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'Grand Theft Auto VI', el Esperpento de la Gran Novela Americana (se abre en una pestaña nueva)

El 17 de septiembre de 2013, un videojuego ingresó más de 800 millones de dólares en veinticuatro horas. Ninguna película, ningún disco y ningún libro lo había conseguido antes, y ninguno lo ha conseguido después. Aquel juego era 'GTA V': los niños que lo vieron llegar a las tiendas hoy pagan un alquiler, votan y siguen esperando a su sucesor. Esa paciencia termina el 19 de noviembre, cuando millones de personas verán, por primera vez desde dentro, el rostro de Lucía, la protagonista de 'Grand Theft Auto VI', saliendo de la celda. Eso es la superficie. Basta asomarse para empezar a caer. Primero aparece el dinero, con cifras que dejan pequeño a Hollywood. Después, una generación entera que ha crecido dentro de ciudades que no existen. Más abajo, un país que lleva un cuarto de siglo mirándose en este juego sin terminar de reconocerse, y en el fondo, donde hacemos pie, algo mucho más antiguo que los videojuegos; algo que, curiosamente, empezó a escribirse en español. Desde ahí abajo conviene formular la pregunta sin rodeos: ¿estamos ante el acontecimiento cultural de la década, y quizá del siglo que llevamos? La respuesta es afirmativa. «Va más allá de un lanzamiento: es un icono cultural que trasciende el 'gaming'», coincide Nacho de la Iglesia, Head of Projects & Insights en FLUZO, plataforma de medición cross-media basada en IA. Su anterior entrega ha superado los 9.500 millones, lo que la sitúa entre las obras de entretenimiento más lucrativas de la historia. Esta euforia por su anterior entrega puso nombre a lo que los economistas llaman 'gripe GTA': durante su primera semana en las tiendas, se estimó que un 6% de la población de entre 18 y 35 años de las grandes ciudades faltó al trabajo para poder jugar. Cinco años después, 'Red Dead Redemption 2', del mismo estudio, llevó el detalle y la ambición narrativa del medio a un nivel que la crítica comparó con la gran novela realista. Reyes Justribó, directora general de IAB Spain, asociación mundial de comunicación, publicidad y marketing digital, y presidenta de IAB Europe, ve ahí una de las grandes lecciones que el videojuego deja al resto de industrias: «la capacidad de generar expectativa» a base de revelaciones graduales que convierten un lanzamiento en un acontecimiento esperado. La influencia de la saga desborda ampliamente el terreno del juego. 'GTA V' sigue figurando entre los títulos más vendidos trece años después de su estreno, con más de 200 millones de copias. Pocas obras de este siglo pueden presumir de haber moldeado de forma tan concreta el imaginario de una generación: muchos jugadores conocen mejor Liberty City, Vice City o Los Santos que su propia ciudad. En España juegan 22,8 millones de personas, según la Asociación Española de Videojuegos, en una industria que, como resume Justribó, «no entiende de generaciones, sino de experiencias compartidas». Todo esto empezó, en cierto modo, en octubre de 2001. A pocas semanas de los atentados del 11 de septiembre, Rockstar Games retrasó el lanzamiento de 'Grand Theft Auto III ' porque su ciudad se parecía demasiado a Nueva York: retocó el aspecto de los coches de policía, cambió la portada y eliminó algunos contenidos que, de pronto, resultaban insoportables. El juego salió a la venta el 22 de octubre en una ciudad que aún olía a ceniza. Nadie podía saberlo entonces, pero aquel lanzamiento inauguraba una de las crónicas más persistentes que se han escrito sobre el siglo XXI. Desde aquel otoño, 'Grand Theft Auto' nos ha acompañado como una sombra deformada. En 2008, el año de la quiebra de Lehman Brothers, 'GTA IV' contó la historia de un inmigrante serbio que llega a Liberty City persiguiendo un sueño americano que se desmorona. En 2013, 'GTA V' convirtió la California de la crisis financiera, los gurúes tecnológicos, la vigilancia masiva y la televisión basura en un parque temático del cinismo. Cada entrega funcionaba como un corte geológico; quien quiera saber cómo se imaginaba Estados Unidos a sí mismo en cada momento del siglo encontrará en ellas un registro tan fiable como cualquier hemeroteca. Pero para entender por qué la sexta merece el título de acontecimiento cultural hay que mirar todavía más atrás, hacia una tradición más antigua que los videojuegos y que, curiosamente, pasa por Madrid. En una calle estrecha del centro de la capital española, la que los madrileños siguen llamando callejón del Gato, dos espejos deformantes cuelgan en una fachada. Son réplicas, claro; los originales, cóncavos y convexos, adornaban a comienzos del siglo XX la entrada de una ferretería, y los paseantes se detenían a verse estirados como juncos o achatados como toneles. Ramón María del Valle-Inclán convirtió estos reflejos en poética. En la escena duodécima de 'Luces de bohemia', publicada por entregas en 1920 y en libro en 1924, el poeta ciego Max Estrella le explica a Don Latino, en plena madrugada, que «los héroes clásicos reflejados en los espejos cóncavos dan el Esperpento ». Después, añade la sentencia que haría historia: «España es una deformación grotesca de la civilización europea». Propone como escapatoria sistematizar el reflejo. La deformación deja de serlo cuando está sujeta a una matemática perfecta. Ahí reside la principal diferencia entre el Esperpento y la simple caricatura. Valle-Inclán exageraba para poder visibilizar a la España de ministros venales, policías brutales, periodistas a sueldo y poetas muertos de hambre era la verdadera, despojada de la solemnidad que la disfrazaba. Reclamaba a Goya como precursor y miraba a sus personajes desde arriba, como peleles movidos por fuerzas que no entendían. Un siglo después, el Esperpento ha encontrado un heredero en el lugar menos previsible. 'Grand Theft Auto' lleva casi tres décadas construyendo un Estados Unidos sometido a ese mismo cálculo: las armas, el dinero, la televisión, la policía, los telepredicadores, la publicidad, la autopista, todo estirado hasta el límite exacto que permite que lo grotesco se vuelva, inesperadamente, revelador. El Esperpento no es la única genealogía literaria en la que 'GTA' encaja. Mucho antes, la literatura española inventó otra figura que la saga ha recorrido una y otra vez: el pícaro. El 'Lazarillo de Tormes', publicado anónimamente en 1554, y 'El Buscón', de Quevedo, en 1626, contaban el mundo desde abajo, a través de un muchacho sin linaje que sobrevive engañando a amos, clérigos y hidalgos. La novela picaresca era un recorrido episódico por una sociedad corrompida, narrado por alguien que no tenía otra moral que la supervivencia. Si sustituimos el camino de Salamanca por la Interestatal, obtenemos el esqueleto de cualquier 'Grand Theft Auto': un protagonista marginal que asciende por una escalera de encargos, cada uno de los cuales desvela un estrato de la podredumbre social. Lucía y Jason, fácilmente emparejados con Bonnie y Clyde, son también pícaros y forajidos románticos americanos, herederos del mito del atracador simpático que Hollywood fijó en 1967 con Arthur Penn. Que Lucía sea latina, la primera protagonista femenina de la saga en su era tridimensional, y que se la presente por primera vez en una cárcel, añade una capa de lectura: el mito del fugitivo devuelto a un país que encarcela a más personas por habitante que casi cualquier otro. La tradición norteamericana también tiene su propio espejo cóncavo. Mark Twain hizo de la sátira un arte nacional y Nathanael West retrató la cara perdida de Hollywood en 'El día de la langosta'. Hunter S. Thompson convirtió en 1971 un viaje a Las Vegas en una alucinación sobre el fin del sueño americano; Tom Wolfe dedicó 'La hoguera de las vanidades' a Nueva York y, en 2012, 'Bloody Miami' a la ciudad que inspira Vice City. Florida, en particular, cuenta con su propio canon: las novelas criminales de Elmore Leonard ambientadas en el sur del estado, las sátiras ecológicas de Carl Hiaasen, pobladas de políticos corruptos y especuladores inmobiliarios, y el ensayo 'Miami' que Joan Didion publicó en 1987, donde la ciudad se vestía como una capital del exilio, la conspiración y el dinero opaco. 'GTA VI' se nutre de todos. Su gran hallazgo, a juzgar por lo mostrado, es haber comprendido que la Florida del siglo XXI se cuenta a través de los teléfonos. Si las entregas anteriores parodiaban cómo Hollywood veía a Estados Unidos, la sexta parodia cómo Estados Unidos se ve a sí mismo cuando se graba sin descanso, y acoge así al 'Florida Man', el 'meme' que convierte a diario los atestados policiales del Estado en titulares estrafalarios, alimentado, en parte, por unas leyes de transparencia que hacen esos documentos inusualmente accesibles. Cuando la crítica comparó 'Red Dead Redemption 2' con la gran novela realista, no hablaba en sentido figurado. Balzac quiso contener la Francia de su tiempo en 'La comedia humana'; Galdós hizo lo mismo con Madrid en sus 'Episodios nacionales' y sus novelas contemporáneas; Joyce presumía de que Dublín podría reconstruirse a partir de 'Ulises' si la ciudad desapareciera. Los mundos de Rockstar aspiran a una totalidad semejante, pero con una diferencia radical: el lector, esta vez, es jugador. En 1868, John William de Forest acuñó una expresión que perseguiría a la literatura estadounidense durante siglo y medio: la Gran Novela Americana, aquella obra capaz de retratar el país entero con tal exactitud que cualquier ciudadano se reconociera en ella. Desde entonces se ha propuesto a 'Moby Dick'; 'Las aventuras de Huckleberry Finn'; 'El gran Gatsby'; Philip Roth llegó a titular así una novela en 1973, medio en broma, como si admitiera que era imposible. Quizá lo era para un solo autor y un solo libro. Un país así cabe, en cambio, en una obra levantada durante casi tres décadas por miles de personas. Estados Unidos lleva siglo y medio buscando el libro que lo contenga entero. Tal vez el error era buscarlo en una novela. ¿Qué le queda por exagerar al espejo cóncavo cuando la realidad ya parece una caricatura? Valle-Inclán escribía para una sociedad que todavía conservaba la pretensión de la solemnidad; el Esperpento funcionaba porque rompía una fachada. El mundo de 2026, donde la política se ha vuelto espectáculo y el espectáculo política, ofrece pocas fachadas intactas. El riesgo es que el reflejo deformado resulte indistinguible del original, y que el retratado, en lugar de avergonzarse, se reconozca, se ría y lo comparta. Precisamente aquí está la razón por la que 'GTA VI' merece el título de acontecimiento cultural del siglo. No por sus cifras, aunque probablemente las batirá todas, sino por la convergencia que encarna. En él confluyen la tradición picaresca española, el Esperpento valleinclanesco, la sátira norteamericana de Twain a Wolfe, el 'noir' de Florida y la ambición totalizadora de la gran novela del XIX, todo ello traducido al lenguaje que mejor define la experiencia del presente: el videojuego, el contenido compartido y la identidad que se elige y se manipula. Los grandes acontecimientos culturales de otras épocas tuvieron esa misma condición de cruce. Las entregas de Dickens se esperaban en los muelles de Nueva York, 'Luces de bohemia' salía por fascículos en una revista madrileña y los estrenos de las grandes sagas cinematográficas de las últimas décadas concentraron a públicos de todo el planeta en la misma fecha. «Es algo que se juega, se comparte y, además, se ve como una película», resume De la Iglesia. 'GTA VI' conseguirá que decenas de millones de personas, en Seúl, Lagos, São Paulo o Madrid, pasen cientos de horas dentro de una Florida que nunca han pisado y se formen, a partir de ella, una imagen de Estados Unidos. El espejo solo exagera lo que ya está ahí. Los paseantes de 1920 se reían de su figura estirada porque sabían que, al dar un paso atrás, recuperarían sus proporciones. Hoy ya no está tan claro dónde termina el reflejo y dónde empieza el cuerpo. Cuando Lucía cruce por fin la puerta de su celda, medio planeta se asomará a ese espejo. Conviene no olvidar que también saldremos en él.

