducido de personajes reunidos en una estancia, sin más desencadenante de la acción que aquello de lo que hablan–, escenas de “ruido”, de lenguaje coloquial, de participantes metomentodo y un tono cada vez más irritado, de ambiente que se va cargando–; y, por eso mismo, resulta fundamental leer entre líneas, prestar atención a lo que se insinúa debajo del bullicio. Como en Personajes desesperados , la autora disecciona las relaciones familiares con una hondura psicológica que permite entender el punto de vista de cada uno. Es dura, hábil para captar las sutilezas, los roces, la aridez. Tiene un sentido del humor un tanto grotesco; no busca complacer al lector, no busca encariñarnos con el elenco. Esto es el relato de una cena familiar infernal, vívida hasta la extenuación para los protagonistas, pero también para los lectores. Laura, el personaje más complejo, responde al perfil de una madre como pocas veces se ha retratado, inestable, impulsiva y cambiante, que hace daño sin poder evitarlo; hoy se podría asociar a un trastorno límite de personalidad. En los últimos capítulos, cuando el secreto ya ha salido a la luz, la contención estalla y los personajes ya no esconden sus heridas. Más que una trama de causa y efecto, Paula Fox parece disfrutar de ir añadiendo capas que ponen de relieve la complejidad de cada uno de ellos, la imposibilidad de dividirlos en buenos y malos; así de difícil es, en suma, la naturaleza humana, que en ocasiones manifiesta el dolor de manera cruel, despiadada, sin ánimo de enmienda. La novela, que tiene un trasfondo autobiográfico, traza un fino retrato de una familia disfuncional sin buscar la redención, porque la vida no está hecha de finales apoteósicos, sino más bien de “murmullos descuidados que llenan la casa”, y que en las manos adecuadas se convierten en literatura.
