La película de Raúl García, un retrato de la Segunda Guerra Mundial en Singapur, país que la coproduce, ganó en el festival de Annecy, la meca de los filmes animados
Esta es la selección que han hecho los críticos de ABC de los últimos discos que se han publicado. Algún día habrá que hacer un estudio de por qué en «big 2026», como dicen los Z, muchos grupos 'mainstream' han decidido que las intros vuelven a estar de moda. En el caso del nuevo disco de los Leon, como en muchos otros, 57 segundos innecesarios que, en fin, no te dejan traumatizado y pasan rápido y se olvidan de golpe al escuchar la voz en gracia de Caleb en el décimo trabajo de la familia Followill. Con esta banda siempre da la sensación de que están a punto de explotar sin terminar de hacerlo, hits puntuales aparte, y, por primera vez en 20 años, parece que aquí no lo buscan. Desde el 'My Whole World' que abre hasta el 'Get You Down' que lo cierra (aunque un poco bajonera para acabar, en la tónica del disco), inspira una paz y tranquilidad que solo puede darte un disco hecho sin ansia ni ambiciones exageradas. Y, supongo, ahí es donde encuentra la belleza que hace que funcione. Canciones pausadas, bonitas, de guitarras melosas, voces casi susurradas, melodías redondas, bajos respetados (y protagonistas, como en 'Koysar') que, pese a lo monótono de la propuesta en tanto que son TODAS tirando a lentas, no cae en la repetición ni te arruina el día abrazado a la tristeza. Tampoco es que hayan sido nunca los más movidos del lugar, vaya, pero en su décimo 'hijo' suenan a que disfrutan de su ritmo pausado y logran una agradable escucha a la que volver. 'Cold Blue Down', 'Feel The Love' y 'Blue Jeans And Diamonds' (esta última con alguna reminiscencia de 'Use Somebody' en el estribillo) tienen muchas papeletas para quedarse en sus repertorio. Digno de escuchar. Alcalá Norte no ha inventado nada. Eso no es un problema, porque salvo Miles, Mozart, La Niña de los Peines, Pierre Schaeffer y algún que otro iluminado más, pocos lo han hecho. Lo que sí han conseguido los de la calle Elfo es hacer suyo un sonido ya viejuno al que imprimen tanta frescura y personalidad que parecen haberlo creado ellos. Los destinados a renovar el post-punk patrio –eso decían hace tres años con el inesperado éxito de su debut, grabado como «disco póstumo» porque «la formación ya había naufragado», según confesó la banda a ABC – han llevado su música al siguiente nivel. Los 11 nuevos temas siguen sonando a The Cure, Héroes del Silencio y Décima Víctima, eso no se puede negar, pero cada vez más a Alcalá Norte, con una dosis extra de desparpajo y originalidad. En 'En Valmy', de hecho, tienen el cuajo de comenzar el álbum con un órgano que parece sacado de 'Qué no daría yo', la increíble canción (cero ironía) que José Luis Perales compuso para Rocío Jurado en 1990. Y encaja, pero cuando gritan enseguida uno de sus estribillos arrebatadores («joder, me siento indiferente, ¡cómo me suda la frente! / Corriendo a través de las puertas de la muerte»), sabes al instante que lo han vuelto a hacer. Alguien les podría afear que no incluyan otro himno inmediato como 'La vida cañón', el que elogió Rosalía en público y convirtió a Alcalá Norte en el grupo del que todo el mundo hablaba. Para mí, sin embargo, eso es una bendición, no una condena. No hay una canción que destaque sobre las otras. 'Dejémoslo como estaba' es un elepé equilibrado en el que podrías cambiar el orden de los temas –sacando los títulos aleatoriamente de un saco con los ojos cerrados– y el conjunto sería igual de bueno. Pero lo más importante es que sus seguidores podrán seguir coreando sus estribillos. Ya lo comprobamos cuando tocaron por primera vez 'El hombre planeta', su primer sencillo, en un concierto gratuito en Madrid Río solo dos semanas después de presentarlo. Y lo confirmamos ahora con cortes como 'El endemoniado' («No creo en Dios, solo en el Sol, como las hojas. / Y sobre la Luna, tengo mis dudas»), 'Los llamados pitagóricos' o esos 'Campos de golf' con los que Álvaro Rivas, su vocalista, denuncia a su manera la maldita crisis de la vivienda que padecemos los del populacho: «Crecеn los campos de golf a mi alrededor, crecen los campos de golf en mi tierra». Si exceptuamos el pequeño capricho de versionar a Icare, una banda francesa de heavy metal, e incluir un tema propio en inglés, 'Oscar The Tiny One', que te sacan un poco del trance, Alcalá Norte logra cerrar el álbum por todo lo alto con 'La venta nueva', una especie de versión pop menos distorsionada y más oscura que, perdonen el atrevimiento, me recuerda un poco a 'Flexible Flyer' de Hüsker Dü. Y eso es un piropo. Ya me imagino a los 15.000 espectadores del Movistar Arena, que los madrileños asaltarán por primera vez el 20 de marzo, cantando «¡perros ladrando en la Venta Nueva / a la entrada de Madriiiiiiid» como si fuera «Take Me Ouuuuuut, Tonight». Palabras mayores. El futuro ha llegado, las máquinas dominan el mundo y las IA generativas campan a sus anchas entre los escombros de una civilización, la nuestra, a punto de desaparecer. Pues bien, ahí, en ese —no tan distante— futuro, bien podría servir la música de Twisted Teens como último baluarte para la supervivencia de la especie. Son un descubrimiento raro, inusual y fresco como el mejor sushi de lonja japonesa. Prueba evidente de ello son los, no 1, ni 2, ni 3, sino 3 discos que llevan publicados solo en lo que va de año. Y ¡ojo!, porque todavía les queda diciembre. Aquí hay consenso en que lo importante no es la cantidad, sino la calidad, pero es que esa certificación también se la lleva con creces este salmón flambeado. Se me ha ido de madre la metáfora del sushi y es de recibo recordar que esta banda no tiene nada que ver con Tokio, sino con el delta de los Estados Unidos, más concretamente con Nueva Orleans. Canciones como trenes bala (¡y dale!), de una frescura radical, guitarras abrasivas y una alucinante voz rasposa y seudoafónica, como la que se le queda a uno tras tres días en el festival de Matsuri 祭. Rock garagero, folk-punk y country alternativo para arropar al corazón maltrecho por el desamor de Caspian Hollywell, frontman del dúo. Suerte que a su lado se mantiene firme y fiel RJ 'Razor Ramone' Santos —la otra mitad—, parapetado siempre con su lap steel para vigilar sus espaldas. En 'The Holy Cross Tigers' volvemos a encontrar viejos trucos como los breaks de batería 'glitcheados' o los entremeses instrumentales que ya nos sorprendieron en sus dos entregas anteriores. Y, si bien es cierto que, si yo fuera tú, empezaría mejor por su disco anterior, 'Florida Water Blues' (el de julio), esta nueva katana sigue perfectamente afilada. Hay que tener ganas de escuchar black metal, pero es cierto que, pocas géneros entran igual si es lo que te pide el cuerpo. Dentro de los estilos extremos, este es de los más abrasivos y difíciles de escuchar para un profano, pero el grupo de Olympia, Washington, ha conseguido plantarle cara a los noruegos y mirarles de tú a tú, por más que los escandinavos prendan fuego a iglesias protestantes. En su octavo trabajo, Wolves In The Throne Room se vuelven más atmosféricos que en entregas anteriores, creando un ambiente gélido y mortal en el que perderse. Las voces ininteligibles y las guitarras, agudas y con ayudan, por supuesto. Aún así, aquí se pueden encontrar algunos elementos de doom metal, de death metal y de dungeon synth, para que luego digan que suenan todos igual.