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Cuando hordas travestis invadieron el planeta: Sevilla resucita una sátira en blanco y negro contra la intolerancia (se abre en una pestaña nueva)

El Festival de Cine Europeo de Sevilla proyecta 'Invasión travesti', de Jero de los Santos y Paco Cabezas, rodada sin permisos en 1997 y que narra los últimos tres días de la humanidad bajo un régimen heterofóbico fascista “¡Andalucía libre, igualitaria y orgullosa!”: Sevilla alza su voz por los derechos LGTBIQ+ frente a los discursos de odio El auge actual del cine andaluz tuvo, como todos los auges, comienzos modestísimos. Pero a veces es solo cuestión de tiempo que aquellos esfuerzos pioneros, considerados a menudo como obras de culto para maquillar su olvido, vuelvan al presente para reivindicar su valor y su vigencia. Es el caso de Invasión travesti , una película de ciencia-ficción y sátira underground que firmaban unos jóvenes Jero de los Santos y Paco Cabezas, y que un cuarto de siglo después de su estreno será proyectada este viernes en el Festival de Cine Europeo de Sevilla , convenientemente restaurada, en su sección Esenciales . Rodada de manera independiente y sin permisos en la capital hispalense entre 1997 y 1998 y estrenado en el cine Avenida de la ciudad en el año 2000, Invasión travesti fue posible gracias a la cámara de 16 mm del padre de Alberto Rodríguez, empleado en la televisión autonómica, que un grupo de amigos cinéfilos ya habían usado poco antes para hacer una colección de cortos que sería el primer aviso de la llamada Generación Cinexin . “Cuando Paco Cabezas y yo pensamos en hacer esta película, la cámara estaba ya desechada porque tenía un problema con las lentes y no recogía sonido”, recuerda De los Santos. “Aun así, era la única cámara de cine a la que podíamos acceder, por lo que rodamos la película igualmente. Con la ayuda de Alberto y también de Álex Catalán, que fue quien hizo la fotografía, logramos sacar adelante nuestro proyecto”. Estudiantes del CAT Hoy, Alberto Rodríguez es un director mundialmente reconocido, Catalán posee un Goya y Cabezas rueda en Hollywood, pero hay que remontarse al momento en que éste y De los Santos, amigos de infancia, empezaron a estudiar en el Centro Andaluz de Teatro. “Carmen Calvo había decidido cerrar el centro y favorecer los estudios de Arte Dramático, en lugar de mantener abiertas las dos unidades de formación y producción. Por allí andaban también Paco León y Santi Amodeo, y buena parte del reparto. Casi el 90 % de la película transcurre en espacios del Centro Andaluz de Teatro”. De hecho, el filme original está firmado por un colectivo llamado Perras de Satán, “el grupo con el que yo trabajaba”, dice Jero de los Santos. “Sus integrantes nunca eran los mismos, el único que estaba siempre era yo. Era una forma de reivindicar una autoría común, sin darle tanta importancia a lo individual, sino poniendo el acento en lo colectivo. Anteriormente a Invasión Travesti habíamos hecho otra historia que se llamaba Una Grande y Libre Anchoa , que tenía un trasfondo muy parecido: también era una expresión de rechazo a la violencia relacionada con los colegios de monjas, los estudios religiosos y demás. De ahí surge un personaje que aparece también en Invasión Travesti . En cierto modo, Invasión Travesti es una continuación de aquella primera historia. Cambia el argumento, pero permanecen algunos personajes, como el de la travesti malvada que pone fin a la humanidad, Laura Crawford”. Según el cineasta, “entonces fue la única película hecha por un equipo cuya dirección estaba en manos de una persona gay, que estaba planteando algo que todavía no se hacía en Andalucía. Faltaban diez años para el primer Orgullo Gay en Sevilla. Y solo había travestis que imitaban a folclóricas. Cuando hicimos la convocatoria para que vinieran drag queens, no vino ninguna”, evoca. “Con los años, algunas de ellas, como Angelita la Perversa, me contaron: ‘Ay, es que yo todavía era un niño. Vi el cartel, pero no me atreví a ir’. Fuimos a contracorriente”. Distopía y protesta En cuanto al argumento de Invasión Travesti , gira en torno a hordas travestis que han invadido el planeta. La mencionada Laura Crawford, un híbrido letal formado con lo peor de ambos géneros, ha sembrado el caos. Bárbara Furiase, la última mujer heterosexual, tiene solo tres días para encontrar a alguien igual que ella y juntos salvar el mundo. “La película habla de la violencia correctiva que, como persona gay, sufrí durante toda mi infancia y juventud, dentro y fuera de casa. Era una época en la que todavía pesaban mucho la ideología franquista de principios de los ochenta y la educación religiosa. El rodaje fue mi forma de protestar y de plantear una especie de distopía en la que las personas heterosexuales fueran tratadas como somos tratadas las personas disidentes. Hablamos de heteroterrorismo, del fin del mundo, de la última mujer heterosexual sobre la Tierra”. Los discursos correctivos son algo común a cualquier persona que no sea blanca, heterosexual y burguesa. Yo he sufrido clasismo en el colegio privado, igual que homofobia y racismo, porque todas esas cosas van de la mano. Esa forma de no tolerar la diferencia creo que nos une a todos los que, por una razón u otra, no encajamos en esa definición tan estricta de cómo hay que ser Jero de los Santos — Director de 'Invasión Travesti' En este sentido, De los Santos subraya que “provocar nunca ha sido una intención para mí. Lo que hice fue lo que necesitaba hacer: expresar mi rabia ante esa violencia que había sufrido todo el mundo de mi entorno, como si no seguir la norma heteropatriarcal o heterosexual fuese casi un crimen”. El elemento gitano, también muy presente en Jero de los Santos, no queda subrayado explícitamente, aunque “aparece porque forma parte de mi manera de ver el mundo”, admite. “Los discursos correctivos son algo común a cualquier persona que no sea blanca, heterosexual y burguesa. Yo he sufrido clasismo en el colegio privado, igual que homofobia y racismo, porque todas esas cosas van de la mano. Esa forma de no tolerar la diferencia creo que nos une a todos los que, por una razón u otra, no encajamos en esa definición tan estricta de cómo hay que ser. De todos los colores de la bandera del arcoíris, solo se permite uno: el heterosexual. Todos los demás son condenados. Algo parecido nos ocurre a las personas gitanas, negras o, simplemente, de clase trabajadora en determinados entornos”. Rodaje sin presupuesto Ahora, el cineasta sonríe al recordar cómo “rodábamos hasta altas horas de la madrugada. Por ejemplo, cuando Álex Catalán terminaba de trabajar en Canal Sur, venía al rodaje. A veces estábamos hasta las seis o las siete de la mañana. También rodamos en otros puntos de la ciudad, siempre sin permisos. Era una especie de cine de guerrilla. S i teníamos que hacer un plano frente a la Giralda, nos íbamos a las cinco de la mañana, uno vigilaba que no viniera la policía, rodábamos el plano y salíamos corriendo. El interior de la Giralda, por ejemplo, lo recreamos en Carmona, porque obviamente no podíamos entrar: no teníamos permiso”. “Como teníamos que ajustarnos a un presupuesto muy limitado, solo podíamos rodar, por ejemplo, tres tomas de cada plano”, agrega. “No teníamos dinero para más. La historia estaba completamente cerrada antes de empezar. Cualquier rodaje implica cierto desorden respecto a la línea cronológica de la historia, pero, cuando tienes tantas limitaciones presupuestarias, no puedes permitirte el lujo de improvisar y hacer algo que luego quizá no funcione”. A pesar de su humildad, Invasión Travesti recogió sus frutos. Abrió a sus directores las puertas de La Zanfoña, la productora que capitaneó el despegue del cine andaluz, y tuvo su eco, sobre todo, en el mercado internacional. “En Madrid la reacción fue un tanto fría, la verdad, y la película no fue del todo entendida en su momento. Nos dimos cuenta de que nuestras referencias cinematográficas todavía no estaban, por así decirlo, en la mente del espectador español medio”, subraya. Al hilo, añade que “éramos un poquito adelantados en ese sentido, pero con el resto de Europa no nos pasaba. Se proyectó en una galería de Londres, en un festival en Holanda, en Argentina y en diferentes festivales internacionales. También estuvo en Estados Unidos, en un festival de cine latino que se celebra en San Diego. Y, a los dieciocho años del estreno, en 2018, nos llamaron de Glasgow para organizar una sesión especial con drag queens, como homenaje a la película por su aniversario”. Una buena segunda vida Todo ello propició la restauración de los negativos, que estaban en la Filmoteca de Andalucía, por Julia C. de la Fuente con el apoyo del Festival de Cine de Málaga y del Ministerio de Igualdad. “Está teniendo una buena segunda vida. Ahora, cuando la estamos proyectando, nos encontramos con muchas sorpresas. Está siendo muy bien entendida y los jóvenes la siguen sin ningún problema. Todas esas referencias las reconocen directamente, porque conocen las fuentes originales, o porque han consumido otras películas, cómics y libros que han utilizado esas mismas referencias”. Pero la mayor sorpresa en este sentido, es según De los Santos “otra cuestión que ahora queda más clara y que en su momento tampoco fue del todo entendida: la conexión entre el fascismo y los nuevos discursos de ultraderecha, con esas posiciones tan homófobas y ese ataque y señalamiento que vuelven a dirigirse contra las personas gays y, sobre todo, contra las personas transexuales. Todo esto tiene hoy una actualidad política mucho más evidente. En la película hay determinadas bromas y referencias directas a Franco, a su mujer y al fascismo, y ahora se entienden mejor. Es una sorpresa para bien y para mal, porque también significa que han vuelto esos discursos tan radicales e intolerantes”.

