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Fermin Muguruza: “Las izquierdas están peleándose en todos los sitios y, cuando llego yo, se juntan todos" (se abre en una pestaña nueva)

El músico presenta su película documental 'Muguruza FM 40 Tour' que le sigue en una gira que llega incluso, con gran éxito, a Japón In-Edit - 'Flying Free', el himno makinero que consiguió sonar hasta en las charangas de pueblo y Los 40 Principales Se puede llegar a cualquier parte del mundo cantando en euskera. Eso es lo que queda demostrado tras ver el documental Muguruza FM 40 Tour que Fermin Muguruza presentó el pasado 4 de noviembre en el Festival de Cine Documental Musical In-Edit y que llega a los cines el viernes 13 de este mes. Desde los primeros conciertos de Kortatu allá por 1984 a los de Negu Gorriak en los años 90 y, después, en su posterior carrera en solitario, el músico de Irún ha conseguido construir una obra en la que la música, la identidad y el compromiso político han viajado siempre de la mano. El documental, codirigido junto a Ander Merino Etxebeste, repasa ese recorrido de 40 años además de seguirlo a él y a su banda en la gira mundial que realizó entre 2024 y 2025 para celebrar estas cuatro décadas en la música. La película combina conciertos, viajes, conversaciones, entrevistas y material de archivo para repasar su carrera y documentar el impacto de su obra y su activismo en lugares tan diferentes como Berlín, París, Buenos Aires, Ciudad de México u otros tan insospechados como Japón. Y es precisamente esa variedad de destinos lo primero que llama la atención de la pieza. “Incluso amigos míos de Irún de toda la vida se sorprenden mucho con lo de Japón”, confiesa el artista, en una entrevista con elDiario.es realizada durante el festival. La relación, sin embargo, viene de lejos. La primera vez que puso el pie en aquellas tierras fue en el año 2000 para realizar “una gira de tres conciertos en lugares muy pequeñitos por Shinjuku y Shibuya”, recuerda. “Pero de repente la gente enloquecía en nuestras actuaciones y me propusieron hacer una gira más larga por todo Japón al año siguiente”. Fue su primera vez en el Fuji Rock, el festival más importante de aquel país y donde tocaron como banda sorpresa, al cierre del festival. “Tocamos después de Eminem”, cuenta entre risas, “y, no sé, de las 50.000 personas que lo vieron a él con nosotros se quedaron 10.000, pero esas 10.000 lo fliparon”. Desde entonces ha tocado en esos escenarios hasta en seis ocasiones, convirtiéndose en un habitual. “El hecho de cantar en euskera, que podría parecer un inconveniente, allí es un plus, y poco a poco nos hemos ido abriendo un hueco. He presentado allí muchas de mis películas. Muy poca gente sabe además que en Japón hay mucha solidaridad con Palestina. Ir a Japón para mí es como ir a Berlín o Buenos Aires”. Resulta llamativo que rara vez los medios convencionales hayan hablado de esta dimensión internacional de la música y del resto de la obra de Muguruza. “Si hubiera sido otro artista, probablemente hubiera estado en portadas de muchos periódicos o abriendo telediarios, pero lo mío siempre se ha quedado en la zona oscura, podríamos decir”, explica. Grabar hasta olvidarse de la cámara “Desde el principio de la gira, yo tenía claro que había que grabarlo todo”, admite. De esa labor se encargó Ander Merino Etxebeste, que realizó entrevistas con músicos, promotores y fans, pero también se metió dentro de los pogos para intentar captar la energía que allí se generaba. “Él es un tiarrón y yo le pregunté: ‘¿Te puedes meter allí?’ No dudó un segundo”, recuerda el músico. Fermin Muguruza en el documental 'Muguruza FM 40 Tour' Gracias a este rodaje en primera línea de la acción y a un montaje vertiginoso, el documental sin duda consigue atrapar la energía de los conciertos. Una fuerza que sorprende conociendo los problemas de salud de Muguruza, que relata en el propio documental, y que le obligan a llevar una dieta muy estricta y una preparación física muy rigurosa. “Me cuido mucho física y psicológicamente para los conciertos, pero la retroalimentación con la gente es tan fuerte que me hace verme como un titán en el escenario”, confiesa. Sobre su codirector, añade: “Ander es muy fan de mi música y pertenece a la nueva generación de músicos vascos”, apunta. “Tiene una banda impresionante que se llama Merina Gris que abrió para nosotros en dos conciertos de la gira, París y Rivas-Vaciamadrid. Así que compartía camerino con nosotros y se hizo uno más de la banda. No nos dábamos cuenta ni de que estaba filmando”. El hacha perfecta Para unir de alguna forma los recuerdos y los conciertos de la gira, Muguruza FM 40 Tour , cuenta con un hilo conductor que consiste en una conversación entre el propio músico y la aizkolari Oihana Barrena en la que él le va relatando partes de su experiencia. Al preguntarle el porqué de la elección de su interlocutora, el vasco comenta: “Conocí a Oihana tras una proyección de mi película Black is Beltza II: Ainhoa en Donostia y me encantó cuando me dijo que era aizkolari, ganadera y que su madre era de Cabo Verde y su padre vasco. Flipé”, confiesa. Una imagen del documental 'Muguruza FM 40 Tour' En sus tres últimas películas, las personas que estructuran la película son precisamente mujeres mestizas, con lo que para seguir con la tradición Oihana le pareció una elección perfecta. “Me parece muy importante visibilizar la sociedad multicultural que ya somos y que personas como Oihana sean protagonistas de los trabajos audiovisuales que estoy haciendo. Creo que es un antídoto contra el racismo y todas esas sociedades tan reaccionarias que hoy en día tienen tanto espacio”. El oficio de Barrena le permitía además crear toda una metáfora alrededor de las hachas, parte fundamental de la iconografía de Kortatu y de Negu Gorriak. “Además coincidió que conocí la figura de José Ramón Jáuregui, conocido como el mejor fabricante de hachas de euskadi, ¡el Hattori Hanzō vasco!” Al principio del documental, antes de que la gira arranque, vemos a Oihana que viaja al taller de Jáuregui para crear un hacha perfecta, emulando a la protagonista de Kill Bill. El fuego necesario para fabricar un hacha le sugería a Muguruza la llama interna que él mismo necesitaba para arrancar su gira. “A partir de esa idea fui escribiendo el guion de esa parte y estoy muy contento con cómo quedó”, cuenta. Jugar siempre en casa Otro de los aspectos que queda patente en la película es que allá donde va, Muguruza cuenta con una red local de personas a las que conoce, que han colaborado con él y que le han apoyado durante años. Alrededor suyo siempre orbita, ya sea en Bogotá, Roma o Toulouse, un grupo de amigos unidos por el activismo y el antifascismo. “Eso me parece de lo más hermoso de esta vida”, asegura el artista. “Yo siempre he intentado tejer redes de complicidades allá donde voy. Nada que ver con eso del networking ”, bromea. “Así que siempre que llego a un lugar conozco a gente y procuro seguir ampliando esta base reuniéndome con colectivos de allí para entender qué está pasando en su comunidad”. Y en muchos de esos sitios están pasando cosas muy complicadas. “Es un momento duro en muchos países por culpa de esta invasión de la extrema derecha y de las grandes corporaciones tecnológicas”, sostiene. “En Brasil se le ha podido dar la vuelta, pero en los demás países no. Ha caído Chile, Argentina… ¡Ha caído Colombia! Que era realmente un faro tras tantos años de guerra y gobiernos de la derecha”. Fermin Muguruza con el público de In-Edit El artista también cuenta cómo sus visitas suelen contribuir a limar asperezas entre los militantes progresistas. “Las izquierdas están peleándose en todos los sitios y, cuando llego yo, se juntan todos, vienen al concierto y bailan y cantan al unísono”. No obstante, aunque eso le alegra, no vive este efecto como nada trascendental: “Es una cosa muy natural para mí”. La pelea continúa De cualquier modo, a pesar de que vivimos tiempos muy complejos para el antifascismo, el mensaje de Muguruza FM 40 Tour es claramente optimista. El artista vasco ve con entusiasmo, por ejemplo, la nueva generación de músicos que cantan en euskera surgida tras la pandemia y el protagonismo que las mujeres tienen en ella. Ese relevo ha constituido una parte muy importante de la gira, ya que varias bandas y solistas de esta nueva ola han actuado en sus conciertos. “Quería que en el documental apareciera toda esa gente”, y cita a algunos de ellos. “Hofe de Chill Mafia abrió mi concierto en Pamplona. A Londres me llevé a una rapera vasca, La Basu. Luego está también el grupo de Ander, Merina Gris, y muchos más”. Pero al hablar de las nuevas generaciones, Muguruza no quiere dejar de mencionar el impacto que para él ha tenido el grupo de Belfast Kneecap . “Ellos cantan en gaélico, se solidarizan claramente con Palestina y han conseguido que muchos jóvenes en toda Irlanda quieran volver a hablar y cantar en ese idioma. Para mí son la gran referencia del momento y están demostrando que es posible triunfar sin renunciar a tus creencias y hablando en tu idioma”. Con la confianza de que esta gira y el documental dejen un poso en estas nuevas generaciones de músicos, Muguruza reconoce que cuando acabe la promoción del documental se tomará un tiempo de descanso. No obstante, no descarta un nuevo regreso: “Quizá con un tono mucho más íntimo, que también forma parte de mi repertorio”. Hasta que ese momento llegue, Muguruza FM 40 Tour queda como un testimonio incontestable de cuatro décadas dejando huella por todo el planeta.