Del 11 al 15 de noviembre, el festival reúne comedia, música y formatos híbridos con Maria Juan, Manel Vidal, Lluís Gavaldà y Quim Masferrer, además de una programación que se prolongará el 1 de diciembre con 'Barcelona vs. Comarques'
:format(jpg)/f.elconfidencial.com%2Foriginal%2F1fc%2F4a0%2Fb98%2F1fc4a0b987efb0d64da7a3fd469efe50.jpg)
Con sus 17 minutos de duración, es el gran éxito de la temporada. Arrasa allá por donde va. Y esta albaceteña, una curranta de la interpretación, se está llevando todos los premios. Ya lleva 15 y apunta al Goya
El Festival de Cine Europeo de Sevilla proyecta 'Invasión travesti', de Jero de los Santos y Paco Cabezas, rodada sin permisos en 1997 y que narra los últimos tres días de la humanidad bajo un régimen heterofóbico fascista “¡Andalucía libre, igualitaria y orgullosa!”: Sevilla alza su voz por los derechos LGTBIQ+ frente a los discursos de odio El auge actual del cine andaluz tuvo, como todos los auges, comienzos modestísimos. Pero a veces es solo cuestión de tiempo que aquellos esfuerzos pioneros, considerados a menudo como obras de culto para maquillar su olvido, vuelvan al presente para reivindicar su valor y su vigencia. Es el caso de Invasión travesti , una película de ciencia-ficción y sátira underground que firmaban unos jóvenes Jero de los Santos y Paco Cabezas, y que un cuarto de siglo después de su estreno será proyectada este viernes en el Festival de Cine Europeo de Sevilla , convenientemente restaurada, en su sección Esenciales . Rodada de manera independiente y sin permisos en la capital hispalense entre 1997 y 1998 y estrenado en el cine Avenida de la ciudad en el año 2000, Invasión travesti fue posible gracias a la cámara de 16 mm del padre de Alberto Rodríguez, empleado en la televisión autonómica, que un grupo de amigos cinéfilos ya habían usado poco antes para hacer una colección de cortos que sería el primer aviso de la llamada Generación Cinexin . “Cuando Paco Cabezas y yo pensamos en hacer esta película, la cámara estaba ya desechada porque tenía un problema con las lentes y no recogía sonido”, recuerda De los Santos. “Aun así, era la única cámara de cine a la que podíamos acceder, por lo que rodamos la película igualmente. Con la ayuda de Alberto y también de Álex Catalán, que fue quien hizo la fotografía, logramos sacar adelante nuestro proyecto”. Estudiantes del CAT Hoy, Alberto Rodríguez es un director mundialmente reconocido, Catalán posee un Goya y Cabezas rueda en Hollywood, pero hay que remontarse al momento en que éste y De los Santos, amigos de infancia, empezaron a estudiar en el Centro Andaluz de Teatro. “Carmen Calvo había decidido cerrar el centro y favorecer los estudios de Arte Dramático, en lugar de mantener abiertas las dos unidades de formación y producción. Por allí andaban también Paco León y Santi Amodeo, y buena parte del reparto. Casi el 90 % de la película transcurre en espacios del Centro Andaluz de Teatro”. De hecho, el filme original está firmado por un colectivo llamado Perras de Satán, “el grupo con el que yo trabajaba”, dice Jero de los Santos. “Sus integrantes nunca eran los mismos, el único que estaba siempre era yo. Era una forma de reivindicar una autoría común, sin darle tanta importancia a lo individual, sino poniendo el acento en lo colectivo. Anteriormente a Invasión Travesti habíamos hecho otra historia que se llamaba Una Grande y Libre Anchoa , que tenía un trasfondo muy parecido: también era una expresión de rechazo a la violencia relacionada con los colegios de monjas, los estudios religiosos y demás. De ahí surge un personaje que aparece también en Invasión Travesti . En cierto modo, Invasión Travesti es una continuación de aquella primera historia. Cambia el argumento, pero permanecen algunos personajes, como el de la travesti malvada que pone fin a la humanidad, Laura Crawford”. Según el cineasta, “entonces fue la única película hecha por un equipo cuya dirección estaba en manos de una persona gay, que estaba planteando algo que todavía no se hacía en Andalucía. Faltaban diez años para el primer Orgullo Gay en Sevilla. Y solo había travestis que imitaban a folclóricas. Cuando hicimos la convocatoria para que vinieran drag queens, no vino ninguna”, evoca. “Con los años, algunas de ellas, como Angelita la Perversa, me contaron: ‘Ay, es que yo todavía era un niño. Vi el cartel, pero no me atreví a ir’. Fuimos a contracorriente”. Distopía y protesta En cuanto al argumento de Invasión Travesti , gira en torno a hordas travestis que han invadido el planeta. La mencionada Laura Crawford, un híbrido letal formado con lo peor de ambos géneros, ha sembrado el caos. Bárbara Furiase, la última mujer heterosexual, tiene solo tres días para encontrar a alguien igual que ella y juntos salvar el mundo. “La película habla de la violencia correctiva que, como persona gay, sufrí durante toda mi infancia y juventud, dentro y fuera de casa. Era una época en la que todavía pesaban mucho la ideología franquista de principios de los ochenta y la educación religiosa. El rodaje fue mi forma de protestar y de plantear una especie de distopía en la que las personas heterosexuales fueran tratadas como somos tratadas las personas disidentes. Hablamos de heteroterrorismo, del fin del mundo, de la última mujer heterosexual sobre la Tierra”. Los discursos correctivos son algo común a cualquier persona que no sea blanca, heterosexual y burguesa. Yo he sufrido clasismo en el colegio privado, igual que homofobia y racismo, porque todas esas cosas van de la mano. Esa forma de no tolerar la diferencia creo que nos une a todos los que, por una razón u otra, no encajamos en esa definición tan estricta de cómo hay que ser Jero de los Santos — Director de 'Invasión Travesti' En este sentido, De los Santos subraya que “provocar nunca ha sido una intención para mí. Lo que hice fue lo que necesitaba hacer: expresar mi rabia ante esa violencia que había sufrido todo el mundo de mi entorno, como si no seguir la norma heteropatriarcal o heterosexual fuese casi un crimen”. El elemento gitano, también muy presente en Jero de los Santos, no queda subrayado explícitamente, aunque “aparece porque forma parte de mi manera de ver el mundo”, admite. “Los discursos correctivos son algo común a cualquier persona que no sea blanca, heterosexual y burguesa. Yo he sufrido clasismo en el colegio privado, igual que homofobia y racismo, porque todas esas cosas van de la mano. Esa forma de no tolerar la diferencia creo que nos une a todos los que, por una razón u otra, no encajamos en esa definición tan estricta de cómo hay que ser. De todos los colores de la bandera del arcoíris, solo se permite uno: el heterosexual. Todos los demás son condenados. Algo parecido nos ocurre a las personas gitanas, negras o, simplemente, de clase trabajadora en determinados entornos”. Rodaje sin presupuesto Ahora, el cineasta sonríe al recordar cómo “rodábamos hasta altas horas de la madrugada. Por ejemplo, cuando Álex Catalán terminaba de trabajar en Canal Sur, venía al rodaje. A veces estábamos hasta las seis o las siete de la mañana. También rodamos en otros puntos de la ciudad, siempre sin permisos. Era una especie de cine de guerrilla. S i teníamos que hacer un plano frente a la Giralda, nos íbamos a las cinco de la mañana, uno vigilaba que no viniera la policía, rodábamos el plano y salíamos corriendo. El interior de la Giralda, por ejemplo, lo recreamos en Carmona, porque obviamente no podíamos entrar: no teníamos permiso”. “Como teníamos que ajustarnos a un presupuesto muy limitado, solo podíamos rodar, por ejemplo, tres tomas de cada plano”, agrega. “No teníamos dinero para más. La historia estaba completamente cerrada antes de empezar. Cualquier rodaje implica cierto desorden respecto a la línea cronológica de la historia, pero, cuando tienes tantas limitaciones presupuestarias, no puedes permitirte el lujo de improvisar y hacer algo que luego quizá no funcione”. A pesar de su humildad, Invasión Travesti recogió sus frutos. Abrió a sus directores las puertas de La Zanfoña, la productora que capitaneó el despegue del cine andaluz, y tuvo su eco, sobre todo, en el mercado internacional. “En Madrid la reacción fue un tanto fría, la verdad, y la película no fue del todo entendida en su momento. Nos dimos cuenta de que nuestras referencias cinematográficas todavía no estaban, por así decirlo, en la mente del espectador español medio”, subraya. Al hilo, añade que “éramos un poquito adelantados en ese sentido, pero con el resto de Europa no nos pasaba. Se proyectó en una galería de Londres, en un festival en Holanda, en Argentina y en diferentes festivales internacionales. También estuvo en Estados Unidos, en un festival de cine latino que se celebra en San Diego. Y, a los dieciocho años del estreno, en 2018, nos llamaron de Glasgow para organizar una sesión especial con drag queens, como homenaje a la película por su aniversario”. Una buena segunda vida Todo ello propició la restauración de los negativos, que estaban en la Filmoteca de Andalucía, por Julia C. de la Fuente con el apoyo del Festival de Cine de Málaga y del Ministerio de Igualdad. “Está teniendo una buena segunda vida. Ahora, cuando la estamos proyectando, nos encontramos con muchas sorpresas. Está siendo muy bien entendida y los jóvenes la siguen sin ningún problema. Todas esas referencias las reconocen directamente, porque conocen las fuentes originales, o porque han consumido otras películas, cómics y libros que han utilizado esas mismas referencias”. Pero la mayor sorpresa en este sentido, es según De los Santos “otra cuestión que ahora queda más clara y que en su momento tampoco fue del todo entendida: la conexión entre el fascismo y los nuevos discursos de ultraderecha, con esas posiciones tan homófobas y ese ataque y señalamiento que vuelven a dirigirse contra las personas gays y, sobre todo, contra las personas transexuales. Todo esto tiene hoy una actualidad política mucho más evidente. En la película hay determinadas bromas y referencias directas a Franco, a su mujer y al fascismo, y ahora se entienden mejor. Es una sorpresa para bien y para mal, porque también significa que han vuelto esos discursos tan radicales e intolerantes”.