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Scarlett Johansson (41 años), rotunda sobre el cine actual de Hollywood: "Hay películas que me parecen irresponsables" (se abre en una pestaña nueva)

Aceptar un proyecto por el simple hecho de llevar el sello de un gran estudio no entra en los planes de Scarlett Johansson . La estrella de Hollywood ha reconocido que recibe propuestas cinematográficas que le generan tantas dudas que incluso llega a cuestionar a sus responsables la conveniencia de producirlas. Durante una entrevista con LATimes concedida con motivo de la promoción de 'Paper Tiger' , su último trabajo, la actriz ha explicado que el público ocupa un lugar fundamental en sus decisiones profesionales . Para ella, no basta con que una historia le resulte atractiva personalmente: también debe tener sentido para quienes acabarán viéndola. " ¿Estoy haciendo algo que otras personas quieran ver? ¿Existe un público para esta película? No hago películas solo para mí ", ha explicado la estrella estadounidense de 41 años. En Espinof Scarlett Johansson sobre sus inicios en Hollywood: "Muchos de los papeles que me ofrecían giraban en torno al atractivo físico" Una reflexión que, según reconoce, también aplica cuando recibe determinadas propuestas de los estudios: " A veces recibo proyectos y tengo que decirles: 'No creo que debáis hacer esta película. No sé para quién la estáis haciendo. Me parece irresponsable llevarla adelante ' ". Scarlett Johansson no ha querido poner nombres a esas producciones, pero sus palabras reflejan una postura crítica ante algunas decisiones de la industria cinematográfica. Entre las superproducciones y el cine independiente Su carrera reciente ha estado muy vinculada a las grandes franquicias , especialmente por su papel como Viuda Negra en el Universo Cinematográfico de Marvel . Su última superproducción fue 'Jurassic World: El renacer' , estrenada en 2025. Sin embargo, la intérprete también continúa buscando historias alejadas de los grandes circuitos comerciales . Scarlett Johansson en 'El exorcista: Mártires' Es el caso de 'Paper Tiger', drama dirigido por James Gray que llegó a Cannes y fue adquirido por Neon antes de su estreno mundial en el festival. Su calendario tampoco está precisamente vacío: durante este año ha rodado 'El exorcista: Mártires' , que llegará a los cines el 12 de marzo de 2027, y 'The Batman 2' , cuyo estreno está previsto para el 18 de febrero de 2028. Después, la actriz se pondrá a las órdenes de Ari Aster en 'Scapegoat', donde compartirá reparto con Jude Law. Sobre el guion, Johansson ha reconocido que le ha provocado una impresión difícil de describir : " Es muy intenso. Tiene una inmediatez diferente. Nunca había leído nada parecido ". Los rechazos que pusieron en duda su futuro No siempre ha sido ella quien ha dicho que no. En el pasado, perder los papeles de 'Iron Man 2' y 'Gravity' le provocó una profunda frustración . Emily Blunt fue inicialmente elegida como Viuda Negra, mientras que Sandra Bullock terminó protagonizando la película de Alfonso Cuarón. En Espinof "No pensé en la diferencia de edad". Sofia Coppola explica por qué no cambiaría la relación de Scarlett Johansson y Bill Murray en su película más aclamada " Me rechazaron para dos papeles: primero 'Iron Man 2' y después 'Gravity'. Deseaba muchísimo aquel papel. Fue la gota que colmó el vaso ", recordó en Variety . Aquella etapa le hizo cuestionarse su camino profesional . Ahora, alternando grandes producciones con propuestas más arriesgadas, Johansson parece tener claro que participar en una película también implica creer en ella. En Espinof | Scarlett Johansson desvela sus 4 películas favoritas: una joya del cine de acción y ciencia ficción, dos grandes comedias de los 90 y un clásico injustamente olvidado En Espinof | Las mejores películas de 2026 - La noticia Scarlett Johansson (41 años), rotunda sobre el cine actual de Hollywood: "Hay películas que me parecen irresponsables" fue publicada originalmente en Espinof por Víctor Mopez .