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Hace 1 h

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'Los rivales de Amziah King' es una historia de venganza tan dulce como la miel y tan cruda como la cera. Y también está hecha a medida para Matthew McConaughey (se abre en una pestaña nueva)

En una pequeña localidad de Oklahoma, la miel, la música bluegrass y los lazos entre vecinos parecen suficientes para sostenerlo todo. Hasta que las cosas empiezan a torcerse. ' Los rivales de Amziah King ' -que se estrena el 13 de noviembre en cines- me ha sorprendido porque nunca termina de ser lo que parece. Andrew Patterson, que ya llamó la atención con ' The Vast of Night ', vuelve a demostrar que tiene una voz propia detrás de las cámaras con una historia que mezcla costumbrismo, humor, violencia, rivalidades y venganza. Y buena parte de su encanto reside precisamente en esa libertad para saltar de un género a otro sin perder de vista a las personas que forman parte de ese peculiar universo. Al frente está un Matthew McConaughey que parece disfrutar especialmente de un personaje hecho a su medida, acompañado por una debutante Angelina LookingGlass que consigue hacerse un hueco con una interpretación llena de matices. Entre canciones, miel, personajes excéntricos y estallidos inesperados de violencia, la película construye una experiencia cinematográfica que tiene personalidad de sobra para dejar huella. Personajes hechos a medida Uno de los grandes atractivos de la película es, sin duda, el protagonista: Amziah King. Matthew McConaughey encuentra en este apicultor y músico una oportunidad perfecta para desplegar algunas de sus mejores cualidades como intérprete. Su carisma natural, su particular manera de hablar y esa mezcla de picardía, humor y calidez que tan bien domina encajan a la perfección con un hombre que parece conocer a todo el mundo y tener siempre una historia que contar. Sin embargo, detrás de esa fachada de tipo despreocupado hay también un personaje magnético. También destaca la forma en la que Andrew Patterson construye el mundo que rodea al protagonista . La película dedica buena parte de su metraje a presentar a los habitantes de esta pequeña localidad, sus costumbres, sus relaciones y la peculiar red de complicidades que los mantiene unidos. Por eso, la música bluegrass tiene un papel fundamental en esa construcción y no funciona solo como acompañamiento, sino que marca el ritmo de muchas escenas y contribuye a dar identidad a una comunidad en la que todo el mundo parece tener algo que aportar. En Espinof 11 películas imprescindibles de Matthew McConaughey que te harán exclamar: "Alright, alright, alright..." En ese sentido, la película también encuentra una de sus ideas más interesantes en el paralelismo entre las abejas y las sociedades humanas . La actividad de la colmena sirve como metáfora de los vínculos que mantienen unido al grupo y de lo que sucede cuando alguien amenaza con alterar su equilibrio. Patterson utiliza el universo de la apicultura para hablar de cooperación, lealtad, familia y supervivencia, pero también de las jerarquías y los sacrificios necesarios para que una comunidad siga funcionando. Todo ello envuelto en un sentido del humor muy particular, diálogos ingeniosos y una puesta en escena que sabe encontrar belleza en los rincones más cotidianos. Imprevisible y estimulante Por otro lado, si algo diferencia a 'Los rivales de Amziah King' de otras propuestas similares es su negativa a seguir un camino narrativo convencional . Andrew Patterson empieza construyendo una comedia rural con elementos de drama familiar, pero poco a poco introduce ingredientes propios del thriller criminal, el western y las historias de venganza. La transición puede resultar desconcertante para quien espere una película más convencional, pero también es una de las decisiones que le proporcionan su personalidad. Hay momentos de humor casi disparatado que conviven con estallidos de violencia bastante crudos, secuencias musicales que parecen sacadas de otro tipo de película y giros que cambian por completo la dirección de la historia. En Espinof "No era para mí". Matthew McConaughey rechazó ser Joel en 'The Last of Us', pero admite que la serie con Pedro Pascal es muy buena Además, la otra gran sorpresa es Angelina LookingGlass , que debuta en la gran pantalla con una interpretación fantástica. Su personaje, Kateri, adquiere cada vez más importancia a medida que avanza el relato y termina convirtiéndose en el verdadero centro de la película. Frente a la personalidad expansiva de McConaughey, LookingGlass apuesta por una interpretación mucho más contenida, apoyada en los silencios, las miradas y una fuerza interior que va apareciendo progresivamente. Su trabajo aporta una dimensión diferente a la historia y demuestra que detrás de la aparente celebración de un personaje tan carismático como Amziah hay también un relato sobre la identidad, la familia y la capacidad de encontrar tu lugar en el mundo . En Espinof | Ni 'Interstellar' ni El lobo de Wall Street'. La película por la que Matthew McConaughey sigue ganando más dinero es esta fantástica comedia romántica de hace 23 años En Espinof | Matthew McConaughey explica cómo una de sus comedias románticas le salvó de "un buen lío" con la policía en México: "Ay, madre, a sacar la cartera" - La noticia 'Los rivales de Amziah King' es una historia de venganza tan dulce como la miel y tan cruda como la cera. Y también está hecha a medida para Matthew McConaughey fue publicada originalmente en Espinof por Belén Prieto .

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Hace 3 h

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"Me he ganado el derecho": Taylor Sheridan, creador de 'Yellowstone', sobre qué le llevó a irse de Paramount a Universal (se abre en una pestaña nueva)

Si te pones a revisar todas las series originales de Paramount+ y haces una lista con las cinco mejores, es posible que muchos de vosotros al menos metáis tres o cuatro creadas y/o impulsadas por la misma persona: Taylor Sheridan . El creador de 'Yellowstone' se ha convertido en uno de los mejores activos de la compañía propiedad de Skydance, en especial para su servicio de streaming, pero hace unos meses se confirmó que dejaría la empresa para buscar nuevos desafíos profesional en una compañía rival. ¿Por qué? En Espinof Pasamos la resaca de la huelga general entre agentes de la CIA, atracadores de bancos y Johnny Depp Lo ha querido explicar el también guionista de 'Sicario', de Denis Villeneuve , en una entrevista : "Nunca me han cancelado una serie, jamás he tenido un proyecto que no se haya rodado y cada ficción que he creado ha sido un éxito. Por lo tanto, me he ganado el derecho de ir a un lugar que confíe en mí para hacer exactamente lo mismo para ellos" , asegura. Luego explicó continuación lo que va a cambiar en su nueva etapa: "A diferencia de mi situación actual, en este nuevo acuerdo no tengo mínimos de entrega (output minimums). Esto me da total libertad creativa : puedo decidir cuánto quiero elaborar, cuántos títulos realizar, o si prefiero hacer una película y luego un programa. Ya no tengo la obligación de mantener un volumen masivo de proyectos", concluyó. 'La Odisea', como ejemplo de por qué ficha por Universal En este sentido, parece que Sheridan quiere dejar de ser un creador tan prolífico de series de televisión para centrarse en iniciativas concretas que no tienen por qué limitarse a la pequeña pantalla. ¿Lo conseguirá? De momento, afirma que en NBCUniversal hay alguien con quien le entusiasma especialmente trabajar: Donna Langley ."Su gusto y su comprensión de la industria son inigualables. Todo Hollywood estaba chismeando y entrando en pánico por 'La Odisea' , diciendo que era demasiado cara. Pero mira en quién apostó: Christopher Nolan es uno de los mejores cineastas vivos y funcionó a la perfección. Cumplió con creces tanto en el aspecto creativo como en el financiero. Fue un obstáculo enorme y lo superó. Ella apuesta por los ganadores ". Aunque ya ha firmado con NBCUniversal, Sheridan aún tiene bastantes cosas que hacer en Paramount, entre ellas la continuación de series como 'Dutton Ranch', 'Landman', 'Tulsa King' o 'Mayor of Kingstown', además de spin-offs como 'Frisco King' y futuros proyectos relacionados en desarrollo hasta que finalice oficialmente su contrato televisivo a finales de 2028 . En cines, además, se le encargó el guion del live-action de 'Call of Duty' , una tarea que, por lo visto en Lioness , podría hacer bastante bien. Imagen | Taylor Sheridan junto a Zoe Saldaña en Lioness En Espinof | Scarlett Johansson planta cara a Hollywood: "Hay películas que me parecen irresponsables" En Espinof | El videojuego de 'Buenafuente' que crearon en Holanda y que todos hemos hecho esfuerzo por olvidar - La noticia "Me he ganado el derecho": Taylor Sheridan, creador de 'Yellowstone', sobre qué le llevó a irse de Paramount a Universal fue publicada originalmente en Espinof por Marcos Yasif .