55 noticias
El Cabildo de La Palma organiza una nueva edición del festival In-Fluyendo, una iniciativa abierta a la ciudadanía que combina […] La entrada Sara Socas, DMR, Yapci y Érika Dos Santos protagonizan el festival inclusivo In-Fluyendo se publicó primero en elapuron.com .
La gala inaugural tendrá lugar el 19 de noviembre en los Cines Palafox, con la proyección del documental "El Patio de la Infanta. Habitar el tiempo"
El Festival de Cine Europeo de Sevilla proyecta 'Invasión travesti', de Jero de los Santos y Paco Cabezas, rodada sin permisos en 1997 y que narra los últimos tres días de la humanidad bajo un régimen heterofóbico fascista “¡Andalucía libre, igualitaria y orgullosa!”: Sevilla alza su voz por los derechos LGTBIQ+ frente a los discursos de odio El auge actual del cine andaluz tuvo, como todos los auges, comienzos modestísimos. Pero a veces es solo cuestión de tiempo que aquellos esfuerzos pioneros, considerados a menudo como obras de culto para maquillar su olvido, vuelvan al presente para reivindicar su valor y su vigencia. Es el caso de Invasión travesti , una película de ciencia-ficción y sátira underground que firmaban unos jóvenes Jero de los Santos y Paco Cabezas, y que un cuarto de siglo después de su estreno será proyectada este viernes en el Festival de Cine Europeo de Sevilla , convenientemente restaurada, en su sección Esenciales . Rodada de manera independiente y sin permisos en la capital hispalense entre 1997 y 1998 y estrenado en el cine Avenida de la ciudad en el año 2000, Invasión travesti fue posible gracias a la cámara de 16 mm del padre de Alberto Rodríguez, empleado en la televisión autonómica, que un grupo de amigos cinéfilos ya habían usado poco antes para hacer una colección de cortos que sería el primer aviso de la llamada Generación Cinexin . “Cuando Paco Cabezas y yo pensamos en hacer esta película, la cámara estaba ya desechada porque tenía un problema con las lentes y no recogía sonido”, recuerda De los Santos. “Aun así, era la única cámara de cine a la que podíamos acceder, por lo que rodamos la película igualmente. Con la ayuda de Alberto y también de Álex Catalán, que fue quien hizo la fotografía, logramos sacar adelante nuestro proyecto”. Estudiantes del CAT Hoy, Alberto Rodríguez es un director mundialmente reconocido, Catalán posee un Goya y Cabezas rueda en Hollywood, pero hay que remontarse al momento en que éste y De los Santos, amigos de infancia, empezaron a estudiar en el Centro Andaluz de Teatro. “Carmen Calvo había decidido cerrar el centro y favorecer los estudios de Arte Dramático, en lugar de mantener abiertas las dos unidades de formación y producción. Por allí andaban también Paco León y Santi Amodeo, y buena parte del reparto. Casi el 90 % de la película transcurre en espacios del Centro Andaluz de Teatro”. De hecho, el filme original está firmado por un colectivo llamado Perras de Satán, “el grupo con el que yo trabajaba”, dice Jero de los Santos. “Sus integrantes nunca eran los mismos, el único que estaba siempre era yo. Era una forma de reivindicar una autoría común, sin darle tanta importancia a lo individual, sino poniendo el acento en lo colectivo. Anteriormente a Invasión Travesti habíamos hecho otra historia que se llamaba Una Grande y Libre Anchoa , que tenía un trasfondo muy parecido: también era una expresión de rechazo a la violencia relacionada con los colegios de monjas, los estudios religiosos y demás. De ahí surge un personaje que aparece también en Invasión Travesti . En cierto modo, Invasión Travesti es una continuación de aquella primera historia. Cambia el argumento, pero permanecen algunos personajes, como el de la travesti malvada que pone fin a la humanidad, Laura Crawford”. Según el cineasta, “entonces fue la única película hecha por un equipo cuya dirección estaba en manos de una persona gay, que estaba planteando algo que todavía no se hacía en Andalucía. Faltaban diez años para el primer Orgullo Gay en Sevilla. Y solo había travestis que imitaban a folclóricas. Cuando hicimos la convocatoria para que vinieran drag queens, no vino ninguna”, evoca. “Con los años, algunas de ellas, como Angelita la Perversa, me contaron: ‘Ay, es que yo todavía era un niño. Vi el cartel, pero no me atreví a ir’. Fuimos a contracorriente”. Distopía y protesta En cuanto al argumento de Invasión Travesti , gira en torno a hordas travestis que han invadido el planeta. La mencionada Laura Crawford, un híbrido letal formado con lo peor de ambos géneros, ha sembrado el caos. Bárbara Furiase, la última mujer heterosexual, tiene solo tres días para encontrar a alguien igual que ella y juntos salvar el mundo. “La película habla de la violencia correctiva que, como persona gay, sufrí durante toda mi infancia y juventud, dentro y fuera de casa. Era una época en la que todavía pesaban mucho la ideología franquista de principios de los ochenta y la educación religiosa. El rodaje fue mi forma de protestar y de plantear una especie de distopía en la que las personas heterosexuales fueran tratadas como somos tratadas las personas disidentes. Hablamos de heteroterrorismo, del fin del mundo, de la última mujer heterosexual sobre la Tierra”. Los discursos correctivos son algo común a cualquier persona que no sea blanca, heterosexual y burguesa. Yo he sufrido clasismo en el colegio privado, igual que homofobia y racismo, porque todas esas cosas van de la mano. Esa forma de no tolerar la diferencia creo que nos une a todos los que, por una razón u otra, no encajamos en esa definición tan estricta de cómo hay que ser Jero de los Santos — Director de 'Invasión Travesti' En este sentido, De los Santos subraya que “provocar nunca ha sido una intención para mí. Lo que hice fue lo que necesitaba hacer: expresar mi rabia ante esa violencia que había sufrido todo el mundo de mi entorno, como si no seguir la norma heteropatriarcal o heterosexual fuese casi un crimen”. El elemento gitano, también muy presente en Jero de los Santos, no queda subrayado explícitamente, aunque “aparece porque forma parte de mi manera de ver el mundo”, admite. “Los discursos correctivos son algo común a cualquier persona que no sea blanca, heterosexual y burguesa. Yo he sufrido clasismo en el colegio privado, igual que homofobia y racismo, porque todas esas cosas van de la mano. Esa forma de no tolerar la diferencia creo que nos une a todos los que, por una razón u otra, no encajamos en esa definición tan estricta de cómo hay que ser. De todos los colores de la bandera del arcoíris, solo se permite uno: el heterosexual. Todos los demás son condenados. Algo parecido nos ocurre a las personas gitanas, negras o, simplemente, de clase trabajadora en determinados entornos”. Rodaje sin presupuesto Ahora, el cineasta sonríe al recordar cómo “rodábamos hasta altas horas de la madrugada. Por ejemplo, cuando Álex Catalán terminaba de trabajar en Canal Sur, venía al rodaje. A veces estábamos hasta las seis o las siete de la mañana. También rodamos en otros puntos de la ciudad, siempre sin permisos. Era una especie de cine de guerrilla. S i teníamos que hacer un plano frente a la Giralda, nos íbamos a las cinco de la mañana, uno vigilaba que no viniera la policía, rodábamos el plano y salíamos corriendo. El interior de la Giralda, por ejemplo, lo recreamos en Carmona, porque obviamente no podíamos entrar: no teníamos permiso”. “Como teníamos que ajustarnos a un presupuesto muy limitado, solo podíamos rodar, por ejemplo, tres tomas de cada plano”, agrega. “No teníamos dinero para más. La historia estaba completamente cerrada antes de empezar. Cualquier rodaje implica cierto desorden respecto a la línea cronológica de la historia, pero, cuando tienes tantas limitaciones presupuestarias, no puedes permitirte el lujo de improvisar y hacer algo que luego quizá no funcione”. A pesar de su humildad, Invasión Travesti recogió sus frutos. Abrió a sus directores las puertas de La Zanfoña, la productora que capitaneó el despegue del cine andaluz, y tuvo su eco, sobre todo, en el mercado internacional. “En Madrid la reacción fue un tanto fría, la verdad, y la película no fue del todo entendida en su momento. Nos dimos cuenta de que nuestras referencias cinematográficas todavía no estaban, por así decirlo, en la mente del espectador español medio”, subraya. Al hilo, añade que “éramos un poquito adelantados en ese sentido, pero con el resto de Europa no nos pasaba. Se proyectó en una galería de Londres, en un festival en Holanda, en Argentina y en diferentes festivales internacionales. También estuvo en Estados Unidos, en un festival de cine latino que se celebra en San Diego. Y, a los dieciocho años del estreno, en 2018, nos llamaron de Glasgow para organizar una sesión especial con drag queens, como homenaje a la película por su aniversario”. Una buena segunda vida Todo ello propició la restauración de los negativos, que estaban en la Filmoteca de Andalucía, por Julia C. de la Fuente con el apoyo del Festival de Cine de Málaga y del Ministerio de Igualdad. “Está teniendo una buena segunda vida. Ahora, cuando la estamos proyectando, nos encontramos con muchas sorpresas. Está siendo muy bien entendida y los jóvenes la siguen sin ningún problema. Todas esas referencias las reconocen directamente, porque conocen las fuentes originales, o porque han consumido otras películas, cómics y libros que han utilizado esas mismas referencias”. Pero la mayor sorpresa en este sentido, es según De los Santos “otra cuestión que ahora queda más clara y que en su momento tampoco fue del todo entendida: la conexión entre el fascismo y los nuevos discursos de ultraderecha, con esas posiciones tan homófobas y ese ataque y señalamiento que vuelven a dirigirse contra las personas gays y, sobre todo, contra las personas transexuales. Todo esto tiene hoy una actualidad política mucho más evidente. En la película hay determinadas bromas y referencias directas a Franco, a su mujer y al fascismo, y ahora se entienden mejor. Es una sorpresa para bien y para mal, porque también significa que han vuelto esos discursos tan radicales e intolerantes”.