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Día grande en Apple TV con el estreno de una de sus series más esperadas. Y no es lo único que llega hoy (se abre en una pestaña nueva)

De los estrenos de Apple TV en noviembre , hoy llegan tres que son de lo más potente y variado: una nueva serie, una película y un especial para peques (y no tan peques). Desde un atraco que se convierte en una carrera a contrareloj hasta el retrato de una activista que cambió la vida de millones de personas. Y, entre medias, un especial navideño de Snoopy. Índice de Contenidos (3) '12, 12, 12' (serie) 'Siendo Heumann' (película) 'Snoopy presenta: 12 días para Navidad' (especial) '12, 12, 12' (serie) Ya están disponibles los dos primeros capítulos de este thriller policiaco protagonizado por Anthony Mackie (' Capitán América ') y Jamie Dornan (' Cincuenta sombras de Gray '). Habrá un total de ocho episodios que se irán emitiendo individualmente cada viernes, siendo el día de Navidad (25 de diciembre) cuando esté ya completa su primera temporada. La trama comienza con un ambicioso atraco a una cámara acorazada bajo las calles de Zúrich . Lo encabeza Paul Galvin (Dornan), un delincuente profesional que acaba enfrentándose a un agente del FBI caído en desgracia, Jack Strickland (Mackie). Y aunque ambos parecen tener sus respectivos planes calculados, acaba convirtiéndose en una persecución por toda Europa. En Applesfera La segunda temporada de 'Pluribus' está ya grabándose. El problema está en cuándo podremos verla El título de la serie no es casual. Hace referencia a los 12 meses que Paul planeó el atraco, las 12 horas que duró su ejecución y los 12 días de persecución posteriores. La única pega es que no se haya estrenado el 12 del 12, sino el 13 del 11, pero no todo podía ser perfecto (lo siento, numerologistas). 'Siendo Heumann' (película) La estadounidense Judy Heumann fue una de las grandes activistas en la lucha por la accesibilidad y otros derechos para personas con discapacidad. Pese a su fallecimiento en 2023, su legado permanece vivo y esta película sirve para honrarla y retratar su lucha. Ruth Madeley (' Years and Years ') es quien se pone en la piel de Heumann, aunque la película no pretende ser un biopic que recorra toda su vida, sino centrarse en los episodios más importantes de su carrera. Por ejemplo, la histórica ocupación de un edificio federal en San Francisco en el 77 para exigir que se protegiesen sus derechos. 'Siendo Heumann' tiene una duración de poco más de dos horas y en su reparto cuenta con otros nombres como el de Mark Ruffalo (' Spotlight ') o Dylan O'Brien (' El corredor del laberinto '). La dirige Siân Heder, quien también estuvo bajo la dirección de ' CODA ', galardonada con el Oscar a mejor película en 2022. 'Snoopy presenta: 12 días para Navidad' (especial) Imagen: Apple TV Insistimos en que hoy no es día 12, pero por alguna razón Apple TV ha tenido a bien traer dos títulos con este número en el día de hoy. De hecho, no faltan 12 días para Navidad, aunque es de lo que va este especial navideño de Snoopy que es ya prácticamente un clásico anual en la plataforma. Se trata de un corto de poco más de media hora en el que Snoopy descubre que ha acabado en la lista de los traviesos de Papá Noel . Con solo 12 días por delante hasta Navidad, quiere demostrar que no es tan malo como parece y que merece estar en la lista de los buenos. Y claro, eso requiere de buenas acciones y descubrir que el verdadero espíritu navideño va mucho más allá de los regalos. En Applesfera La segunda temporada de 'Pluribus' está ya grabándose. El problema está en cuándo podremos verla Charlie Brown y el resto de la pandilla de Peanuts también tienen su espacio en este especial. De fondo, una banda sonora original en la que participan grandes artistas como John Legend, Kamasi Washington, Leon Bridges y Laufey . Imagen de portada y vídeos | Apple TV En Applesfera | Apple TV y sus estrenos: las próximas series, películas y documentales que veremos en su catálogo En Applesfera | Las 25 mejores películas de Apple TV y cómo verlas sin pagar un solo euro - La noticia Día grande en Apple TV con el estreno de una de sus series más esperadas. Y no es lo único que llega hoy fue publicada originalmente en Applesfera por Álvaro García M. .

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Cuando hordas travestis invadieron el planeta: Sevilla resucita una sátira en blanco y negro contra la intolerancia (se abre en una pestaña nueva)