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Hace 4 h

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50 años después vuelve a los cines ‘Rocky’, el clásico peleón e inagotable de Sylvester Stallone (se abre en una pestaña nueva)

Sylvester Stallone parece haber dejado de querer “competir” dentro de Hollywood y pasar a tener un rol de protección de su legado. Entre dedicar sus esfuerzos actorales (y en parte creativos) al terreno de la televisión y comentar su pasado en sus propios términos en cada entrevista que se le ofrece, parece haber tomado una posición donde toca recordársele como una leyenda . Aunque no queda del todo claro su involucración en el proyecto, sí que parece reforzarse de la existencia de un biopic como ‘ Yo soy Rocky ’ (’ I Play Rocky ’) donde se eleva su figura para mezclarla con la de su personaje como ambicioso luchador del que todo el mundo dudaba. Si triunfo original con ‘ Rocky ’ no hace sino hacer mucho más dulce esta historia que se nos repite una y otra vez . Ojo del tigre Ahora la clásica película de boxeo que originó la saga de Rocky Balboa regresa a las salas de cine antes del estreno de este mencionado biopic. Ha vuelto en puntuales ocasiones, pero esta es especial por tratarse del 50 aniversario de su estreno original, donde la cinta dirigida por John G. Avildsen fue un fenómeno absoluto de público, crítica y también premios como el Oscar a mejor película . En Espinof Las 31 mejores sagas de películas de la historia Todo el mundo duda de él, pero el desconocido Rocky Balboa tiene la ambición de competir un día por el título mundial de campeón de los pesos pesados en boxeo. Su fiereza y contundencia acaban llamando la atención de Apollo Creed, que accede a un enfrentamiento para el que el potro italoamericano se preparará al máximo . Con textura casineorrealista, que acaba entrelazando con la refinación del Nuevo Hollywood sin perder el modelo convencional y abiertamente emocional del viejo, el trabajo de Avildsen y Stallone trata de elevar las posibilidades de un género mayormente desarrollado como serie B. Su exploración del carácter del eterno perdedor a la espera de su oportunidad tiene el grado de sentimentalismo correcto que la hace irresistible para el gran público . ‘Rocky’ y la sangre en las calles Con todo, es sensiblería vacía. Hay un genuino cariño por el personaje y por las relaciones que mantiene, por el barrio en el que se mueve. Aunque salir adelante le cueste sudor y sangre. Es una película muy atraída por determinadas fórmulas , pero que saca lo más productivo y valioso de las mismas para configurar su historia. En Espinof Sylvester Stallone (80 años): "El día que 'Rocky' ganó el Óscar a la mejor película fue uno de los más tristes de mi vida" Es fascinante observar la enorme distancia que ha terminado existiendo entre ese carácter de calle y hasta obrero de esta película original y el espectáculo puro que ha definido la mayoría de sus secuelas, perpetradas por Stallone con pulso firme. Pero ‘Rocky’ sigue siendo un gran ejemplo de cómo aspirar a hacer Hollywood con mayúsculas puede resultar en algo notable e imperecedero. En Espinof | Las mejores películas de 2026 En Espinof | Las mejores películas deportivas de la historia - La noticia 50 años después vuelve a los cines ‘Rocky’, el clásico peleón e inagotable de Sylvester Stallone fue publicada originalmente en Espinof por Pedro Gallego .

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SEGA celebra los 35 a�os de Sonic con un corto animado de 13 minutos que ya puedes ver gratis (se abre en una pestaña nueva)

SEGA publica Memories and Beyond, un corto animado que enfrenta a Sonic con Metal Sonic. Takashi Iizuka ha confirmado que hay otro juego en marcha, todav�a sin fecha. SEGA ha publicado Memories and Beyond , un corto animado de unos 13 minutos que ya se puede ver gratis en YouTube. Es el homenaje de Sonic Team a los 35 a�os del erizo azul , que debut� en Mega Drive en 1991. En esta ocasi�n, Sonic y sus amigos intentan impedir que el Dr. Eggman utilice las Esmeraldas del Caos para convertir a Metal Sonic en un rival todav�a m�s peligroso. La historia es de Takashi Iizuka , productor de la saga, y el guion lo firma Ian Flynn. El equipo ha dedicado un a�o al corto, animado por GXS Productions, el estudio con el que SEGA ya colabor� en Dark Beginnings , la miniserie que acompa�� a Sonic X Shadow Generations . Hay un nuevo Sonic en marcha, pero todav�a no tiene fecha Iizuka confirm� en una entrevista con 4Gamer durante el Tokyo Game Show que Sonic Team ya trabaja en un nuevo juego . El productor cree que todav�a hay margen para ir m�s all� de los cambios que introdujo Sonic Frontiers , pero no ha desvelado el t�tulo, las plataformas ni la fecha. Tampoco ha dicho que sea una secuela de Frontiers ni que vaya a llegar durante el aniversario. A continuaci�n pod�is ver el nuevo corto animado: Lo que s� se puede jugar ya es Sonic Pico Park , un juego de puzles y plataformas cooperativo para entre dos y ocho personas que sali� el mismo d�a que el corto. La celebraci�n tambi�n ha tra�do Sonic Frontiers: Definitive Edition a Nintendo Switch 2 y al Sonic cl�sico a Sonic Racing: CrossWorlds . El juego de carreras acaba de arrancar su segundo a�o de contenidos con duelos uno contra uno, Bayonetta como piloto desbloqueable y un DLC de Godzilla. Fuera de los videojuegos, Sonic Live In Concert repasa la m�sica de la saga, de Green Hill Zone a Sonic Frontiers , con m�sicos en directo y escenas de los juegos en pantalla. La gira tiene actuaciones anunciadas en Estados Unidos y Reino Unido, pero todav�a no en Espa�a . Por su parte, Paramount tiene previsto llevar Sonic 4 a los cines el 19 de marzo de 2027 , y Netflix prepara una nueva serie de animaci�n dirigida al p�blico infantil, a�n sin fecha.

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Scarlett Johansson (41 años), rotunda sobre el cine actual de Hollywood: "Hay películas que me parecen irresponsables" (se abre en una pestaña nueva)

Aceptar un proyecto por el simple hecho de llevar el sello de un gran estudio no entra en los planes de Scarlett Johansson . La estrella de Hollywood ha reconocido que recibe propuestas cinematográficas que le generan tantas dudas que incluso llega a cuestionar a sus responsables la conveniencia de producirlas. Durante una entrevista con LATimes concedida con motivo de la promoción de 'Paper Tiger' , su último trabajo, la actriz ha explicado que el público ocupa un lugar fundamental en sus decisiones profesionales . Para ella, no basta con que una historia le resulte atractiva personalmente: también debe tener sentido para quienes acabarán viéndola. " ¿Estoy haciendo algo que otras personas quieran ver? ¿Existe un público para esta película? No hago películas solo para mí ", ha explicado la estrella estadounidense de 41 años. En Espinof Scarlett Johansson sobre sus inicios en Hollywood: "Muchos de los papeles que me ofrecían giraban en torno al atractivo físico" Una reflexión que, según reconoce, también aplica cuando recibe determinadas propuestas de los estudios: " A veces recibo proyectos y tengo que decirles: 'No creo que debáis hacer esta película. No sé para quién la estáis haciendo. Me parece irresponsable llevarla adelante ' ". Scarlett Johansson no ha querido poner nombres a esas producciones, pero sus palabras reflejan una postura crítica ante algunas decisiones de la industria cinematográfica. Entre las superproducciones y el cine independiente Su carrera reciente ha estado muy vinculada a las grandes franquicias , especialmente por su papel como Viuda Negra en el Universo Cinematográfico de Marvel . Su última superproducción fue 'Jurassic World: El renacer' , estrenada en 2025. Sin embargo, la intérprete también continúa buscando historias alejadas de los grandes circuitos comerciales . Scarlett Johansson en 'El exorcista: Mártires' Es el caso de 'Paper Tiger', drama dirigido por James Gray que llegó a Cannes y fue adquirido por Neon antes de su estreno mundial en el festival. Su calendario tampoco está precisamente vacío: durante este año ha rodado 'El exorcista: Mártires' , que llegará a los cines el 12 de marzo de 2027, y 'The Batman 2' , cuyo estreno está previsto para el 18 de febrero de 2028. Después, la actriz se pondrá a las órdenes de Ari Aster en 'Scapegoat', donde compartirá reparto con Jude Law. Sobre el guion, Johansson ha reconocido que le ha provocado una impresión difícil de describir : " Es muy intenso. Tiene una inmediatez diferente. Nunca había leído nada parecido ". Los rechazos que pusieron en duda su futuro No siempre ha sido ella quien ha dicho que no. En el pasado, perder los papeles de 'Iron Man 2' y 'Gravity' le provocó una profunda frustración . Emily Blunt fue inicialmente elegida como Viuda Negra, mientras que Sandra Bullock terminó protagonizando la película de Alfonso Cuarón. En Espinof "No pensé en la diferencia de edad". Sofia Coppola explica por qué no cambiaría la relación de Scarlett Johansson y Bill Murray en su película más aclamada " Me rechazaron para dos papeles: primero 'Iron Man 2' y después 'Gravity'. Deseaba muchísimo aquel papel. Fue la gota que colmó el vaso ", recordó en Variety . Aquella etapa le hizo cuestionarse su camino profesional . Ahora, alternando grandes producciones con propuestas más arriesgadas, Johansson parece tener claro que participar en una película también implica creer en ella. En Espinof | Scarlett Johansson desvela sus 4 películas favoritas: una joya del cine de acción y ciencia ficción, dos grandes comedias de los 90 y un clásico injustamente olvidado En Espinof | Las mejores películas de 2026 - La noticia Scarlett Johansson (41 años), rotunda sobre el cine actual de Hollywood: "Hay películas que me parecen irresponsables" fue publicada originalmente en Espinof por Víctor Mopez .