El certamen onubense cumple su edición número 52 concediendo su premio de honor a la actriz chilena Paulina García y con la mitad de su programación integrada por directoras El Festival de Huelva reúne cine, solidaridad y talento audiovisual en la Sección Latidos Que el celuloide atlántico viene teniendo en los últimos años un marcado acento femenino, es algo que los cinéfilos conocen bien, y que ese termómetro privilegiado que es el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva ha confirmado rotundamente en sus últimas ediciones. En la que está a punto de inaugurarse este viernes, la número 52, la mitad de la programación está integrada por directoras, muchas de ellas firmes candidatas al Colón de Oro. Asimismo, el galardón de honor del festival recaerá este año sobre la actriz chilena Paulina García, ganadora del premio Oso de Plata en el Festival Internacional de Cine de Berlín y premio Platino por su interpretación en la película Gloria , de Sebastián Lelio. Así lo ha dado a conocer la organización encabezada por el director del certamen, Manuel H. Martín, quien invita al público a disfrutar del centenar de títulos que se proyectarán del 13 al 21 de noviembre en la capital onubense, con entradas que pueden adquirirse online desde el pasado martes, y de forma presencial a partir de este jueves. Según Martín, “afrontamos esta 52 edición con una programación una sección oficial con doce estrenos nacionales de películas que compiten por el Colón de Oro a la Mejor Película que combinan cineastas con trayectoria y nuevas voces con mucho que contar”, con producciones que han pasado por festivales como Berlín, Locarno o Toronto, además de El mundo de Gugu, de Allan Deberton, la película seleccionada por Brasil para competir en los Óscar. “Esa es una de nuestras principales responsabilidades: acercar un cine de calidad, con miradas y propuestas diferentes, y contribuir a que encuentre nuevos espectadores”. Jurado Oficial Así, la Sección Oficial reúne títulos como Después de Elena , de Shawn Garry; Las flores de Julia , de Cris Tapia Marchiori; A margem do rio , de Matheus Farias y Enock Carvalho; La vida e s, de Lorena Villarreal; Soy Mario , de Sharon Kleinberg; o Funk , de Aly Muritiba. Completan la selección Los días libres , de Lucila Mariani; Quatro meninas, de Karen Suzane; Matapanki , de Diego ‘Mapache’ Fuentes; Pepita la pistolera , de Lucía Puenzo; El bovino de los cuernos curvos , de Omar E. Ospina Giraldo; o la citada El mundo de Gugu . Fuera de concurso se proyectarán El deshielo , de Manuela Martelli, y Chicas tristes , de Fernanda Tovar. El Jurado Oficial encargado de decidir el palmarés estará integrado por la directora y guionista onubense Remedios Malvárez, la guionista, productora y directora portuguesa Ana Luísa Oliveira y el periodista Moisés Rodríguez. Foto de familia de la jornada de la presentación del certamen. En cuanto a la Sección Acento. Cine Español, competirán por el premio a la Mejor Dirección Española La bola negra , de Javier Calvo y Javier Ambrossi, candidata española al Oscar a la Mejor Película Internacional de 2027; Lejos de los árboles , de Meritxell Colell; Ruega por nosotras , de Daniel Monzón; Jaleos , de Isaki Lacuesta; Viva , de Aina Clotet; y Yo no moriré de amor , de Marta Matute. La sección incluirá fuera de concurso Ceniza en la boca , de Diego Luna, y El ser querido , de Rodrigo Sorogoyen. También los espectadores otorgarán el Colón de Plata a la Mejor Dirección Andaluza, sección en la que concurren 200 vidas. Paco Rabal , de Vanesa Benítez; Anguita. El hombre de los tres siglos , de Hugo Cabezas; Califato ¾. Bale el êffuerço que emo exo , de Silvia Moreno y Daniel Llamas; Plus Ultra , de Elías Pérez; y Todos los días domingo , de Abraham López Feria. Fuera de concurso, Talento Andaluz contará con Back in time!, de Manuel Bellido y Sigfrid Monleón; Landa , de Gracia Querejeta y Miguel Olid; y El pezón de Elena , ópera prima del realizador onubense Esteban Magaz, interpretada por Silvia Acosta y Roberto Álamo. La programación incluye asimismo 31 cortometrajes repartidos entre las secciones oficiales nacionales e internacionales, Talento Andaluz y Pantalla Huelva. Cabe recordar que el certamen es calificador para los Premios Goya en la Sección Oficial de Cortos Nacionales y para el Premio Ibershorts en las Internacionales Iberoamericanos. Dimensión educativa Por su parte, Amaia Salamanca ( Sin tetas no hay paraído, Gran Hotel, Velvet ) y Patrick Criado ( Antidisturbios ) recibirán sus Premios Luz, patrocinados por la Fundación Atlantic Cooper, durante la gala inaugural que tendrá lugar este viernes en el Palacio de Congresos de la Casa Colón, en el transcurso de una gala presentada por Toñi Moreno en el que está prevista la actuación de Pastora Soler. Reconocimientos que se sumarán al Premio al Cineasta Andaluz, que entregará RTVA al actor Sebastián Haro. La Gala de Clausura, presentada por Adolfo Zarandieta, contará con la participación de los actores Omar Banana y Lucía de la Fuente, la actuación musical de la cantaora onubense Regina y se entregarán los premios del Palmarés Oficial. “Queremos que el espectador se sienta parte del Festival, que descubra películas y participe activamente”, manifiesta Manuel H. Martín, para quien “las secciones Acento. Cine Español y Talento Andaluz, cuyos premios decide el público, refuerzan esa relación y nos permiten reunir algunos de los títulos españoles más destacados del año junto a propuestas que nacen de nuestra tierra”. El director del certamen, Manuel H. Martín. Incide el director del decano de los festivales andaluces en la dimensión educación de la cita onubense. “La mirada al futuro pasa también por la educación. Miles de escolares participarán en actividades educativas como Primera Pantalla, Cine y Valores y Ventana Cinéfila. Queremos despertar la curiosidad por el cine desde edades tempranas y ofrecer herramientas para comprender las imágenes y reflexionar sobre las historias que cuentan”, subraya. Agrega a renglón seguido que “llegar a la edición 52 nos anima a seguir trabajando con esa ilusión y con el compromiso del equipo, las instituciones y las entidades colaboradoras que hacen posible el Festival. Su implicación permite ofrecer una programación de calidad y mantener un Festival cercano a la ciudad, abierto a la industria y conectado con las cinematografías de ambos lados del Atlántico”.