El Festival de Cine Europeo de Sevilla proyecta 'Invasión travesti', de Jero de los Santos y Paco Cabezas, rodada sin permisos en 1997 y que narra los últimos tres días de la humanidad bajo un régimen heterofóbico fascista “¡Andalucía libre, igualitaria y orgullosa!”: Sevilla alza su voz por los derechos LGTBIQ+ frente a los discursos de odio El auge actual del cine andaluz tuvo, como todos los auges, comienzos modestísimos. Pero a veces es solo cuestión de tiempo que aquellos esfuerzos pioneros, considerados a menudo como obras de culto para maquillar su olvido, vuelvan al presente para reivindicar su valor y su vigencia. Es el caso de Invasión travesti , una película de ciencia-ficción y sátira underground que firmaban unos jóvenes Jero de los Santos y Paco Cabezas, y que un cuarto de siglo después de su estreno será proyectada este viernes en el Festival de Cine Europeo de Sevilla , convenientemente restaurada, en su sección Esenciales . Rodada de manera independiente y sin permisos en la capital hispalense entre 1997 y 1998 y estrenado en el cine Avenida de la ciudad en el año 2000, Invasión travesti fue posible gracias a la cámara de 16 mm del padre de Alberto Rodríguez, empleado en la televisión autonómica, que un grupo de amigos cinéfilos ya habían usado poco antes para hacer una colección de cortos que sería el primer aviso de la llamada Generación Cinexin . “Cuando Paco Cabezas y yo pensamos en hacer esta película, la cámara estaba ya desechada porque tenía un problema con las lentes y no recogía sonido”, recuerda De los Santos. “Aun así, era la única cámara de cine a la que podíamos acceder, por lo que rodamos la película igualmente. Con la ayuda de Alberto y también de Álex Catalán, que fue quien hizo la fotografía, logramos sacar adelante nuestro proyecto”. Estudiantes del CAT Hoy, Alberto Rodríguez es un director mundialmente reconocido, Catalán posee un Goya y Cabezas rueda en Hollywood, pero hay que remontarse al momento en que éste y De los Santos, amigos de infancia, empezaron a estudiar en el Centro Andaluz de Teatro. “Carmen Calvo había decidido cerrar el centro y favorecer los estudios de Arte Dramático, en lugar de mantener abiertas las dos unidades de formación y producción. Por allí andaban también Paco León y Santi Amodeo, y buena parte del reparto. Casi el 90 % de la película transcurre en espacios del Centro Andaluz de Teatro”. De hecho, el filme original está firmado por un colectivo llamado Perras de Satán, “el grupo con el que yo trabajaba”, dice Jero de los Santos. “Sus integrantes nunca eran los mismos, el único que estaba siempre era yo. Era una forma de reivindicar una autoría común, sin darle tanta importancia a lo individual, sino poniendo el acento en lo colectivo. Anteriormente a Invasión Travesti habíamos hecho otra historia que se llamaba Una Grande y Libre Anchoa , que tenía un trasfondo muy parecido: también era una expresión de rechazo a la violencia relacionada con los colegios de monjas, los estudios religiosos y demás. De ahí surge un personaje que aparece también en Invasión Travesti . En cierto modo, Invasión Travesti es una continuación de aquella primera historia. Cambia el argumento, pero permanecen algunos personajes, como el de la travesti malvada que pone fin a la humanidad, Laura Crawford”. Según el cineasta, “entonces fue la única película hecha por un equipo cuya dirección estaba en manos de una persona gay, que estaba planteando algo que todavía no se hacía en Andalucía. Faltaban diez años para el primer Orgullo Gay en Sevilla. Y solo había travestis que imitaban a folclóricas. Cuando hicimos la convocatoria para que vinieran drag queens, no vino ninguna”, evoca. “Con los años, algunas de ellas, como Angelita la Perversa, me contaron: ‘Ay, es que yo todavía era un niño. Vi el cartel, pero no me atreví a ir’. Fuimos a contracorriente”. Distopía y protesta En cuanto al argumento de Invasión Travesti , gira en torno a hordas travestis que han invadido el planeta. La mencionada Laura Crawford, un híbrido letal formado con lo peor de ambos géneros, ha sembrado el caos. Bárbara Furiase, la última mujer heterosexual, tiene solo tres días para encontrar a alguien igual que ella y juntos salvar el mundo. “La película habla de la violencia correctiva que, como persona gay, sufrí durante toda mi infancia y juventud, dentro y fuera de casa. Era una época en la que todavía pesaban mucho la ideología franquista de principios de los ochenta y la educación religiosa. El rodaje fue mi forma de protestar y de plantear una especie de distopía en la que las personas heterosexuales fueran tratadas como somos tratadas las personas disidentes. Hablamos de heteroterrorismo, del fin del mundo, de la última mujer heterosexual sobre la Tierra”. Los discursos correctivos son algo común a cualquier persona que no sea blanca, heterosexual y burguesa. Yo he sufrido clasismo en el colegio privado, igual que homofobia y racismo, porque todas esas cosas van de la mano. Esa forma de no tolerar la diferencia creo que nos une a todos los que, por una razón u otra, no encajamos en esa definición tan estricta de cómo hay que ser Jero de los Santos — Director de 'Invasión Travesti' En este sentido, De los Santos subraya que “provocar nunca ha sido una intención para mí. Lo que hice fue lo que necesitaba hacer: expresar mi rabia ante esa violencia que había sufrido todo el mundo de mi entorno, como si no seguir la norma heteropatriarcal o heterosexual fuese casi un crimen”. El elemento gitano, también muy presente en Jero de los Santos, no queda subrayado explícitamente, aunque “aparece porque forma parte de mi manera de ver el mundo”, admite. “Los discursos correctivos son algo común a cualquier persona que no sea blanca, heterosexual y burguesa. Yo he sufrido clasismo en el colegio privado, igual que homofobia y racismo, porque todas esas cosas van de la mano. Esa forma de no tolerar la diferencia creo que nos une a todos los que, por una razón u otra, no encajamos en esa definición tan estricta de cómo hay que ser. De todos los colores de la bandera del arcoíris, solo se permite uno: el heterosexual. Todos los demás son condenados. Algo parecido nos ocurre a las personas gitanas, negras o, simplemente, de clase trabajadora en determinados entornos”. Rodaje sin presupuesto Ahora, el cineasta sonríe al recordar cómo “rodábamos hasta altas horas de la madrugada. Por ejemplo, cuando Álex Catalán terminaba de trabajar en Canal Sur, venía al rodaje. A veces estábamos hasta las seis o las siete de la mañana. También rodamos en otros puntos de la ciudad, siempre sin permisos. Era una especie de cine de guerrilla. S i teníamos que hacer un plano frente a la Giralda, nos íbamos a las cinco de la mañana, uno vigilaba que no viniera la policía, rodábamos el plano y salíamos corriendo. El interior de la Giralda, por ejemplo, lo recreamos en Carmona, porque obviamente no podíamos entrar: no teníamos permiso”. “Como teníamos que ajustarnos a un presupuesto muy limitado, solo podíamos rodar, por ejemplo, tres tomas de cada plano”, agrega. “No teníamos dinero para más. La historia estaba completamente cerrada antes de empezar. Cualquier rodaje implica cierto desorden respecto a la línea cronológica de la historia, pero, cuando tienes tantas limitaciones presupuestarias, no puedes permitirte el lujo de improvisar y hacer algo que luego quizá no funcione”. A pesar de su humildad, Invasión Travesti recogió sus frutos. Abrió a sus directores las puertas de La Zanfoña, la productora que capitaneó el despegue del cine andaluz, y tuvo su eco, sobre todo, en el mercado internacional. “En Madrid la reacción fue un tanto fría, la verdad, y la película no fue del todo entendida en su momento. Nos dimos cuenta de que nuestras referencias cinematográficas todavía no estaban, por así decirlo, en la mente del espectador español medio”, subraya. Al hilo, añade que “éramos un poquito adelantados en ese sentido, pero con el resto de Europa no nos pasaba. Se proyectó en una galería de Londres, en un festival en Holanda, en Argentina y en diferentes festivales internacionales. También estuvo en Estados Unidos, en un festival de cine latino que se celebra en San Diego. Y, a los dieciocho años del estreno, en 2018, nos llamaron de Glasgow para organizar una sesión especial con drag queens, como homenaje a la película por su aniversario”. Una buena segunda vida Todo ello propició la restauración de los negativos, que estaban en la Filmoteca de Andalucía, por Julia C. de la Fuente con el apoyo del Festival de Cine de Málaga y del Ministerio de Igualdad. “Está teniendo una buena segunda vida. Ahora, cuando la estamos proyectando, nos encontramos con muchas sorpresas. Está siendo muy bien entendida y los jóvenes la siguen sin ningún problema. Todas esas referencias las reconocen directamente, porque conocen las fuentes originales, o porque han consumido otras películas, cómics y libros que han utilizado esas mismas referencias”. Pero la mayor sorpresa en este sentido, es según De los Santos “otra cuestión que ahora queda más clara y que en su momento tampoco fue del todo entendida: la conexión entre el fascismo y los nuevos discursos de ultraderecha, con esas posiciones tan homófobas y ese ataque y señalamiento que vuelven a dirigirse contra las personas gays y, sobre todo, contra las personas transexuales. Todo esto tiene hoy una actualidad política mucho más evidente. En la película hay determinadas bromas y referencias directas a Franco, a su mujer y al fascismo, y ahora se entienden mejor. Es una sorpresa para bien y para mal, porque también significa que han vuelto esos discursos tan radicales e intolerantes”.

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Hoy, hace 18 h

eldiario.esGeneral

La ópera revolucionaria que estrenó el Teatro Real justo antes de la huelga general (se abre en una pestaña nueva)