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Pasamos la resaca de la huelga general entre agentes de la CIA, atracadores de bancos y Johnny Depp (se abre en una pestaña nueva)

Una semana más, 'La bola negra' continúa tirando del carro de una taquilla española que ha crecido ligeramente respecto al fin de semana anterior, con 4 ,65 millones de euros recaudados gracias, en parte, a la irrupción de 'El gato con sombrero' y 'Ruega por nosotras' en el Top 3 con lo más visto y, en última instancia, gracias al fenómeno del K-Pop, que ah rascado una cuarta posición con 0,42 millones de euros amasados a través de la película concierto de los Stray Kids. La cinta animada ha apretado las tuercas a los Javis con 0,71 millones de euros, abriendo una brecha considerable con su inmediata perseguidora, que volvió a demostrar el poderío del cine español y de Daniel Monzón con 0,46 millones de euros en el bolsillo. 'En el corazón de la bestia' , por su parte, se aferra con fuerza al Top 5 tras un mes en cartel con un cuarto de millón de euros más en sus arcas. ‘POSICIÓN PELÍCULA TAQUILLA RECAUDACIÓN TOTAL SEMANAS PUESTO ANTERIOR 1 LA BOLA NEGRA 979.147 € 38.506.770 € 7 1 2 EL GATO CON SOMBRERO 713.283 € 802.102 € 1 — 3 RUEGA POR NOSOTRAS 462.011 € 472.216 € 1 — 4 STRAY KIDS WORLD TOUR 422.074 € 422.074 € 1 — 5 EN EL CORAZÓN DE LA BESTIA 255.484 € 7.236.805 € 4 4 Los estrenos del viernes 13 de noviembre de 2026 Con el comprensible agotamiento de 'La bola negra' tras casi dos meses en salas de cine, queda por ver si algunas de las novedades que llegan este viernes 13 será capaz de arrebatar el número 1 al fenómeno de masas made in Spain. Opciones de gran nivel, desde luego, no faltan, y llegan encabezadas por 'Wild Horse Nine' , el último trabajo de un Martin McDonagh que, aliado con dos titanes como Sam Rockwell y John Malkovich , vuelve a demostrar su dominio para moldear personajes únicos y tonos tragicómicos capaces de encoger el corazón y hacer estallar en carcajadas. Los amantes del cine de acción pueden celebrar el regreso de David Leitch, uno de los padres de John Wick, con 'Cómo robar un banco' . Nicholas Hoult Zoë Kravitz, Anna Sawai y Pete Davidson encabezan el reparto de un thriller de atracos cargado de acción y con ese tono de comedia macarra marca de la casa que promete un par de horas de entretenimiento de calidad alineado con lo visto en títulos como ' Bullet Train '. En una nueva muestra de que la cultura de la cancelación son los padres, Johnny Depp vuelve a la carga bajo el ala de una compañía como Skydance Productions —cero sorpresa por aquí— y bajo las órdenes de Ti West en 'Scrooge y los fantasmas de la Navidad' , una nueva adaptación del clásico literario de Charles Dickens 'Cuento de Navidad' que también cuenta con Rupert Grin y Daisy Ridley entre su elenco. En Espinof Las 10 mejores películas de acción y thrillers de 2026 (por ahora) Quienes tengan un especial apetito por el terror podrán echar el guante al nuevo trabajo de la scream queen Maika Monroe, que protagoniza una 'Victorian Psycho' que llega a nuestros cines con un cóctel de géneros en clave decimonónica de lo más apetecible. Una apuesta radicalmente opuesta a la de ' La violinista ', el celebrado filme de acción de Singapur ambientado en la II Guerra Mundial, multipremiado en festivales como Annecy, donde se llevó el galardón al mejor largometraje de la edición. Además, Matthew McConaughey vuelve a la carga junto a Kurt Russell en el thriller rural 'Los rivales de Amziah King' , el cine español hace doblete con el drama 'El niño' y la comedia '¿Me entiendes o te lo explico?' , y 'Whashington. El origen de un líder' aterriza en nuestras salas con sus dosis de IA Slop. Más recomendaciones marca de la casa Espinof Si no te satisface nada de lo que ves sobre estas líneas, la hemeroteca es tu amiga, así que aquí te dejamos nuestras listas con Las mejores películas de 2026 y, si lo tuyo son las series, las mejores series de 2026 . Que no sea por dar opciones para pasar un buen rato a oscuras frente a la pantalla, ya sea grande o pequeña. Y si quieres una ración semanal de información y otras cosas relacionadas con el mundo del cine, date una vuelta por nuestra Newsletter, Espinofrenia . ¿No sabes lo que te vas a encontrar en ella? Pues aquí tienes un extracto de nuestra edición de este 13 de noviembre . Rumore Rumore "Si lo entiendes, genial". —Andy Serkis Hay que reconocer que debe ser agotador intentar profetizar cuando los que escuchan no están muy por la labor. Esto es lo que le ha ocurrido a Andy Serkis , quien, durante una larga temporada, intentó evangelizar a las masas defendiendo las bondades de la captura de movimiento y los personajes creados a través de la magia del CGI tras dar vida a iconos como Caesar de la última trilogía de 'El planeta de los simios' , el líder supremo Snoke de 'El despertar de la fuerza' y 'Los últimos Jedi' . Finalmente, Serkis asegura que se ha "calmado" y que solo piensa que si entiendes que "interpretaciones como la de Gollum son obra de un actor", genial. Si no, a otra cosa. Y es que no estamos aquí para intentar educar a nadie. En Espinof | Las películas más esperadas de 2026 En Espinof | Las series más esperadas de 202 6 - La noticia Pasamos la resaca de la huelga general entre agentes de la CIA, atracadores de bancos y Johnny Depp fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

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Entre los acordes de ‘La violinista’, la película de animación con sello valenciano que ha triunfado en Annecy (se abre en una pestaña nueva)

VALÈNCIA. A veces, tras un pequeño hábito, se encuentra una gran historia. Un periodista valenciano viaja al corazón de Singapur para averiguar por qué una famosísima violinista llamada Fei usa siempre el mismo violín. Podría comprarse el Stradivarius más caro del mundo, pero lleva cuarenta años afinando las cuerdas del mismo instrumento. Para averiguar el porqué de este apego está la película La violinista, un drama romántico y bélico codirigido por Raúl García , el primer animador español que trabajó para Walt Disney Studios ( La bella y la bestia, El jorobado de Notre Dame, Hércules, Pocahontas…) y Ervin Han, cofundador del estudio Robot Playground Media de Singapur, líder en desarrollo de series animadas y largometrajes, y productores para Disney, Warner y Netflix, entre otros. García y Han se ven abrazados también por la productora valenciana TV ON Producciones, desde la que Paloma Mora trabaja estrechamente con García para dar vida a esta historia que supone la primera colaboración entre València y Singapur. La película, que en junio obtuvo el premio a mejor película de animación del festival de animación de Annecy, lo que convierte a García también en el primer cineasta español en obtener este galardón. La película llega este viernes 13 de noviembre a las salas, para que todo el mundo pueda escucharla, comprenderla y enamorarse de su relato. El premio Cristal, con sello valenciano -y música original también de la valenciana Isabel Latorre- hace que poner el foco en la oportunidad de producir desde València, tal y como lo considera Mora: “Hemos trabajado en una producción muy chula, y hemos conectado por primera vez España y Singapur con una coproducción. Ha sido un camino muy bonito y laboralmente muy interesante; estamos muy contentos porque la película funciona y porque muchos procesos -como el de animación- se hicieron ya con base en València”. Como guiño, el protagonista del relato es precisamente un periodista valenciano, que, rastreando el origen del violín de Fei, se encuentra con Kai, quien fuera su gran amigo de la infancia y del que fue injustamente separada por la ocupación japonesa. Viajando a los años 30 en el corazón de Singapur, García se centra en la ropa, la comida y las calles que recorren Fei y Kai para contar su historia de amor. “Contamos una historia de amor que se ve truncada por algo más grande aún, por una guerra en la que los protagonistas tienen que sobrevivir y buscarse la vida”. Un still de de La violinista - Imágenes cedidas por Wanda Vision “Tristemente, la historia se siente muy actual por el momento en el que vivimos, y por desgracia, ese factor hace que el público conecte mucho más. El contexto histórico iba a ser una especie de postal de fondo tras la vida de Fei y Kai, porque al final lo importante es mostrar cómo la vida está hecha de música e historias”. Poniendo mucho cariño en el diseño de personajes y escenarios, García desvela que hicieron un ejercicio de rescate histórico para el contexto del Singapur en los años 30 se entendiera en su complejidad. Con increíbles trajes bordados y violines y pianos que tocan las notas y acordes que oye el espectador, en La violinista se presta atención a cada pequeño detalle. La colaboración con Singapur además les ayuda a que el proyecto se multiplicara: “ La violinista pasó rápidamente de ser una producción local a una historia internacional. A nivel de historia y producción conseguimos que la película saliera también de Sudasia, donde la película ha tenido un gran éxito”, señala García. Un éxito comparable con los once minutos de ovación que recibió en Annecy, festival donde el film ya ha hecho historia y que para Mora supone el pistoletazo de la vuelta al mundo de esta producción. “Lo de Annecy fue una sorpresa, pero más lo es aún ver cómo está triunfando en Asia, donde no baja de la segunda posición de las películas más vistas”, celebra Mora antes de su paso por València con este film que llegará a los cines el 13 de noviembre. Un still de de La violinista - Imágenes cedidas por Wanda Vision García, el encargado de dar vida a la historia de estos dos violinistas enamorados, explica que lo que funciona del relato es la pasión del periodista por investigar y descubrir una historia de amor que sobrevive al tiempo. “Queríamos un protagonista que estuviera obsesionado por la música clásica, y para eso no había nada mejor que un valenciano. Cuando viaja a Singapur, se muere de emoción por conocer de primera mano a Fei y poder averiguar qué historia guarda su violín”. Para imaginar a Fei como niña prodigio, el codirector explica que contaron con una profesora de música que les explicara qué piezas podría tocar un niño de manera realista a esa edad. Combinando el dibujo a mano en 2D, el 3D para las escenas de acción y dibujos que recuerdan a los de la “propaganda china de los años 50”, García crea una historia que sirve igual para quienes quieran ver un relato de amor, como para frikis de la historia y melómanos y hasta investigadores. “ La violinista tiene muchos hilos de los que tirar; lo que hacemos es beber de muchas referencias para que nos ayuden a contar la historia”, destaca el artista del relato. El gran reto del film, aunque a García parece que no se le atasca nada, es precisamente que el relato fuera creíble, emocionante y que a su vez tuviera rigor histórico. “El gran reto es contar una historia sobre un pasado real. Queríamos que fuera realista y que los personajes fueran creíbles. Queremos que quien vaya a ver La violinista pueda sufrir, amar, llorar y reír con nuestros personajes y que a nivel técnico todo funcione”. Un logro que ya se ha podido celebrar con el premio del festival de Annecy y que promete un precioso futuro para los violinistas enamorados. Para que todo funcione, eso sí, siempre hace falta periodista valenciano melómano para desenmascarar el amor que hay entre dos jóvenes, que es totalmente impasible al tiempo. Un still de de La violinista - Imágenes cedidas por Wanda Vision