Conseguir un papel en una película de Quentin Tarantino no garantiza tenerlo hasta el final. El director estadounidense ha recuperado dos episodios poco conocidos de la preproducción de 'Malditos bastardos' , cuando decidió prescindir de Mélanie Laurent e Isabelle Huppert por motivos muy diferentes. Una historia de despidos, segundas oportunidades y decisiones tomadas sin demasiados miramientos que ahora sale a la luz en un nuevo libro sobre la película. Las anécdotas aparecen en 'The Making of Quentin Tarantino's Inglourious Basterds', escrito por Jay Glennie, donde el director repasa con todo lujo de detalles cómo se construyó la película , según recoge People . Uno de los momentos más llamativos tuvo como protagonista a Laurent, que finalmente interpretó a Shosanna Dreyfus, la joven francesa que busca vengarse del oficial nazi responsable del asesinato de su familia. En Espinof Tarantino prohibió a Christoph Waltz ir a los ensayos de 'Malditos bastardos' para que Hans Landa impactara más al reparto en el rodaje Sin embargo, conseguir el papel no fue precisamente un camino de rosas. Según recuerda Tarantino, la actriz tuvo una actuación muy decepcionante durante la lectura colectiva del guion , una cita que considera especialmente importante dentro de su proceso creativo. " La lectura del guion de Mélanie Laurent fue terrible. Ni siquiera fue lo suficientemente buena como para ser terrible. Así que la despedí ", explica el cineasta. Para Tarantino, ese primer encuentro con todo el reparto es uno de los momentos más emocionantes de la preparación de una película . Es cuando puede empezar a imaginar cómo funcionarán las escenas más allá de lo que ha escrito sobre el papel. Por eso, el resultado de Laurent le llevó a tomar una decisión drástica. Pero la historia no terminó ahí. Días después, la actriz llamó al director para pedirle otra oportunidad . Le explicó que no se encontraba bien durante aquella lectura y que estaba dispuesta a regresar a Alemania por su cuenta, alojarse en un hotel y volver a interpretar el papel. Su insistencia convenció a Tarantino, que aceptó empezar de cero con ella , aunque puso una condición: tendría que someterse a tres días de ensayos. 'Malditos bastardos' El resultado debió de ser muy diferente, porque Laurent recuperó el personaje y terminó firmando una de las interpretaciones más reconocidas de su carrera . El propio director quiso dejar claro que no guarda ningún reproche hacia ella. " Quiero que quede constancia de algo: adoro a Mélanie. Es mi Shosanna y realizó un trabajo maravilloso ", afirma. Isabelle Huppert ni siquiera acudió Menos suerte tuvo Isabelle Huppert. La actriz francesa estaba prevista para interpretar a Madame Ada Mimieux, la mujer que da cobijo a Shosanna en París. Sin embargo, no acudió a la lectura colectiva y Tarantino decidió prescindir de ella . El personaje pasó entonces a manos de Maggie Cheung, conocida también por su participación en 'Deseando amar' . El director reconoce que existían problemas con el contrato de Huppert y que las negociaciones se estaban alargando . Su ausencia en aquella cita terminó por decantar la balanza. " Si estás contratado y no apareces en esa mesa, ¡no te debo absolutamente nada! Puedo despedirte ", sentencia. Curiosamente, las escenas de Madame Ada Mimieux acabaron desapareciendo del montaje definitivo . Tarantino consideró que explicaban demasiadas cosas y que no era necesario detallar cómo Shosanna había conseguido hacerse con el cine. Bastaba con un salto temporal de cuatro años y una explicación sobre la herencia de su tía. En Espinof Diane Kruger desvela por qué Quentin Tarantino no la quería en 'Malditos bastardos' y cómo acabó logrando que cambiara de idea: "Dije, ¿sabes qué? ¡Que le jodan!" 'Malditos bastardos' se estrenó mundialmente en el Festival de Cannes de mayo de 2009 y consiguió el premio al mejor actor para Christoph Waltz. Meses después llegó a los cines y terminó recaudando 321 millones de dólares en todo el mundo . Más allá de estas dos historias, Tarantino resume su particular filosofía a la hora de construir un reparto con una contundencia que no deja demasiado espacio para las dudas: " No tengo ningún compromiso moral cuando se trata de dar papeles a los actores . Tienen que ser los adecuados para el mundo que he creado. A quien le debo algo es a mi película: tengo que encontrar a los mejores actores posibles. Punto ". Una declaración que explica bastante bien por qué, en el universo de Tarantino , ni siquiera tener un papel prácticamente asegurado garantiza llegar hasta el final. En Espinof | Quentin Tarantino escondió a simple vista un spoiler bíblico que le dio todo el sentido a una de las más crudas escenas de una monumental película En Espinof | Quentin Tarantino desvela cuál es su obra maestra, y es toda una sorpresa que ni siquiera coincide con su propia película favorita: "Nadie más podría haberla hecho" - La noticia "La lectura del guion fue terrible": Quentin Tarantino despidió a Isabelle Huppert y Mélanie Laurent de 'Malditos Bastardos', y explica por qué la última regresó a su película fue publicada originalmente en Espinof por Víctor Mopez .
VALÈNCIA (EFE/CP). El Zevra Festival 2027, que se celebrará en Cullera del 23 al 26 de julio, ha revelado los primeros nombres del cartel de su sexta edición, entre los cuales destacan Hijos de la Ruina, Lucho RK, Taburete, Fernandocosta, Metrika, Pignoise y BRESH, un cartel que llega después de anunciar un nuevo modelo para 2027 con un día menos de conciertos y un objetivo: "abrirse a un público más adulto". El festival, que suma estos nuevos nombres a la primera cabeza de cartel ya conocida, Bad Gyal, se ha fijado como meta abrirse a un público más adulto y géneros variados como reggaeton, hip-hop y pop-rock, según un comunicado de la organización. Hijos de la Ruina es la formación resultante de la unión de Natos y Waor con Recycled J, tres nombres clave para entender la esencia del rap español en la última década. Cargado de letras autobiográficas y una mirada crítica sobre la realidad social, en enero de 2026 publicaron Hijos de la Ruina Vol. 4. Pignoise, formado por el exfutbolista del Real Madrid Álvaro Benito junto a Pablo Alonso y Héctor Polo, es una de las bandas más reconocibles del pop-rock español de los años 2000. El grupo alcanzó popularidad con canciones como ‘Nada que perder’, ‘Te entiendo’ y ‘Estoy enfermo’, y hace un año publicó Las ganas, un álbum de 11 canciones que ha presentado en directo a lo largo del año en curso. El artista canario Lucho RK es uno de los nombres destacados de la nueva generación de música urbana en España. Acaba de publicar Sordo de un Pie, su primer álbum de estudio en solitario. Taburete, formado en Madrid en 2014 por Willy Bárcenas y Antón Carreño, se convirtió en uno de los grupos más populares del pop-rock español de la segunda mitad de la década de 2010. Canciones como ‘Sirenas’ y ‘Amos del piano bar’ marcaron su trayectoria, impulsada por álbumes como Tres tequilas (2016). Fernandocosta, Nacido en Ibiza, es uno de los artistas que han contribuido a consolidar el rap independiente en España. Desde el éxito de ‘Yipiyou’ (2018), ha publicado ‘Tirititando’ (2022) y ‘Amor de Barrio’ (2025). La castellonense Metrika, nombre artístico de Thais Amores García, repetirá el próximo verano tras su sonada actuación en Zevra 2026. Su sonido fusiona trap, drill, electrónica y sonidos experimentales con una estética provocadora. Sus canciones abordan el empoderamiento femenino, la salud mental, el desamor y una fuerte carga sexual sin tapujos. Zevra 2027 constará de una preparty (viernes, 23 de julio) y de dos días de evento principal (sábado, 24; y domingo 25 de julio)