Mozart consigue con 'Las bodas de Fígaro' algo casi milagroso: transformar una comedia de enredos en una de las obras más hermosas, ricas y profundas de la historia universal El cine francés presume de sus clásicos y reivindica ‘Los miserables’: “En EEUU preguntan si es la versión sin canciones” Una buena mañana, los presos de la Penitenciaría Estatal de Shawshank oyeron por los altavoces una melodía inesperada . “No tengo ni la más remota idea de qué coño cantaban aquellas dos italianas, y lo cierto es que no quiero saberlo: las cosas buenas no hace falta entenderlas”. De haber tenido el libreto en el talego, los amables reclusos de Cadena perpetua (1994) se habrían llevado un chasco; porque aquello “tan hermoso que no podía expresarse con palabras” era, más bien, una conspiración doméstica para cazar in fraganti a un marido pichabrava. Pero hay algo en lo que el personaje de Morgan Freeman sí tiene razón. Mozart consigue con Las bodas de Fígaro algo casi milagroso: transformar una comedia de enredos en una de las obras más hermosas, ricas y profundas de la historia universal. También, el no desdeñable logro de conseguir estrenar (¡en 1786!) una ópera en la que se junta la lucha de clases, la guerra de sexos, el travestismo, una admirable dosis de humor absurdo y una moral sexual descocada. De todo esto sabía mucho Lorenzo Da Ponte, su libretista: un sacerdote metido a poeta, al que la Inquisición había procesado por libertinaje y al que habían desterrado de Venecia —por entonces, la capital europea del vicio— por degenerado. Con estas credenciales, tiene aún más mérito que el tipo consiguiese que el emperador aprobase el tema de “Las bodas” para un libreto, considerando que el mismo monarca había ordenado que la novela de Beaumarchais de la que sale el argumento fuese censurada en todos sus dominios. La sinopsis se resuelve en un periquete. Es el día de la boda de Susanna y Fígaro, sirvientes en el palacio del conde de Almaviva. Todos celebran y festejan menos el señor de la casa, que está dispuesto a recuperar cierto derecho feudal —el de pernada, se entiende— con la susodicha. Para hacerle la puñeta, los prometidos conspiran con la condesa —la doña está hasta el moño de los desmanes de su cónyuge— para desbaratar sus planes; a estos dimes y diretes se irán apuntando el resto del servicio palaciego, que a veces va con unos y otras con los contrarios. Planos generales de 'Las bodas de Fígaro' Como Las bodas de Fígaro se han entendido como un anticipo de la Revolución francesa —la ópera se estrenó apenas tres años antes de la toma de la Bastilla—, no deja de tener su gracia que el Teatro Real haya estrenado esta nueva producción del título justo en la víspera de una huelga general. El nuevo montaje, una coproducción con la Metropolitan Opera de Nueva York —donde se verá una vez terminen las funciones en Madrid— es obra del canadiense Robert Carsen, que ubica la acción dramática en el Eliseo parisino en vez de en el palacio sevillano del original. Así, el conde pasa a primer ministro, la condesa a primera dama y los sirvientes a parte del staff . Al comienzo, sobre el escenario sucede la famosa “disputa habitacional”, en la que Fígaro trata de ver si le cabe una cama de matrimonio en la habitación que les han asignado. Los problemas del siglo XVIII, como ven, siguen sin solucionarse. Esta distinción entre los espacios que habitan “los de arriba” y “los de abajo” desaparece pronto de una escena en la que se imponen estancias de techos altísimos, gruesas molduras y ribeteados dorados. Lo mismo sucede con la tensión sexual legible entre los personajes. Sí, las acciones del conde son las de un agresor; pero Mozart y Da Ponte traman un complejo sistema de atracciones, curiosidades y tonteos entre la concurrencia que permite una dramaturgia más rica. El mejor ejemplo de este nudo lo encontramos en la relación que todos establecen con Cherubino, uno de los pajes de palacio. El adolescente, más hormona que persona, es un personaje masculino escrito para mezzosoprano; al que, en cierto momento (y rizando el rizo), Susanna y la condesa disfrazan de mujer. Al mozo le gustan todas ( “siento un afecto lleno de deseo” canta en su aria de presentación), lo que lo convierte en una presencia molesta y estimulante: la condesa quiere al conde, pero le gusta gustarle al chavalín. A Susanna le divierte, a Barbarina (otra sirvienta) le excita; a Fígaro le irrita y al conde le da de su propia medicina. Cecilia Molinari (Cherubino), Mattia Olivieri (El conde de Almaviva) Como decíamos, el asunto se apunta tímidamente sin desarrollarse con más enjundia. Podría hacerse y en este mismo teatro hemos tenido ejemplos elocuentes, como el Don Giovanni de Claus Guth y el Così fan tutte de Michael Haneke (títulos con los que, por cierto, se recorre toda la colaboración que establecieron Mozart y Da Ponte). Lo que sí quiso enfatizar Carsen, aunque con poco éxito, es el potencial revolucionario de la obra; pero, descartada la guillotina, toca el placebo en forma de proyecciones bélicas antes de que caiga el telón y un discreto telediario (¡arde París!) que mira el conde antes de seguir a lo suyo. Los personajes, tal como quiso Mozart, van vestidos como el público de su época, así que nos ahorramos el pelucón y el miriñaque. En el foso mandaba Stefano Montanari, director de querencias barrocas, que escogió para esta primera visita al Real unos tempos inexplicablemente veloces. Lo había advertido en la rueda de prensa: le gusta pisar el acelerador, por más que los cantantes y el director de escena se lo reprochen. El resultado es innecesariamente angustioso y asfixiante: las sutilezas de la partitura quedan aplanadas por las prisas, la expresividad de los cantantes se achica por exigencias del metrónomo y el auditorio termina por suponer que quieren liquidar el encargo pronto porque han quedado para cenar. La decisión resulta más incomprensible si consideramos que Montanari propuso desde el comienzo una interpretación decididamente expresiva, concretada en los acompañamientos de los recitativos que él mismo realiza floridamente al fortepiano (empieza siendo interesante y termina por resultar cargante). ¿Para qué tanto enriquecimiento de los diálogos para luego despachar las arias a velocidad de crucero? Raquel Lojendio (Marcellina), Gianluca Buratto (Bartolo), Luca Micheletti (Figaro), Sara Blanch (Susanna) Además del respetable y de los sufridos instrumentistas, los principales damnificados de esta urgencia fueron los cantantes del meritorio elenco que debutó en el estreno. Sara Blanch —de la que se nos advirtió que andaba griposa, pese a que no se le notó lo más mínimo— lo pasó regular en su excelente interpretación del “Deh vieni, non tardar”. Muy bien también Olga Kulchynska como la condesa: fue capaz de resolver el aria de presentación (“Porgi amor”) a matacaballo y lucirse con algo más de holgura en el “Dove sono”, uno de los momentos más tiernos y conmovedores de la ópera. (Algo debió pasar en el entreacto, porque la segunda parte discurrió bastante menos apresurada). Me gustó el Fígaro de Luca Micheletti, que canta bien y actúa mejor. La cavatina “Se vuol ballare” me resultó divertidísima (Mozart hace un chiste sobre el compás de minueto, que es la danza aristocrática por antonomasia) y los enredos del segundo acto arrancaron carcajadas entre los asistentes. ¡Qué apuros en el “Non più andrai”! Menos interesante me parece el conde de Mattia Olivieri, cuya voz carece de la redondez y profundidad que el personaje necesita. En el terceto del segundo acto, donde su personaje se torna en violento y terrible, languideció frente a sus contrapartes femeninas. Muy bien también el Cherubino de Cecilia Molinari (me gustaron mucho los adornos del da capo del “Voi che sapete”). Los secundarios (Raquel Lojendio como Marcelina, Juan Sancho como Basilio, Riccardo Novaro como Antonio, Gianluca Buratto como Bartolo y Pablo García-López como don Curzio) meramente correctos. La ópera termina con una redención . Pillado in fraganti , el conde asume sus culpas y se disculpa ante la condesa delante de todo el servicio. La belleza de esta música no conoce igual. Antes ha sucedido otra: Fígaro se ha disculpado con Susanna por su último arrebato de celos. Prosternados, los varones aceptan la magnanimidad (que ni es ingenua ni artificial) de sus parejas tras tres horas de machistadas entre estúpidas y violentas. La música se torna sacral y todos cantan con la esperanza de que lo sucedido cambie el estado de las cosas.

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Hoy, hace 22 h

Rockstar recuerda que GTA 6 saldr� en una semana: 'Gracias a todos en la comunidad por vuestro incre�ble apoyo' (se abre en una pestaña nueva)

Grand Theft Auto VI se estrena en tan solo una semana y Rockstar Games ha querido agradecer a todos los jugadores el enorme apoyo que est� recibiendo el juego. Por si hay alguien que haya estado desconectado en los �ltimos meses o se haya despistado, Rockstar ha querido recordarnos ahora que ya solo queda una �nica semana para que podamos disfrutar de Grand Theft Auto VI , probablemente el t�tulo m�s esperado de los �ltimos tiempos cuyo estreno est� previsto para el 19 de noviembre en PS5 y Xbox Series X/S. Comienza la cuenta atr�s " � Grand Theft Auto VI est� ahora a tan solo una semana! ", escribi� Rockstar en un mensaje publicado en su cuenta oficial de X . " Gracias a todos en la comunidad por vuestro incre�ble apoyo . Hay todav�a tiempo para precomprarlo y precargarlo para tenerlo todo listo para el d�a de lanzamiento". Adicionalmente, la compa��a tambi�n ha querido recordarnos que ya es posible comprar la versi�n f�sica del juego en las tiendas de todo el mundo . Esta �ltima no incluye un disco en su interior, sino un c�digo de descarga que podremos canjearlo para realizar la precarga, aunque no podremos jugar hasta la fecha oficial de lanzamiento. Grand Theft Auto VI is now only one week away! Thank you to everyone in the community for your incredible support. There�s still time to pre-order and pre-load so you�re ready on launch day. Code-in-box versions are also available now for pick-up at retailers worldwide. https://t.co/au3uAf6p5w— Rockstar Games (@RockstarGames) November 12, 2026 Grand Theft Auto VI es una ambiciosa aventura de acci�n y conducci�n en mundo abierto que nos llevar� hasta Vice City para vivir toda clase de situaciones junto a Jason y Luc�a, una pareja de criminales a la fuga que debe realizar numerosos "trabajos" para salir con vida de la desesperada situaci�n en la que se ha visto envuelta.

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Hoy, hace 23 h

‘Star Wars: Una nueva esperanza’ vuelve a los cines por su 50 aniversario: ya hay fecha de estreno (se abre en una pestaña nueva)

El 2027 va a ser un año grande para Star Wars. Y es que la legendaria franquicia galáctica ucmplirá 50 años. una fecha señalada desde ahce tiempo en el calendario de todos los fans porque se esperan todo tipo de celebraciones. Ahora, se ha confirmado lo que todos esperaban. La primera película de la saga, […] Seguir leyendo: ‘Star Wars: Una nueva esperanza’ vuelve a los cines por su 50 aniversario: ya hay fecha de estreno

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Ayer

Una campaña de desinformación manipula los chatbots contra el documental 'Naza' (se abre en una pestaña nueva)