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Hoy, hace 18 h

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El gran enigma de 'Garganta profunda' esconde una de las historias más tristes del cine: el sórdido destino de una actriz que fue comparada con Audrey Hepburn (se abre en una pestaña nueva)

Antes de junio de 1972, nadie conocía el término "garganta profunda". Y eso que, según el fantástico libro 'El otro Hollywood', estuvieron a punto de llamar a la película homónima 'La Tragasables' , un nombre infinitamente peor que el que finalmente tuvo. "Acabará siendo una expresión de uso común" , dijo su director, Gerard Damiano... Y tenía razón. Vaya que si tenía razón: tan solo unos meses después, la película le puso nombre al informante del caso Watergate. Desde entonces, el mundo se obsesionó con 'Garganta Profunda', y no son pocos los que se atribuyen su éxito, desde el crítico de cine porno Al Goldstein hasta Johnny Carson, que fue a verla y la puso de moda entre la sociedad. Es, probablemente, la película X más famosa de la historia, y se conocen todos sus detalles . Bueno, casi. Lo cierto es que hay un misterio que llevó de cabeza a los fans durante décadas y que escondía una historia realmente increíble: ¿Quién demonios era Dolly Sharp? Hello, Dolly Hay que ponerse en situación: antes de 1972, el cine pornográfico en Estados Unidos se distribuía, sobre todo, en bobinas de corta duración baratas de hacer y fáciles de vender que de ninguna manera se proyectarían en cines. Sin embargo, cuando el código Hays cayó del todo y se abrieron las puertas a "nudies" (películas donde, literalmente, la única gracia era ver gente desnuda de cintura para arriba) o documentales con escenas de sexo explícito como 'Pornografía en Dinamarca' , algunos vieron la oportunidad de convertir el porno en el nuevo "chic". Puede que el éxito de 'Garganta Profunda' se deba a que fue tan perseguida en sus inicios que todo el mundo quería verla, a que las estrellas de cine y televisión se pusieran en la cola del cine para conseguir su entrada o a que normalizó el sexo hasta el punto en el que ir a verla se consideraba moderno y parte perfecta de una cita romántica. En todo caso, hizo millones para la mafia e hizo que Linda Lovelace saltara a la fama (aunque eso es otra historia de lo más truculenta). Sin embargo, nadie habla de su compañera en la cinta, una tal Dolly Sharp que se mantuvo años como una actriz porno desconocida más ... hasta que The Rialto Report mostró, mucho tiempo después, su triste, triste historia. En Espinof Las 22 mejores películas con escenas de sexo real que no son películas porno Dolly Sharp destacaba de entre el resto de actrices del momento por dos cosas. Primero, por edad: mientras que todas sus compañeras tenían entre 18 y 24 años, ella se acercaba a los 40. Segundo, por su flexibilidad y su predisposición a hacer, literalmente, cualquier cosa. Sin embargo, buscando y rebuscando su nombre solo aparecían películas pornográficas de una bobina y algunos largometrajes sin mucho más donde tirar... Hasta que se unieron todos los hilos. "Dolly Sharp" era uno de tantos pseudónimos. Su nombre real fue Helen Wood y tan solo dos décadas antes estuvo a punto de serlo todo en Hollywood. De Wood a Sharp Helen Wood no creció con la intención de convertirse en una estrella porno, por "chic" que fuera: lo que ella quería ser era bailarina. Tras unos primeros trabajos como modelo adolescente donde se convirtió en una de las más importantes de Estados Unidos, llegó a Broadway a los 14 años como bailarina en la versión teatral de 'Los caballeros las prefieren rubias' . Es más: lo combinaba con ir a la escuela Julliard, clases de violín, su trabajo de modelo y apariciones en distintos episodios y programas televisivos . Se necesitaba disciplina, desde luego. Esta disciplina, junto al duro trabajo, acabó dando sus frutos: Theatre World acabó seleccionándola entre las 12 personalidades del teatro más prominentes de 1952, junto a, por ejemplo, Audrey Hepburn . Obviamente, llamó la atención de Hollywood rápidamente, y a los 17 años firmó un contrato de 7 años con 20th Century Fox a razón de 500 dólares semanales (unos 6000 dólares actuales, contando la inflación). Lo primero que hizo fue un musical de Stanley Donen, 'Tres chicas con suerte' ('Give the girl a break')... que, sorprendentemente, tuvo muy mala suerte. El rodaje fue un absoluto desastre desde el momento en que Donen cambió el guion justo después de empezar a grabar y desató una guerra interna que causó mala publicidad y el fracaso de la película. No fue culpa de Wood, claro, pero Fox la dejó de lado rápidamente mientras ella volvía a Broadway y Las Vegas, donde hizo varios espectáculos de todo tipo. No era la estrella, pero estaba bien situada, con apariciones periódicas en el show de Ed Sullivan o Jackie Gleason y un puesto en el grupo de baile fijo del Radio City Music Hall de Nueva York, una institución como pocas, que la convirtió en una famosa que aparecía continuamente en la prensa rosa. No le faltaba el trabajo. Entonces, ¿cómo acabó en 'Garganta profunda'? Lo que todos ustedes están deseando ver: desnudos pornográficos Lo puedes imaginar: a medida que se fue haciendo mayor, los cuerpos de baile dejaron de quererla en ellos, y perdió trabajos a mansalva que, en su lugar, se llevaron chicas más jóvenes. Fue entonces cuando llegó la hecatombe: se quedó soltera, con un hijo, sin trabajo y con un periódico en las manos en el que se anunciaba "Se busca talento para películas de bajo presupuesto e independientes. Desnudos obligatorios" . Y pensó "Bueno, ¿por qué no?" . Se cambió el nombre, fue al casting, se puso una pierna tras la cabeza y ya lo tuvo todo hecho. Total, eran películas de usar y tirar, que no iba a ver nadie que conociera, y en las que podía limitarse a quedarse en un rincón, no hablar con nadie y hacer su trabajo. De hecho, era común en los rodajes verla leyendo un libro, acariciando a su perro (que sale de fondo en algunas escenas) y más enfocada en la técnica tras las cámaras que en la actuación en sí misma. Una outsider, por así decirlo, de la que nadie sabía nada. Era más fácil así. Por supuesto, ella lo aprovechó y cogió tantos trabajos como pudo, sin desdeñar nada . Era dinero fácil y divertido, al fin y al cabo. En Espinof Cuando 'Gran Hermano' se cruzó con el cine para adultos. Un reality tan cutre como exitoso cuyo creador acabó siendo alcalde El problema es que Wood pretendía retomar su carrera en el futuro, y se hizo imposible después de que 'Garganta profunda' se convirtiera en un éxito monumental. Todo el mundo quería saber más de los actores y los directores, el FBI persiguió a los integrantes y la actriz, temerosa, lo dejó todo y se marchó a Winchester, en Virginia, donde nadie la conocía. Nunca volvió a hablar del tema, no concedió entrevistas, no volvió a bailar. Se volvió a casar (lo que conllevó otro drama cuando él se enteró de la verdad), consiguió un trabajo de camarera y, en 1998, a los 63 años, falleció de un mal cáncer. Nadie se acordó en su obituario de Dolly Sharp, porque lo consiguió: nadie supo nunca quién era realmente. En Espinof | La película para adultos de Mortadelo y Filemón que no conocías (por suerte) protagonizada por Benito Pocino... y el Dioni En Espinof | Las mejores películas de 2026 - La noticia El gran enigma de 'Garganta profunda' esconde una de las historias más tristes del cine: el sórdido destino de una actriz que fue comparada con Audrey Hepburn fue publicada originalmente en Espinof por Randy Meeks .