La inauguración del Festival de Otoño de Madrid se realiza con el estreno en España de una de las últimas obra creadas por el genial director norteamericano Bob Wilson, 'PESSOA - Since I’ve Been Me' 'Yerma' vuelve al teatro en el que nació, bajo la influencia del asesinato de su autor y en el gran año de Lorca Bob Wilson, fallecido el año pasado, había prohibido la reposición de sus obras. Abominaba el repertorio. Pero el 6 y el 7 de noviembre, el Festival de Otoño de Madrid programó, para su inauguración, PESSOA - Since I’ve Been Me , protagonizada por María de Medeiros. Era una de las últimas obras levantadas por el director tejano pocos meses antes de morir de un cáncer a los 83 años. Había, por tanto, una gran expectación. La gran sala roja de los Teatros del Canal estaba a rebosar. Quien quisiera ver un montaje de Wilson, era ahora o nunca. Nadie se lo quería perder. Paradójicamente, la velada se cerró con uno de los aplausos más fríos que este certamen recuerda. PESSOA - Since I’ve Been Me comienza hermosa, pequeña, con el público todavía entrando y buscando asiento. En el borde del escenario María de Medeiros está sola, mirando al respetable. La gente no la reconoce con tanto maquillaje, su caracterización del poeta portugués Fernando Pessoa despista, parece un clown beckettiano. Medeiros interpela con la mirada a quienes llegan, sonríe, gesticula símbolos incomprensibles con las manos que luego ella misma destruye con furia en el aire. Una acuarela del artista portugués Paulino Libralato preside la escena como infinito marino. Poco a poco van surgiendo soles rojos en ese paisaje, hasta seis. Por el lateral superior queda suspendido un rayo también carmesí. La escena es tan artesana como precisa. Pura luz y símbolo. Bob Wilson es quizá la última vanguardia escénica que azotó el siglo XX. Fue un creador revolucionario, junto a Philipp Glass, con Einstein In The Beach en los setenta y montó un emporio escénico tan opulento como artísticamente rico por el que pasó lo más granado de la escena internacional. Lou Reed, Tom Waits, Willem Dafoe, Mijaíl Barýshnikov, Laurie Anderson o hasta la mismísima Lady Gaga son algunas de las figuras que pasaron por las manos de este creador. Con él el teatro y la ópera alcanzó un mundo en el que el director de escena llegaró a ser plenipotenciario, y también la constancia de que el teatro no es tan solo texto, que otro mundo es posible construyendo a través del espacio, la luz y el movimiento. Su historia es también la de una desmesura. Prueba de ello fue su proyecto llamado the CIVIL warS: a tree is best measured when it is down. Una obra de 14 horas realizada para los Juegos Olímpicos de Los Ángeles de 1984. La ópera constaba de seis partes, cada una ensayada en un país diferente (Alemania, Francia, Japón, Italia, Países Bajos y EEUU). Nunca llegó a representarse en su forma completa. El proyecto sufrió un colapso financiero de dimensiones nunca vistas en el mundo de la cultura. Pero su carrera está trufada de hitos que marcaron un antes y un después en la historia del teatro. Los más viejos del lugar recuerdan todavía su primera intervención en este mismo festival, nada menos que con Hamletmachine de Heiner Müller en 1987. Los más jóvenes todavía rememoran hoy en día su espectáculo con Marina Abramović , The life and death of Marina Abramović , en el Teatro Real en 2012 o alguno de sus últimos trabajos con Isabelle Huppert, como el monólogo Mary Said What She Said , sobre María de Escocia que en 2019 pudo verse en el Festival Grec. La obra 'PESSOA - Since I've Been Me' de Bob Wilson en el Festival de Otoño Con todo ese peso llegaba Pessoa - Since I’ve Been Me . Y no defraudó a los más wilsionianos. Todo su decálogo está presente en esta obra, las imágenes son de gran poder evocativo, los movimientos de otro mundo, pero por lo que sí sorprendió fue por la presencia de una palabra omnipresente. Algo inhabitual en este creador de grandes silencios donde la caja escénica se convierte en un espacio de luz y sueño. En la obra hay textos que funcionan como un metrónomo como ese relato kafkiano y platónico de los diarios de Pessoa en que el poeta es un insecto fútil y ciego que quiere ir hacia la luz que hay al otro lado de la ventana. También está trazado con geometría perfecta los textos de El guardador de rebaños , los 49 poemas que el poeta escribió de una tirada en 1914, sin parar, absorto en una antimetafísica naturalista que cambió la poesía europea. Pero Wilson acomete una misión casi imposible, escenificar la fragmentación de la conciencia del poeta a través de sus heterónimos, esos personajes (Bernardo Soares, Ricardo Reis, Álvaro de Campos o el mismo Alberto Caeiro) que Pessoa creó como partes de él mismo y a los que dio nombre, biografía y hálito poético. Los actores —Aline Belibi, Rodrigo Ferreira, Klaus Martini, Sofia Menci, Gianfranco Poddighe y Janaína Suaudeau y la misma Medeiros— son fragmentos de esa poliédrica identidad. Todos visten como espejos del mismo Pessoa, recitan y se mueven como clowns que van abandonando lo beckettiano para hundirse en la pantomima americana de principios del XX, aquella de Charles Chaplin y Buster Keaton. La escena, a través de los textos del poeta, se convierte en una indagación sobre la identidad, sobre su renuncia al amor, sobre su soledad y su lucha literaria, tan alejada del mundo. Una indagación que si escénicamente sigue los cánones de limpieza, geometría y repetición tan identificativos de este creador, se pierde en la multiplicación de textos de gran densidad que además son dichos indistintamente en italiano, francés y portugués. Algo que suma una mayor exigencia para el espectador que intenta seguir, abrumado y como puede, la densidad de los textos en las pantallas habilitadas en el teatro. Además, la elección políglota de esta obra parece deberse más a una necesidad mercantil que a algo artístico. La obra esta producida por teatros de Italia, Francia y Portugal. La obra 'PESSOA - Since I've Been Me' de Bob Wilson en el Festival de Otoño Entra así, el espectáculo, en una deriva que la maestría de Wilson para manejar la escena y crear poderosas imágenes no consigue salvar. La penúltima parte, con textos del Libro del desasosiego , aun con una escenificación de gran potencia donde vemos a esos Pessoas multiplicados sentados en una misma cena etílica donde manteles, sillas y mesas acaban suspendidas e ingrávidas, no consigue ir hacia lo sintético y acaba confusa. Además, la elección de Wilson por un humor de pantomima norteamericano en el gesto y el movimiento de los actores no casa demasiado con el universo de Pessoa. La idea puede ser buena, se entrevé que el director quiere aunar el universo del poeta con la capacidad vanguardista de la renovación de la mímica en Estados Unidos, pero la manera de llevarlo a cabo, con aires de vodevil ligero, no casa ni consigue sumar una semántica precisa al espectáculo. No es esta obra una de las más redondas del creador tejano. Pero, al mismo tiempo, cuenta con perlas susceptibles de quedar fijas en la red subcortical del espectador. Valgan dos ejemplos. El primero es María de Medeiros, entregada a ser herramienta del director, pero dotando su personaje de una liviandad aérea, frágil y conmovedora. Es un placer ver a esta actriz — Henry y June , Pulp Fiction o la reciente Una quinta portuguesa— a sus 61 años entregada a la rigidez del trabajo de Wilson, pero al mismo tiempo tan sabia y juguetona. El segundo es una pequeña escena justo antes del final. Dos personajes en traje de plata salen a escena. Una música, que es letanía, los acompaña. Se mueven con lentitud. Se miran. Uno saca un revolver y apunta a quien sabe que es él mismo. Dispara. Después se descerraja un balazo en la cabeza. Quizá en esa imagen está resumido todo el universo de la pieza, una imagen que recordaba en estética y espíritu a uno de los mejores discos de David Bowie, su gran epitafio Blackstar . Bowie y Wilson estuvieron a punto de colaborar en los noventa en un espectáculo sobre los discos del músico británico. No fraguó. La vida es larga y llena de posibilidades que nunca llegan a ser. Con ese aire de lo que ya nunca será se inauguró este festival que quiso rememorar tiempos pasados abriendo su certamen con una de la voces más subyugantes de la escena contemporánea ya ida.