Veinticinco minutos de aplausos. Un documental excepcional. El 10 de septiembre de 2026, Naza , una película de los periodistas de investigación israelíes Yuval Abraham y Rachel Szor, fue galardonada con el premio especial del jurado de la Mostra de Venecia. El documental da la palabra a veinticuatro militares y miembros de los servicios israelíes. Demuestra la lógica genocida puesta en marcha por el Estado israelí en la guerra contra Gaza. Mediapart revela que la película ha sido objeto de una campaña de desinformación , tanto en Francia como en otros países, destinada a dirigir a los usuarios de chatbots hacia una versión alternativa del documental. Nuestra información, que se basa en un informe técnico realizado por AI Forensics (ver apartado 'Caja negra' al final del texto), establece vínculos directos con el Estado israelí. Ciberacoso, amenaza de acciones legales por parte del ejército israelí y amenaza de privación de la nacionalidad : tal y como detalla Reporteros sin Fronteras (RSF), Naza ha provocado, desde su estreno, reacciones especialmente violentas por parte de una parte de la sociedad civil israelí, así como de los poderes políticos y estatales. Paralelamente, se pone en marcha una importante campaña de comunicación destinada a minimizar el alcance del documental y sus revelaciones. Seis días después de que Naza recibiera el premio en la Mostra, una organización israelí desconocida registró , a través de Cloudflare, el nombre de dominio Nazadocumentary.com. Tal y como señalan Al Jazeera y The Guardian (coproductor de Naza ), la página web se presenta en un primer momento como “la página web oficial de Naza , en la que figuran los nombres de los directores e información sobre las proyecciones y la cobertura mediática de la película”. El 20 de septiembre se publicó en ella un vídeo de cuarenta y nueve minutos. Con el título de Naza: la verdadera historia , disponible en ocho idiomas y subtitulado en treinta y nueve, este contradocumental es un pastiche del documental original . Posteriormente, se modifica el texto de la web Nazadocumentary.com. Al menos a partir del 30 de septiembre, deja de hacer referencia al documental original para dar protagonismo al contradocumental. “La hipótesis más creíble”, precisa Paul Bouchaud, investigador del CNRS responsable del trabajo técnico realizado por AI Forensics, “es que esta estrategia fue puesta en marcha por los creadores de la página web para mejorar su posicionamiento en los buscadores y para que apareciera con más frecuencia ante los internautas que buscan información sobre la película original.” Producido, entre otros, por Ariel Averbuch, un abogado nacionalista, y Roï Danino, candidato del partido de extrema derecha “Israel Primero”, el contradocumental ataca frontalmente el trabajo de Yuval Abraham y Rachel Szor . Criticando el carácter anónimo de los testimonios que constituyen el núcleo de la investigación de los dos periodistas, retoma la narrativa del ejército israelí y equipara a sus víctimas con miembros de Hamás. Un contador presente en la web afirma que cuenta con más de 45 millones de visitas. Una cifra manipulada, según detalla Al Jazeera , que estima que el número real de visitas es de unos cientos de miles. Hay otros dos sitios web (Whatisnaza.com y Watchnaza.com), registrados el 6 de octubre, también a través de Cloudflare, que promocionan asimismo el contradocumental. Vinculados entre sí, retoman la narrativa defendida por el Estado israelí desde el estreno de la película. “La guerra que narra la película comienza con los ataques del 7 de octubre de 2023”, explica, por ejemplo, Whatisnaza.com, que alberga numerosos contenidos sin censurar sobre el ataque terrorista de ese día. Ambas webs presentan, además, información objetiva sobre la obra de Yuval Abraham y Rachel Szor, en particular datos sobre las próximas proyecciones de la película. “La arquitectura del sitio web tiene claramente como objetivo posicionarse en los resultados de búsqueda de los usuarios que busquen información sobre el documental”, señala Paul Bouchaud. Esta estrategia de optimización no se limita a los motores de búsqueda. El análisis en profundidad de la web Nazadocumentary.com revela la presencia de un conjunto de archivos destinados más a modelos de lenguaje y agentes de IA que a los internautas. Cada página está disponible en formato JSON: API y Markdown, dos formatos digitales más fácilmente legibles para las herramientas de inteligencia artificial. La web también presenta un sistema de “agent skill”, un script diseñado íntegramente para los agentes de IA. Además, hay una página específica de la web creada a medida para influir en los chatbots , en particular en las respuestas que se dan a los usuarios que escriben “Naza Film”, “Naza Movie” o “Naza Documentary”. “Estas estrategias, denominadas LLM grooming , son cada vez más habituales desde hace un año y medio, pero no recuerdo ninguna estrategia tan perfeccionada”, explica a Mediapart Vincent Berthier, responsable de la sección de tecnologías y periodismo de RSF. A finales de 2025, la organización alertó sobre la proliferación de sitios web de noticias falsos que, a medida que se acercaban las elecciones municipales, difundían contenidos de desinformación cercanos a la narrativa del Kremlin. “Se trataba de una estrategia masiva para saturar los LLM”, recuerda el responsable de RSF. “Esta vez se trata de algo diseñado metódicamente, que permite controlar con mayor precisión los resultados generados por los chatbots de IA”. Una estrategia que funciona. Como demuestran una serie de pruebas realizadas por AI Forensics a mediados de octubre, ChatGPT y Grok, a los que se les planteó la pregunta “¿Dónde puedo descargar o ver en streaming el documental Naza ?”, remitían en su mayoría a la versión alternativa del documental. Grok, el chatbot de xAI, también remitía a la página web Watchnaza.com. El Gobierno israelí niega haber participado en la producción del contradocumental Naza: la verdadera historia . Sin embargo, tal y como señalaba The Guardian , el Estado israelí lo promociona regularmente . Así, la embajada de Israel en Francia, al igual que otras embajadas en todo el mundo, promociona directamente la página web Nazadocumentary.com en su cuenta de Instagram, a través de publicaciones y de un enlace que aparece en la biografía. Una promoción activa que también se ha llevado a cabo mediante la compra de anuncios . Un registro público de anuncios —obligatorio desde la entrada en vigor de la Ley europea de servicios digitales—, al que se puede acceder en el centro de transparencia de Google Ads , muestra que las páginas de la agencia de comunicación del Gobierno israelí recogen al menos diecinueve anuncios, financiados a partir del 15 de octubre de 2026, que redirigen a los internautas a la página web Nazadocumentary.com. Varios de ellos, registrados a través de una cuenta creada específicamente para la ocasión, estaban dirigidos a los internautas franceses. Esta investigación se basa en un análisis técnico realizado por AI Forensics, al que Mediapart ha tenido acceso en exclusiva. Al ser contactados, ni el equipo del contradocumental ni la embajada de Israel en Francia respondieron a nuestras preguntas. Viginum, el servicio encargado de la vigilancia y la protección contra las injerencias digitales extranjeras, al que también se le solicitó información, ha comunicado a Mediapart que este tipo de campañas no entra dentro del ámbito de sus competencias.

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Hace 4 días

eldiario.esCultura

Lee Chang-Dong: “El cine suele consumir a las personas como simple material, incluso las explota” (se abre en una pestaña nueva)