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Hoy, hace 23 h

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‘Star Wars: Una nueva esperanza’ vuelve a los cines por su 50 aniversario: ya hay fecha de estreno (se abre en una pestaña nueva)

El 2027 va a ser un año grande para Star Wars. Y es que la legendaria franquicia galáctica ucmplirá 50 años. una fecha señalada desde ahce tiempo en el calendario de todos los fans porque se esperan todo tipo de celebraciones. Ahora, se ha confirmado lo que todos esperaban. La primera película de la saga, […] Seguir leyendo: ‘Star Wars: Una nueva esperanza’ vuelve a los cines por su 50 aniversario: ya hay fecha de estreno

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Hace 3 días

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Fermin Muguruza: “Las izquierdas están peleándose en todos los sitios y, cuando llego yo, se juntan todos" (se abre en una pestaña nueva)

El músico presenta su película documental 'Muguruza FM 40 Tour' que le sigue en una gira que llega incluso, con gran éxito, a Japón In-Edit - 'Flying Free', el himno makinero que consiguió sonar hasta en las charangas de pueblo y Los 40 Principales Se puede llegar a cualquier parte del mundo cantando en euskera. Eso es lo que queda demostrado tras ver el documental Muguruza FM 40 Tour que Fermin Muguruza presentó el pasado 4 de noviembre en el Festival de Cine Documental Musical In-Edit y que llega a los cines el viernes 13 de este mes. Desde los primeros conciertos de Kortatu allá por 1984 a los de Negu Gorriak en los años 90 y, después, en su posterior carrera en solitario, el músico de Irún ha conseguido construir una obra en la que la música, la identidad y el compromiso político han viajado siempre de la mano. El documental, codirigido junto a Ander Merino Etxebeste, repasa ese recorrido de 40 años además de seguirlo a él y a su banda en la gira mundial que realizó entre 2024 y 2025 para celebrar estas cuatro décadas en la música. La película combina conciertos, viajes, conversaciones, entrevistas y material de archivo para repasar su carrera y documentar el impacto de su obra y su activismo en lugares tan diferentes como Berlín, París, Buenos Aires, Ciudad de México u otros tan insospechados como Japón. Y es precisamente esa variedad de destinos lo primero que llama la atención de la pieza. “Incluso amigos míos de Irún de toda la vida se sorprenden mucho con lo de Japón”, confiesa el artista, en una entrevista con elDiario.es realizada durante el festival. La relación, sin embargo, viene de lejos. La primera vez que puso el pie en aquellas tierras fue en el año 2000 para realizar “una gira de tres conciertos en lugares muy pequeñitos por Shinjuku y Shibuya”, recuerda. “Pero de repente la gente enloquecía en nuestras actuaciones y me propusieron hacer una gira más larga por todo Japón al año siguiente”. Fue su primera vez en el Fuji Rock, el festival más importante de aquel país y donde tocaron como banda sorpresa, al cierre del festival. “Tocamos después de Eminem”, cuenta entre risas, “y, no sé, de las 50.000 personas que lo vieron a él con nosotros se quedaron 10.000, pero esas 10.000 lo fliparon”. Desde entonces ha tocado en esos escenarios hasta en seis ocasiones, convirtiéndose en un habitual. “El hecho de cantar en euskera, que podría parecer un inconveniente, allí es un plus, y poco a poco nos hemos ido abriendo un hueco. He presentado allí muchas de mis películas. Muy poca gente sabe además que en Japón hay mucha solidaridad con Palestina. Ir a Japón para mí es como ir a Berlín o Buenos Aires”. Resulta llamativo que rara vez los medios convencionales hayan hablado de esta dimensión internacional de la música y del resto de la obra de Muguruza. “Si hubiera sido otro artista, probablemente hubiera estado en portadas de muchos periódicos o abriendo telediarios, pero lo mío siempre se ha quedado en la zona oscura, podríamos decir”, explica. Grabar hasta olvidarse de la cámara “Desde el principio de la gira, yo tenía claro que había que grabarlo todo”, admite. De esa labor se encargó Ander Merino Etxebeste, que realizó entrevistas con músicos, promotores y fans, pero también se metió dentro de los pogos para intentar captar la energía que allí se generaba. “Él es un tiarrón y yo le pregunté: ‘¿Te puedes meter allí?’ No dudó un segundo”, recuerda el músico. Fermin Muguruza en el documental 'Muguruza FM 40 Tour' Gracias a este rodaje en primera línea de la acción y a un montaje vertiginoso, el documental sin duda consigue atrapar la energía de los conciertos. Una fuerza que sorprende conociendo los problemas de salud de Muguruza, que relata en el propio documental, y que le obligan a llevar una dieta muy estricta y una preparación física muy rigurosa. “Me cuido mucho física y psicológicamente para los conciertos, pero la retroalimentación con la gente es tan fuerte que me hace verme como un titán en el escenario”, confiesa. Sobre su codirector, añade: “Ander es muy fan de mi música y pertenece a la nueva generación de músicos vascos”, apunta. “Tiene una banda impresionante que se llama Merina Gris que abrió para nosotros en dos conciertos de la gira, París y Rivas-Vaciamadrid. Así que compartía camerino con nosotros y se hizo uno más de la banda. No nos dábamos cuenta ni de que estaba filmando”. El hacha perfecta Para unir de alguna forma los recuerdos y los conciertos de la gira, Muguruza FM 40 Tour , cuenta con un hilo conductor que consiste en una conversación entre el propio músico y la aizkolari Oihana Barrena en la que él le va relatando partes de su experiencia. Al preguntarle el porqué de la elección de su interlocutora, el vasco comenta: “Conocí a Oihana tras una proyección de mi película Black is Beltza II: Ainhoa en Donostia y me encantó cuando me dijo que era aizkolari, ganadera y que su madre era de Cabo Verde y su padre vasco. Flipé”, confiesa. Una imagen del documental 'Muguruza FM 40 Tour' En sus tres últimas películas, las personas que estructuran la película son precisamente mujeres mestizas, con lo que para seguir con la tradición Oihana le pareció una elección perfecta. “Me parece muy importante visibilizar la sociedad multicultural que ya somos y que personas como Oihana sean protagonistas de los trabajos audiovisuales que estoy haciendo. Creo que es un antídoto contra el racismo y todas esas sociedades tan reaccionarias que hoy en día tienen tanto espacio”. El oficio de Barrena le permitía además crear toda una metáfora alrededor de las hachas, parte fundamental de la iconografía de Kortatu y de Negu Gorriak. “Además coincidió que conocí la figura de José Ramón Jáuregui, conocido como el mejor fabricante de hachas de euskadi, ¡el Hattori Hanzō vasco!” Al principio del documental, antes de que la gira arranque, vemos a Oihana que viaja al taller de Jáuregui para crear un hacha perfecta, emulando a la protagonista de Kill Bill. El fuego necesario para fabricar un hacha le sugería a Muguruza la llama interna que él mismo necesitaba para arrancar su gira. “A partir de esa idea fui escribiendo el guion de esa parte y estoy muy contento con cómo quedó”, cuenta. Jugar siempre en casa Otro de los aspectos que queda patente en la película es que allá donde va, Muguruza cuenta con una red local de personas a las que conoce, que han colaborado con él y que le han apoyado durante años. Alrededor suyo siempre orbita, ya sea en Bogotá, Roma o Toulouse, un grupo de amigos unidos por el activismo y el antifascismo. “Eso me parece de lo más hermoso de esta vida”, asegura el artista. “Yo siempre he intentado tejer redes de complicidades allá donde voy. Nada que ver con eso del networking ”, bromea. “Así que siempre que llego a un lugar conozco a gente y procuro seguir ampliando esta base reuniéndome con colectivos de allí para entender qué está pasando en su comunidad”. Y en muchos de esos sitios están pasando cosas muy complicadas. “Es un momento duro en muchos países por culpa de esta invasión de la extrema derecha y de las grandes corporaciones tecnológicas”, sostiene. “En Brasil se le ha podido dar la vuelta, pero en los demás países no. Ha caído Chile, Argentina… ¡Ha caído Colombia! Que era realmente un faro tras tantos años de guerra y gobiernos de la derecha”. Fermin Muguruza con el público de In-Edit El artista también cuenta cómo sus visitas suelen contribuir a limar asperezas entre los militantes progresistas. “Las izquierdas están peleándose en todos los sitios y, cuando llego yo, se juntan todos, vienen al concierto y bailan y cantan al unísono”. No obstante, aunque eso le alegra, no vive este efecto como nada trascendental: “Es una cosa muy natural para mí”. La pelea continúa De cualquier modo, a pesar de que vivimos tiempos muy complejos para el antifascismo, el mensaje de Muguruza FM 40 Tour es claramente optimista. El artista vasco ve con entusiasmo, por ejemplo, la nueva generación de músicos que cantan en euskera surgida tras la pandemia y el protagonismo que las mujeres tienen en ella. Ese relevo ha constituido una parte muy importante de la gira, ya que varias bandas y solistas de esta nueva ola han actuado en sus conciertos. “Quería que en el documental apareciera toda esa gente”, y cita a algunos de ellos. “Hofe de Chill Mafia abrió mi concierto en Pamplona. A Londres me llevé a una rapera vasca, La Basu. Luego está también el grupo de Ander, Merina Gris, y muchos más”. Pero al hablar de las nuevas generaciones, Muguruza no quiere dejar de mencionar el impacto que para él ha tenido el grupo de Belfast Kneecap . “Ellos cantan en gaélico, se solidarizan claramente con Palestina y han conseguido que muchos jóvenes en toda Irlanda quieran volver a hablar y cantar en ese idioma. Para mí son la gran referencia del momento y están demostrando que es posible triunfar sin renunciar a tus creencias y hablando en tu idioma”. Con la confianza de que esta gira y el documental dejen un poso en estas nuevas generaciones de músicos, Muguruza reconoce que cuando acabe la promoción del documental se tomará un tiempo de descanso. No obstante, no descarta un nuevo regreso: “Quizá con un tono mucho más íntimo, que también forma parte de mi repertorio”. Hasta que ese momento llegue, Muguruza FM 40 Tour queda como un testimonio incontestable de cuatro décadas dejando huella por todo el planeta.