El músico presenta su película documental 'Muguruza FM 40 Tour' que le sigue en una gira que llega incluso, con gran éxito, a Japón In-Edit - 'Flying Free', el himno makinero que consiguió sonar hasta en las charangas de pueblo y Los 40 Principales Se puede llegar a cualquier parte del mundo cantando en euskera. Eso es lo que queda demostrado tras ver el documental Muguruza FM 40 Tour que Fermin Muguruza presentó el pasado 4 de noviembre en el Festival de Cine Documental Musical In-Edit y que llega a los cines el viernes 13 de este mes. Desde los primeros conciertos de Kortatu allá por 1984 a los de Negu Gorriak en los años 90 y, después, en su posterior carrera en solitario, el músico de Irún ha conseguido construir una obra en la que la música, la identidad y el compromiso político han viajado siempre de la mano. El documental, codirigido junto a Ander Merino Etxebeste, repasa ese recorrido de 40 años además de seguirlo a él y a su banda en la gira mundial que realizó entre 2024 y 2025 para celebrar estas cuatro décadas en la música. La película combina conciertos, viajes, conversaciones, entrevistas y material de archivo para repasar su carrera y documentar el impacto de su obra y su activismo en lugares tan diferentes como Berlín, París, Buenos Aires, Ciudad de México u otros tan insospechados como Japón. Y es precisamente esa variedad de destinos lo primero que llama la atención de la pieza. “Incluso amigos míos de Irún de toda la vida se sorprenden mucho con lo de Japón”, confiesa el artista, en una entrevista con elDiario.es realizada durante el festival. La relación, sin embargo, viene de lejos. La primera vez que puso el pie en aquellas tierras fue en el año 2000 para realizar “una gira de tres conciertos en lugares muy pequeñitos por Shinjuku y Shibuya”, recuerda. “Pero de repente la gente enloquecía en nuestras actuaciones y me propusieron hacer una gira más larga por todo Japón al año siguiente”. Fue su primera vez en el Fuji Rock, el festival más importante de aquel país y donde tocaron como banda sorpresa, al cierre del festival. “Tocamos después de Eminem”, cuenta entre risas, “y, no sé, de las 50.000 personas que lo vieron a él con nosotros se quedaron 10.000, pero esas 10.000 lo fliparon”. Desde entonces ha tocado en esos escenarios hasta en seis ocasiones, convirtiéndose en un habitual. “El hecho de cantar en euskera, que podría parecer un inconveniente, allí es un plus, y poco a poco nos hemos ido abriendo un hueco. He presentado allí muchas de mis películas. Muy poca gente sabe además que en Japón hay mucha solidaridad con Palestina. Ir a Japón para mí es como ir a Berlín o Buenos Aires”. Resulta llamativo que rara vez los medios convencionales hayan hablado de esta dimensión internacional de la música y del resto de la obra de Muguruza. “Si hubiera sido otro artista, probablemente hubiera estado en portadas de muchos periódicos o abriendo telediarios, pero lo mío siempre se ha quedado en la zona oscura, podríamos decir”, explica. Grabar hasta olvidarse de la cámara “Desde el principio de la gira, yo tenía claro que había que grabarlo todo”, admite. De esa labor se encargó Ander Merino Etxebeste, que realizó entrevistas con músicos, promotores y fans, pero también se metió dentro de los pogos para intentar captar la energía que allí se generaba. “Él es un tiarrón y yo le pregunté: ‘¿Te puedes meter allí?’ No dudó un segundo”, recuerda el músico. Fermin Muguruza en el documental 'Muguruza FM 40 Tour' Gracias a este rodaje en primera línea de la acción y a un montaje vertiginoso, el documental sin duda consigue atrapar la energía de los conciertos. Una fuerza que sorprende conociendo los problemas de salud de Muguruza, que relata en el propio documental, y que le obligan a llevar una dieta muy estricta y una preparación física muy rigurosa. “Me cuido mucho física y psicológicamente para los conciertos, pero la retroalimentación con la gente es tan fuerte que me hace verme como un titán en el escenario”, confiesa. Sobre su codirector, añade: “Ander es muy fan de mi música y pertenece a la nueva generación de músicos vascos”, apunta. “Tiene una banda impresionante que se llama Merina Gris que abrió para nosotros en dos conciertos de la gira, París y Rivas-Vaciamadrid. Así que compartía camerino con nosotros y se hizo uno más de la banda. No nos dábamos cuenta ni de que estaba filmando”. El hacha perfecta Para unir de alguna forma los recuerdos y los conciertos de la gira, Muguruza FM 40 Tour , cuenta con un hilo conductor que consiste en una conversación entre el propio músico y la aizkolari Oihana Barrena en la que él le va relatando partes de su experiencia. Al preguntarle el porqué de la elección de su interlocutora, el vasco comenta: “Conocí a Oihana tras una proyección de mi película Black is Beltza II: Ainhoa en Donostia y me encantó cuando me dijo que era aizkolari, ganadera y que su madre era de Cabo Verde y su padre vasco. Flipé”, confiesa. Una imagen del documental 'Muguruza FM 40 Tour' En sus tres últimas películas, las personas que estructuran la película son precisamente mujeres mestizas, con lo que para seguir con la tradición Oihana le pareció una elección perfecta. “Me parece muy importante visibilizar la sociedad multicultural que ya somos y que personas como Oihana sean protagonistas de los trabajos audiovisuales que estoy haciendo. Creo que es un antídoto contra el racismo y todas esas sociedades tan reaccionarias que hoy en día tienen tanto espacio”. El oficio de Barrena le permitía además crear toda una metáfora alrededor de las hachas, parte fundamental de la iconografía de Kortatu y de Negu Gorriak. “Además coincidió que conocí la figura de José Ramón Jáuregui, conocido como el mejor fabricante de hachas de euskadi, ¡el Hattori Hanzō vasco!” Al principio del documental, antes de que la gira arranque, vemos a Oihana que viaja al taller de Jáuregui para crear un hacha perfecta, emulando a la protagonista de Kill Bill. El fuego necesario para fabricar un hacha le sugería a Muguruza la llama interna que él mismo necesitaba para arrancar su gira. “A partir de esa idea fui escribiendo el guion de esa parte y estoy muy contento con cómo quedó”, cuenta. Jugar siempre en casa Otro de los aspectos que queda patente en la película es que allá donde va, Muguruza cuenta con una red local de personas a las que conoce, que han colaborado con él y que le han apoyado durante años. Alrededor suyo siempre orbita, ya sea en Bogotá, Roma o Toulouse, un grupo de amigos unidos por el activismo y el antifascismo. “Eso me parece de lo más hermoso de esta vida”, asegura el artista. “Yo siempre he intentado tejer redes de complicidades allá donde voy. Nada que ver con eso del networking ”, bromea. “Así que siempre que llego a un lugar conozco a gente y procuro seguir ampliando esta base reuniéndome con colectivos de allí para entender qué está pasando en su comunidad”. Y en muchos de esos sitios están pasando cosas muy complicadas. “Es un momento duro en muchos países por culpa de esta invasión de la extrema derecha y de las grandes corporaciones tecnológicas”, sostiene. “En Brasil se le ha podido dar la vuelta, pero en los demás países no. Ha caído Chile, Argentina… ¡Ha caído Colombia! Que era realmente un faro tras tantos años de guerra y gobiernos de la derecha”. Fermin Muguruza con el público de In-Edit El artista también cuenta cómo sus visitas suelen contribuir a limar asperezas entre los militantes progresistas. “Las izquierdas están peleándose en todos los sitios y, cuando llego yo, se juntan todos, vienen al concierto y bailan y cantan al unísono”. No obstante, aunque eso le alegra, no vive este efecto como nada trascendental: “Es una cosa muy natural para mí”. La pelea continúa De cualquier modo, a pesar de que vivimos tiempos muy complejos para el antifascismo, el mensaje de Muguruza FM 40 Tour es claramente optimista. El artista vasco ve con entusiasmo, por ejemplo, la nueva generación de músicos que cantan en euskera surgida tras la pandemia y el protagonismo que las mujeres tienen en ella. Ese relevo ha constituido una parte muy importante de la gira, ya que varias bandas y solistas de esta nueva ola han actuado en sus conciertos. “Quería que en el documental apareciera toda esa gente”, y cita a algunos de ellos. “Hofe de Chill Mafia abrió mi concierto en Pamplona. A Londres me llevé a una rapera vasca, La Basu. Luego está también el grupo de Ander, Merina Gris, y muchos más”. Pero al hablar de las nuevas generaciones, Muguruza no quiere dejar de mencionar el impacto que para él ha tenido el grupo de Belfast Kneecap . “Ellos cantan en gaélico, se solidarizan claramente con Palestina y han conseguido que muchos jóvenes en toda Irlanda quieran volver a hablar y cantar en ese idioma. Para mí son la gran referencia del momento y están demostrando que es posible triunfar sin renunciar a tus creencias y hablando en tu idioma”. Con la confianza de que esta gira y el documental dejen un poso en estas nuevas generaciones de músicos, Muguruza reconoce que cuando acabe la promoción del documental se tomará un tiempo de descanso. No obstante, no descarta un nuevo regreso: “Quizá con un tono mucho más íntimo, que también forma parte de mi repertorio”. Hasta que ese momento llegue, Muguruza FM 40 Tour queda como un testimonio incontestable de cuatro décadas dejando huella por todo el planeta.