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Hace 4 días

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Lee Chang-Dong: “El cine suele consumir a las personas como simple material, incluso las explota” (se abre en una pestaña nueva)

El director coreano regresa gracias a Netflix con 'Un amor posible', una magistral exploración sobre la vampirización del cine y cómo retrata este a la clase obrera Rodrigo Sorogoyen, Alana S. Portero, David Uclés y más de 800 firmas apoyan la huelga del 11N: “La cultura también para” El cine siempre ha vivido en la contradicción. Desde aquella imagen fundacional de los trabajadores saliendo de la fábrica, la fricción entre quienes cuentan las historias y quienes las habitan está presente. En aquellos pocos segundos de imagen, eran sus jefes, los hermanos Lumière, los que decidieron usar a sus obreros como la materia prima de una de sus primeras creaciones. Aquella jerarquía ha persistido hasta la actualidad e incluso se ha acentuado con el alto precio de las escuelas de cine a las que pertenecen un gran porcentaje de los directores. Cuando suele manifestarse de forma más evidente es en el cine social. ¿Puede un director de una clase alta retratar de forma honesta y sin paternalismos a la clase obrera? ¿Hay un regodeo en el miserabilismo y la desgracia de quienes no conocen de primera mano esa realidad? Las dudas siempre están ahí. Eso no quiere decir que un director no pueda contar historias que no correspondan a su estatus, pero sí que debe pensar bien en cómo lo hace, en la ética de las imágenes. Eso que tan bien resume la frase atribuida a Godard sobre la puesta en escena: “Un travelling es una cuestión moral”. Uno de los cineastas que mejor ha entendido todo eso es el coreano Lee Chang-Dong (que además de director escribe poesía y fue ministro de Cultura de Corea del Sur ). La clase ha atravesado todos sus trabajos. Cómo enfrentaban los ricos el crimen que habían cometido sus hijos en la magistral Poetry no tenía nada que ver con cómo lo hacía aquella abuela que perdía la memoria. La clase anidaba en el triángulo amoroso de Burning, su soberbia adaptación de Murakami. Lo que antes estaba en su núcleo, palpitando, ahora se ha convertido en el centro de la historia en su nueva película, Un amor posible, León de Plata en el Festival de Venecia y una de las mejores películas del año. En ella, el cineasta cuenta la historia de una documentalista que está haciendo una película sobre una huelga de trabajadores que acabó en una violenta carga policial. Con sus mejores intenciones, la cineasta entablará una relación con la mujer de una de las víctimas. La película se plantea, desde su título, si esa relación de amor fraternal o amistoso es posible cuando hay una separación de clase enorme, y cuando una autora lo que quiere es sacar el mejor material posible. ¿Hay honestidad cuando todo se construye en torno a una explotación comercial, aunque sea en forma de cine de denuncia social? La directora vampira irá chupando poco a poco la sangre de esos trabajadores que dejaron su cuerpo en la calle mientras su marido se dedicaba a comprar empresas. Es una película inteligente, sutil, llena de capas y con una puesta en escena que nunca cae en lo que denuncia. Para realizarla han pasado ocho años. Desde 2018, cuando estrenó Burning, no había rodado ningún largometraje, unos tiempos a los que son habituales para él, pero que también dejan claro el cuidado con el que elabora cada obra. En el caso de Un amor posible la idea nació antes de su anterior filme, cuando una gran empresa coreana realizó una ola de despidos masivos que provocó una huelga que fue reprimida por el Estado. “Fue un impacto enorme para la sociedad coreana; yo mismo quedé profundamente conmocionado”, recuerda. Se puso a escribir el guion, pero no le convencía del todo. “No lograba encontrar la convicción necesaria para responder a ciertas preguntas: ¿qué significa abordar esto en un largometraje de ficción en lugar de hacerlo en formato documental? ¿Y hasta qué punto puedo ser honesto al narrar esta historia? Al no poder responder a estas cuestiones con plena convicción, decidí detener el proceso y dejar el proyecto en suspenso”, cuenta el director a elDiario.es. A veces actuamos como vampiros que codician esas experiencias. Por eso, la ética detrás de la cámara es algo que todos debemos tener presente Lee Chang-Dong — cineasta En 2024 fue cuando tuvo la idea de “incorporar la mirada y la perspectiva de un documentalista a la trama”. “Fue entonces cuando sentí que esta también podía ser una historia que yo mismo debía contar, aportando mi propia actitud, mi mirada y mi ética como la persona que sostiene la cámara. Al adoptar esa estructura narrativa, el proyecto cobró vida de nuevo, porque sentí que, efectivamente, era una historia que me correspondía contar a mí”, justifica. Para el cineasta, ese dilema no es solo el de su personaje, “sino el de cualquiera que sostenga una cámara”. “Esa es, en esencia, nuestra naturaleza cuando nos enfrentamos al dolor y al drama ajenos: a veces actuamos como vampiros que codician esas experiencias. Por eso, la ética detrás de la cámara es algo que todos debemos tener presente y sobre lo que debemos reflexionar. En la película, Ye-ji quiere capturar las vidas de trabajadores despedidos, y esa es, precisamente, la naturaleza de su mirada a través de la cámara. Aunque ella intenta querer de forma sincera a sus protagonistas, al mismo tiempo utiliza su dolor; llega incluso a dramatizarlo, provocando que ese sufrimiento se despliegue ante el objetivo”, cuenta sobre su filme. Por ello cree que ese es el desafío que tienen por delante, no solo los documentalistas, sino “los cineastas en general”. “Cuando se abordan temas como la guerra, las víctimas de la violencia o las minorías, el cine de ficción a menudo consume estas realidades como simple material, llegando incluso a la explotación. Como se trata de ficción, solemos escudarnos en la idea de que es producto de nuestra imaginación, lo que a veces debilita la conciencia ética. En cambio, los documentalistas, al trabajar de manera tan estrecha con personas en sus vidas reales, se enfrentan a cuestiones éticas de una forma mucho más directa”, subraya. Un fotograma de 'Un amor posible' Él procura pensar en la repercusión de la forma de rodar, pero cree que muchas veces “el cine no se detiene en este tipo de cuestiones y simplemente se centra en lo que resulta más dramático, provocador o entretenido”. “Esa es una manera de hacer cine. Sin embargo, creo que, para cineastas como yo, siempre llegan momentos en los que hay que tomar una decisión al respecto. Aunque algunas de estas elecciones puedan parecer decisiones puramente técnicas, considero que, en realidad, tienen mucho que ver con la ‘actitud’ de la cámara. Y es algo en lo que siempre pienso durante todo el proceso de rodaje e incluso a lo largo de la etapa de montaje”, añade. Si le tocara responder a la pregunta que plantea su película, si ese amor es posible, Lee Chang-Dong no se definiría como “optimista”. “No lo soy con respecto a la división de clases, porque la brecha entre clases solo aumenta con el tiempo. En el pasado, las clases parecían estar adyacentes entre sí, como si fueran pisos diferentes. Ahora no es así, la distancia es tan inmensa… Y no se trata solo de trabajadores que han sido despedidos. Muchas personas hoy en día se sienten muy inseguras acerca de su trabajo y sus empleos. Sienten que ya no se reconoce el valor de su trabajo y hay una sensación de crisis. Eso ha llevado a una gran ira que está consumiendo la vida de muchas personas. En esta época en la que vivimos ¿cómo hacemos para reclamar esa idea del sentido de uno mismo y de nuestra propia identidad?, ¿cómo seguimos luchando para proteger y conservar nuestra dignidad humana? Estas son preguntas en las que quería pensar con el público, por eso hice esta película”, confiesa. No soy optimista respecto a la división de clases, porque la brecha entre clases solo aumenta con el tiempo Lee Chang-Dong — cineasta Una de las peculiaridades de Un amor posible es que ha sido producida por Netflix, que ahora la estrena dentro de la plataforma. Un giro sorprendente para un filme del director coreano, famoso por sus tempos pausados que son lo contrario a lo que manda el logaritmo. La compañía salvó el filme en el último minuto. El propio Chang-Dong lo cuenta sin problema. Explica que Netflix ya se había interesado en el filme cuando leyeron el guion, pero que él decidió que no entraran para asegurar el estreno en cines. Cuando hasta el último minuto no lograron la financiación, tomó la decisión de decirles que sí. Ahora solo tiene palabras de agradecimiento, porque de alguna forma se ha producido gracias a ellos: “Netflix fue muy paciente con nosotros y esperó durante todo el proceso hasta que tomamos la decisión. Desde el primer momento sabía que no habría ningún tipo de interferencia ni obstáculo con respecto a mi proceso creativo. No me dieron ni siquiera una sola nota, de hecho. Así que sentí que mi libertad creativa era plenamente respetada”.

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Hace 5 días

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Sacamantecas, el primer asesino de mujeres de la historia de España con el que se asustaba a los niños para que obedecieran (se abre en una pestaña nueva)

David Pérez Sañudo cuenta la verdad sobre el mito en 'Sacamantecas', su salto a los grandes presupuestos. Un filme con Antonio de la Torre como el asesino y Patricia López Arnaiz como protagonista Rodrigo Sorogoyen, Alana S. Portero, David Uclés y más de 750 firmas apoyan la huelga del 11N: “La cultura también para” A varias generaciones de niños se les asustó con la llegada del Sacamantecas. Sus padres, para que se portaran bien y obedecieran, les decían que si no lo hacían vendría el Sacamantecas y se les llevaría. Una nueva variante del hombre del saco, del coco y de todos los mitos con los que se intentaba meter en vereda a los chavales cuando no hacían caso. Pero detrás de cada mito hay una historia, y muchas veces lo que esconden es cómo una sociedad reconvirtió en leyenda algo que debería haber señalado y puesto en el foco. En el caso del Sacamantecas se trata del primer asesino en serie de mujeres de la historia de España. Se llamaba Juan Díaz de Garayo, era analfabeto, y durante la Guerra Carlista, a finales del siglo XIX a las afueras de Vitoria, mató a seis mujeres. ¿Cómo es posible que aquel acto de violencia machista se convirtiera en relato infantil? En aquella pregunta estaba uno de los intereses del cineasta David Pérez Sañudo en contar la historia real del Sacamantecas. Tras dos películas autorales y de una dimensión mucho más íntima (Ane y Los últimos románticos ) , Sañudo acomete el reto de contar la historia del mito en una producción mucho más ambiciosa, Sacamantecas, que ya se puede ver en los cines. Lo logra gracias a su mirada, que comienza con un homenaje a Centauros del desierto , y a una rigurosidad que le ha hecho plantearse cada escena para no repetir la violencia que ya sufrieron aquellas mujeres. Siempre consideró algo “utópico” la idea de hacer una película sobre el Sacamantecas. Creía que la gente conocía el mito, pero “desconocía lo que había detrás”. “Pero al mismo tiempo nos autocensurábamos pensando que era imposible que hiciéramos una película ambientada en el siglo XIX. En los últimos años, quizá nos hemos legitimado un poco más y hemos notado que había un anhelo institucional o un deseo de que esta película existiese. Poco a poco hemos ido profundizando y encontrando la manera en la que la queríamos contar o transmitir”, explica. Al final, su intención no era solo hablar de ese personaje al que interpreta Antonio de la Torre, sino realizar “un mosaico del siglo XIX apoyándonos en ese personaje tremendamente mitificado”. Por eso, aunque las agresiones contra esas mujeres sea el centro del relato, quería que la ferocidad de ese momento histórico se trasladara en cada plano. “Queríamos que todas las escenas estuviesen atravesadas por la violencia. Por ejemplo, cuando el personaje de Eneko Sagardoy le dice a su sobrina que aprenda a silbar y gritar ayuda, pero que lo haga en castellano, hay también una violencia a través de la imposición de una lengua. Queríamos insinuar que todo el rato hay violencias y dominios de clase o laborales, pero también la propia guerra, o del declive de las instituciones…”, explica. Una de las cosas que más le sorprendió en su investigación fue que el cuerpo de alguaciles no quería investigar las muertes de estas mujeres. Por ser mujeres, por ser de clase baja o por ser prostitutas. Los cuerpos de las mujeres como algo hasta desechable por la sociedad. Ese silencio, el de la gente ante lo que ocurre, cree que ha permeado hasta nuestros días y que es uno de los ecos de Sacamantecas que resuenan en el espectador actual. “En tiempos de guerra importaba poco la muerte de una vendedora ambulante de estrato social bajo. Era una época y un territorio muy tradicional, en el cual se enfrentaba en esa guerra el conservadurismo y una propuesta de España que era aún más conservadora. Esa idea creíamos que había que explorarla y desarrollarla”, avanza. Sacamantecas era un asesino, pero también un personaje que pertenecía a un territorio en disputa. En cuanto la dimensión social adquirió relevancia, la película tomó un tono diferente David Pérez Sañudo — Cineasta Querían que ese diálogo de pasado y presente fuera “constante”, pero tampoco querían ser “maniqueos”. Había muchos riesgos en el proyecto. Uno era “no humanizar al asesino”, aunque sí quisieron remarcar el hecho de que fuera “un analfabeto afectado por la carencia en todos los sentidos”. Al espectador le quieren lanzar un mensaje incómodo. “Tú me has estado demandando ver una película sobre el Sacamantecas y la quieres ver en términos espectaculares, pero hazte cargo de que tú también has contribuido al olvido de las víctimas y de haber aceptado una placa de homenaje a un asesino por el mero hecho de ser asesino y que eso también es violencia y violencia institucional [hay una placa indicando donde descansan sus restos en una fosa del Cementerio de Santa Isabel de Vitoria-Gasteiz]. Nosotros, como parte de la sociedad civil, también somos corresponsables”, subraya. Su idea siempre fue “visibilizar a las víctimas”, pero hacerlo “hilando muy fino para poder aportar algo diferente en un tema tratado con mucha inteligencia en otras películas”. Su apuesta es por la sequedad, y dándole el punto de vista de la película a la hermana de una víctima (Patricia López Arnaiz) que acude al entierro. Ella y el contexto histórico se convirtieron en las claves para conseguir que Sacamantecas “hablara de lo que somos hoy en día”. “Por ejemplo, es el germen de lo que luego será el nacionalismo vasco”, recuerda. “Empezamos a pensar que el Sacamantecas era un asesino, pero también era un personaje que pertenecía a un territorio en disputa y de un territorio muy conflictivo. En cuanto la dimensión social comenzó a adquirir relevancia, la película fue tomando un tono diferente”, señala. Uno de los elementos importantes era alejarse del true crime, de los postulados de un género manido y que suele caer en el sensacionalismo. Para Pérez Sañudo en la producción actual, especialmente en plataformas, “hay un exhibicionismo de la muerte, de lo truculento, de las mujeres víctimas”. Cree que no es suficiente advertir con un cartel antes diciendo que está basado en hechos reales, o que las imágenes que se van a ver son violentas, gestos que cree que son “para lavarse la conciencia”. La responsabilidad del autor es pensar cómo mostrar o no mostrar esa violencia. En esa discusión sobre la puesta en escena siempre tuvo claro que no querían “apoderarse de la mirada del siglo XXI para protegerse detrás de ella”. Antonio de la Torre, el Sacamantecas en plena guerra Carlista Él mismo se dio cuenta de que buscando información no aprendía sobre esas mujeres, sino que solo estaba buceando en los archivos sobre el Sacamantecas. “Ya hay un dilema moral cuando empiezas a ser consciente de eso”, apunta. Ahí nació uno de los grandes hallazgos del filme, y es que “por mucho que sea una película ambiciosa y de presupuesto elevado, no se podía dinamitar la forma de afrontar esas temáticas”. “Para nosotros la honestidad siempre ha estado en primer término. Lo conseguiremos mejor o peor, pero queríamos que el espectador piense todo el tiempo, que no esté sintiendo, que no estemos espectacularizando todo el tiempo, sino que le obliguemos a alejarse, al menos puntualmente, para tratar de interpretar lo que la película sugiere”, analiza. Debatieron mucho sobre cómo representar la violencia, porque eran conscientes de que en géneros como el terror se ha glamourizado la violencia hacia las mujeres. Llegaron a una conclusión: “Solo íbamos a mostrar la violencia sobre las mujeres, la violación y el asesinato una vez, y lo íbamos a mostrar desde mucha distancia. El resultado era violento. Las razones que teníamos eran poderosas, pero también era arriesgado. Tuvimos que hacer algunos pases para ver cómo se percibía, y sentimos que todas las mujeres que lo veían nos dijeron que teníamos que mantener esa secuencia. Curiosamente, los pocos comentarios de rechazo en lo que se refiere a esa secuencia inicial en la película que recibíamos eran de chicos, y jóvenes. Eso nos hizo pensar en algún tipo de identificación, en cierta corresponsabilidad desde la pasividad. Le hemos dado muchas vueltas. Pero hemos tratado de que esa violencia que el espectador espera que se ejerza sobre la mujer, solo la veamos sobre él, sobre el asesino, al final de la película”.

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