Del 11 al 15 de noviembre, el festival reúne comedia, música y formatos híbridos con Maria Juan, Manel Vidal, Lluís Gavaldà y Quim Masferrer, además de una programación que se prolongará el 1 de diciembre con 'Barcelona vs. Comarques'
El "vuelco total de la ciudad" y "la afluencia récord en el río Duero" han dado el empujón definitivo al Festival de las Ánimas de Soria hacia el mapa turístico nacional . Con un balance que "abruma" por sus cifras de asistencia y una proyección que atrae a visitantes de toda España y del extranjero, la festividad, reconocida como Fiesta de Interés Turístico Regional desde el 15 de marzo de 2023, iniciará este 1 de enero de 2027 el proceso formal para lograr la declaración de Fiesta de Interés Turístico Nacional . "El balance de esta edición refleja un crecimiento generalizado de entre un 20% y un 50% en sus convocatorias centrales", ha apuntado el director del festival, Ernesto López. El tradicional Desfile de las Ánimas del 31 de octubre congregó a cerca de 10.000 personas a lo largo de su recorrido urbano y contó con la participación directa de más de 650 personas caracterizadas , superando las 450 del año anterior. En este sentido, la concejala de Cultura del Ayuntamiento de Soria, Gloria Gonzalo , ha querido destacar el valor humano del evento afirmando que " ha sido un éxito que va mucho más allá de los números. Desde el Ayuntamiento estamos superagradecidas a la asociación del festival porque son imprescindibles; la participación ciudadana que se consigue en este festival es referente a nivel nacional ". Gonzalo ha subrayado además que " han venido parejas desde Valencia o Jaén a participar , gente que ha llegado ese mismo día, nos ha pedido trajes y ha participado. Que la gente no solo quiera venir a verlo, sino a participar de ello, lo hace todavía más grande". Por su parte, la Noche de las Ánimas del 1 de noviembre reunió a casi 2.400 espectadores en el auditorio efímero junto al río Duero para escuchar la lectura de la leyenda de Bécquer a cargo de la actriz María Luisa Soler a sus casi 88 años. En el apartado audiovisual, la retransmisión en directo sumó más de 25.000 espectadores, acumulando 350.000 impresiones digitales y 25.000 visitas a la web procedentes de 14 países. Ante esta acogida, el director del festival, Ernesto López , ha recalcado que "cada año hay menos personas en Soria que puedan decir que no han disfrutado o visto algo del festival". En palabras del propio director, " son cifras que abruman, pero que nos enseñan que el camino es el correcto y que tenemos que seguir por esta senda ". Tramitación del expediente nacional Nacido en 1986 como una modesta lectura literaria ligada a la Escuela de Adultos de Soria, el festival rebasa ya ampliamente los requisitos fijados para la catalogación estatal. Frente al mínimo de 20 impactos mediáticos de ámbito nacional o internacional exigidos por la normativa, la cita ha alcanzado más de 100 impactos solo en esta edición , captando el interés de programadores culturales de Lisboa, Bilbao y San Sebastián. Al respecto, Ernesto López ha señalado que "esta internacionalización era de obligado cumplimiento para nuestros próximos objetivos, no solo el asentamiento del festival, sino la declaración de interés turístico nacional, que la tenemos ya oteando por el horizonte". De cara a los próximos pasos institucionales, López ha confirmado que " a partir del 1 de enero de 2027 nos ponemos a trabajar ya en todos los trámites administrativos, que requieren un volumen muy importante y complejo, y el 15 de marzo de 2028 tendremos que presentar toda la documentación ".
Bajo el lema de 'la berraquera' colombiana y con una firme apuesta por la creatividad, los Cines Mercado han acogido la presentación oficial de la 28ª edición del Festival Internacional de Cortos Ciudad de Soria (SOIFF). Organizado por la concejalía de Juventud del Ayuntamiento de Soria, el certamen celebrará su semana principal del 13 al 21 de noviembre , con una programación previa de actividades culturales y educativas que arrancará este mismo sábado 7 de noviembre. La presentación ha contado con la presencia de representantes institucionales que subrayaron la trascendencia cultural y la independencia del festival. La jefa del Servicio Territorial de Cultura de la Junta de Castilla y León, Marta Fernández Escalada , ha destacado el prestigio del evento señalando que "el certamen se encuentra entre uno de los festivales con mayor interés cultural de los que se celebran en Castilla y León . Su alta calidad artística viene avalada por ser colaborador y calificador de los Premios Goya y los Premios Fugaz". Por su parte, el subdelegado del Gobierno en Soria, Miguel Latorre , ha reivindicado el papel del certamen dentro del panorama audiovisual actual, afirmando que "frente a la pretensión de tutelar qué historias merecen ser financiadas y cuáles deben ser silenciadas, el certamen de Soria se erige hoy más que nunca como un espacio de libertad y pluralidad en el que priman los debates, se visibilizan las diversidades, se da voz a los sin voz y se mantiene viva la memoria histórica ". En esa misma línea, el concejal de Juventud y Acción Social, Eder García , ha reafirmado la posición del consistorio soriano: "Somos impulsores de un festival que tiene un fuerte compromiso social con la igualdad de género, con la diversidad y con la memoria histórica , destinado a impulsar la creación y a devolver a la ciudad su apoyo". Colombia, país invitado y homenajes del certamen La coordinadora del festival, Yolanda Benito , ha ofrecido los detalles de una edición que reunirá 66 cortometrajes en la Sección Oficial seleccionados entre más de 1.000 propuestas de todo el mundo. Benito ha remarcado la filosofía del equipo organizador expresando: " Hemos puesto todo el amor, toda la pasión y esa berraquera que simboliza el esfuerzo, la resiliencia y la pasión por crear . Queremos posicionar a Soria en el mapa de los festivales apostando decididamente por el formato del cortometraje". El festival rendirá tributo a los cineastas Jaime Chávarri y Chicho Ibáñez Serrador , mientras que la gala de clausura del sábado 21 servirá de marco para la entrega del Caballo de Honor al actor Carles Francino . La programación se completará con talleres de stop motion, ciclos de cine colombiano, actividades en la prisión provincial y masterclass especializadas. PROGRAMACIÓN COMPLETA DEL FESTIVAL
El filme 'Tralovento' no participará en el Festival de Mar del Plata debido a los vínculos del certamen con la Embajada de Israel en Argentina y la inclusión de una sección dedicada al cine contemporáneo israelí La indignación por el timo de las preferentes y el odio a los bancos como motores del primer thriller de Daniel Sánchez Arévalo El director Eloy Domínguez Serén y el productor Felipe Lage Coro de la película española Tralovento han solicitado su retirada del Festival Internacional de Mar del Plata. La decisión responde a su desacuerdo con la programación de una sección dedicada al cine contemporáneo israelí y con la colaboración institucional del certamen con la Embajada de Israel en Argentina. Según explican ambos en un comunicado, estos aspectos eran desconocidos para ellos cuando aceptaron la invitación a participar en el festival. Sin embargo, una vez conocidos, han decidido retirar la película al considerar “inaceptables” estas decisiones en el actual contexto internacional, que describen como marcado por las “sistemáticas vulneraciones de los derechos humanos, con un genocidio en Gaza y con el Líbano y Cisjordania sufriendo constantes ataques”. Los creadores de Tralovento sostienen que su postura no supone un rechazo a los cineastas israelíes ni un cuestionamiento de su trabajo. En el texto señalan que desconocen su ideología y que defienden “su derecho a crear y expresarse libremente”. Su desacuerdo se dirige, concretamente, al respaldo institucional y económico que, a su juicio, reciben estas producciones por parte del Estado israelí. “Rechazamos la financiación y el respaldo que estas producciones reciben de un Estado genocida”, afirman. Pese a su decisión de no participar en esta edición, Domínguez Serén y Lage Coro agradecen al festival el interés mostrado inicialmente por la película y lamentan no poder presentarla ante el público argentino, destacando el “mucho respeto y admiración” que sienten por ese público, al que finalmente no podrán compartir su trabajo en esta ocasión. El comunicado concluye con una declaración de rechazo a la violencia y de solidaridad con las poblaciones afectadas. “Vivimos en un aborrecible mundo que permite la barbarie. Nosotros nos negamos a aceptarla”, escriben, mostrando su apoyo a Palestina y al Líbano. “Nuestro corazón está con el pueblo palestino y el libanés”, concluyen.