El director coreano regresa gracias a Netflix con 'Un amor posible', una magistral exploración sobre la vampirización del cine y cómo retrata este a la clase obrera Rodrigo Sorogoyen, Alana S. Portero, David Uclés y más de 800 firmas apoyan la huelga del 11N: “La cultura también para” El cine siempre ha vivido en la contradicción. Desde aquella imagen fundacional de los trabajadores saliendo de la fábrica, la fricción entre quienes cuentan las historias y quienes las habitan está presente. En aquellos pocos segundos de imagen, eran sus jefes, los hermanos Lumière, los que decidieron usar a sus obreros como la materia prima de una de sus primeras creaciones. Aquella jerarquía ha persistido hasta la actualidad e incluso se ha acentuado con el alto precio de las escuelas de cine a las que pertenecen un gran porcentaje de los directores. Cuando suele manifestarse de forma más evidente es en el cine social. ¿Puede un director de una clase alta retratar de forma honesta y sin paternalismos a la clase obrera? ¿Hay un regodeo en el miserabilismo y la desgracia de quienes no conocen de primera mano esa realidad? Las dudas siempre están ahí. Eso no quiere decir que un director no pueda contar historias que no correspondan a su estatus, pero sí que debe pensar bien en cómo lo hace, en la ética de las imágenes. Eso que tan bien resume la frase atribuida a Godard sobre la puesta en escena: “Un travelling es una cuestión moral”. Uno de los cineastas que mejor ha entendido todo eso es el coreano Lee Chang-Dong (que además de director escribe poesía y fue ministro de Cultura de Corea del Sur ). La clase ha atravesado todos sus trabajos. Cómo enfrentaban los ricos el crimen que habían cometido sus hijos en la magistral Poetry no tenía nada que ver con cómo lo hacía aquella abuela que perdía la memoria. La clase anidaba en el triángulo amoroso de Burning, su soberbia adaptación de Murakami. Lo que antes estaba en su núcleo, palpitando, ahora se ha convertido en el centro de la historia en su nueva película, Un amor posible, León de Plata en el Festival de Venecia y una de las mejores películas del año. En ella, el cineasta cuenta la historia de una documentalista que está haciendo una película sobre una huelga de trabajadores que acabó en una violenta carga policial. Con sus mejores intenciones, la cineasta entablará una relación con la mujer de una de las víctimas. La película se plantea, desde su título, si esa relación de amor fraternal o amistoso es posible cuando hay una separación de clase enorme, y cuando una autora lo que quiere es sacar el mejor material posible. ¿Hay honestidad cuando todo se construye en torno a una explotación comercial, aunque sea en forma de cine de denuncia social? La directora vampira irá chupando poco a poco la sangre de esos trabajadores que dejaron su cuerpo en la calle mientras su marido se dedicaba a comprar empresas. Es una película inteligente, sutil, llena de capas y con una puesta en escena que nunca cae en lo que denuncia. Para realizarla han pasado ocho años. Desde 2018, cuando estrenó Burning, no había rodado ningún largometraje, unos tiempos a los que son habituales para él, pero que también dejan claro el cuidado con el que elabora cada obra. En el caso de Un amor posible la idea nació antes de su anterior filme, cuando una gran empresa coreana realizó una ola de despidos masivos que provocó una huelga que fue reprimida por el Estado. “Fue un impacto enorme para la sociedad coreana; yo mismo quedé profundamente conmocionado”, recuerda. Se puso a escribir el guion, pero no le convencía del todo. “No lograba encontrar la convicción necesaria para responder a ciertas preguntas: ¿qué significa abordar esto en un largometraje de ficción en lugar de hacerlo en formato documental? ¿Y hasta qué punto puedo ser honesto al narrar esta historia? Al no poder responder a estas cuestiones con plena convicción, decidí detener el proceso y dejar el proyecto en suspenso”, cuenta el director a elDiario.es. A veces actuamos como vampiros que codician esas experiencias. Por eso, la ética detrás de la cámara es algo que todos debemos tener presente Lee Chang-Dong — cineasta En 2024 fue cuando tuvo la idea de “incorporar la mirada y la perspectiva de un documentalista a la trama”. “Fue entonces cuando sentí que esta también podía ser una historia que yo mismo debía contar, aportando mi propia actitud, mi mirada y mi ética como la persona que sostiene la cámara. Al adoptar esa estructura narrativa, el proyecto cobró vida de nuevo, porque sentí que, efectivamente, era una historia que me correspondía contar a mí”, justifica. Para el cineasta, ese dilema no es solo el de su personaje, “sino el de cualquiera que sostenga una cámara”. “Esa es, en esencia, nuestra naturaleza cuando nos enfrentamos al dolor y al drama ajenos: a veces actuamos como vampiros que codician esas experiencias. Por eso, la ética detrás de la cámara es algo que todos debemos tener presente y sobre lo que debemos reflexionar. En la película, Ye-ji quiere capturar las vidas de trabajadores despedidos, y esa es, precisamente, la naturaleza de su mirada a través de la cámara. Aunque ella intenta querer de forma sincera a sus protagonistas, al mismo tiempo utiliza su dolor; llega incluso a dramatizarlo, provocando que ese sufrimiento se despliegue ante el objetivo”, cuenta sobre su filme. Por ello cree que ese es el desafío que tienen por delante, no solo los documentalistas, sino “los cineastas en general”. “Cuando se abordan temas como la guerra, las víctimas de la violencia o las minorías, el cine de ficción a menudo consume estas realidades como simple material, llegando incluso a la explotación. Como se trata de ficción, solemos escudarnos en la idea de que es producto de nuestra imaginación, lo que a veces debilita la conciencia ética. En cambio, los documentalistas, al trabajar de manera tan estrecha con personas en sus vidas reales, se enfrentan a cuestiones éticas de una forma mucho más directa”, subraya. Un fotograma de 'Un amor posible' Él procura pensar en la repercusión de la forma de rodar, pero cree que muchas veces “el cine no se detiene en este tipo de cuestiones y simplemente se centra en lo que resulta más dramático, provocador o entretenido”. “Esa es una manera de hacer cine. Sin embargo, creo que, para cineastas como yo, siempre llegan momentos en los que hay que tomar una decisión al respecto. Aunque algunas de estas elecciones puedan parecer decisiones puramente técnicas, considero que, en realidad, tienen mucho que ver con la ‘actitud’ de la cámara. Y es algo en lo que siempre pienso durante todo el proceso de rodaje e incluso a lo largo de la etapa de montaje”, añade. Si le tocara responder a la pregunta que plantea su película, si ese amor es posible, Lee Chang-Dong no se definiría como “optimista”. “No lo soy con respecto a la división de clases, porque la brecha entre clases solo aumenta con el tiempo. En el pasado, las clases parecían estar adyacentes entre sí, como si fueran pisos diferentes. Ahora no es así, la distancia es tan inmensa… Y no se trata solo de trabajadores que han sido despedidos. Muchas personas hoy en día se sienten muy inseguras acerca de su trabajo y sus empleos. Sienten que ya no se reconoce el valor de su trabajo y hay una sensación de crisis. Eso ha llevado a una gran ira que está consumiendo la vida de muchas personas. En esta época en la que vivimos ¿cómo hacemos para reclamar esa idea del sentido de uno mismo y de nuestra propia identidad?, ¿cómo seguimos luchando para proteger y conservar nuestra dignidad humana? Estas son preguntas en las que quería pensar con el público, por eso hice esta película”, confiesa. No soy optimista respecto a la división de clases, porque la brecha entre clases solo aumenta con el tiempo Lee Chang-Dong — cineasta Una de las peculiaridades de Un amor posible es que ha sido producida por Netflix, que ahora la estrena dentro de la plataforma. Un giro sorprendente para un filme del director coreano, famoso por sus tempos pausados que son lo contrario a lo que manda el logaritmo. La compañía salvó el filme en el último minuto. El propio Chang-Dong lo cuenta sin problema. Explica que Netflix ya se había interesado en el filme cuando leyeron el guion, pero que él decidió que no entraran para asegurar el estreno en cines. Cuando hasta el último minuto no lograron la financiación, tomó la decisión de decirles que sí. Ahora solo tiene palabras de agradecimiento, porque de alguna forma se ha producido gracias a ellos: “Netflix fue muy paciente con nosotros y esperó durante todo el proceso hasta que tomamos la decisión. Desde el primer momento sabía que no habría ningún tipo de interferencia ni obstáculo con respecto a mi proceso creativo. No me dieron ni siquiera una sola nota, de hecho. Así que sentí que mi libertad creativa era plenamente respetada”.

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Hace 5 días

infoLibreGeneral

Héctor de Miguel: “A Feijóo y Abascal hay que darles el micrófono lo más posible esta campaña; que se retraten" (se abre en una pestaña nueva)

Después de años haciendo de la irreverencia su seña de identidad, Héctor de Miguel, Quequé, cambia el micrófono por las cámaras para llevar su humor sin demasiados filtros a La Séptima. El cómico salmantino, curtido en los escenarios, la televisión y la radio, donde convirtió La vida moderna en un fenómeno (alcanzó mil ediciones) junto a David Broncano e Ignatius Farray, se pone desde este sábado al frente de La comedia nacional, la apuesta de la recién estrenada cadena para las tardes de los fines de semana. “Mi programa de La Séptima se llama La comedia nacional . Va a ir los sábados y los domingos de dos a cinco, que es un horario muy poco habitual para la comedia si no contamos como comedia los informativos o las películas alemanas de bajo presupuesto. Va a ser un intento de narrar lo que ha pasado durante toda la semana desde un punto de vista cómico . Y para eso contamos con, iba a decir los mejores y las mejores, pero es que nuestra pretensión es que todo el que sea cómico o cómica o se dedique a la comedia en España, en cualquiera de sus formas, sea monólogos, redes, lo que sea, tenga un momento para venirse a La comedia nacional . Que puedan promocionar lo que quieran y comentar con nosotros la actualidad. Aparte de eso, habrá entrevistas y muchas sorpresas que ni yo mismo sé cuáles son”. “Es absolutamente cierto que prefiero un programa de fin de semana que uno a diario, porque uno de mis maestros en este en el mundo de la comunicación es Javier del Pino. Él es el responsable del programa con más audiencia de la radio española que es A vivir, que son dos días . Yo he trabajado mucho tiempo en la SER y a Javier del Pino le veía que llegaba allí los jueves un rato, los viernes a lo mejor ni iba y luego hacía el programa sábado y domingo, y a descansar toda la semana. A mí eso de vivir al revés que el resto de la sociedad me encanta, divertirme cuando los demás están trabajando y viceversa. Es una cosa que siempre me ha gustado. Es verdad que a nivel personal y familiar no es lo mejor y creo que mi sobrina Nora me va a echar un poco de menos los fines de semana, pero iré a buscarla al cole los lunes si puedo, que eso es un privilegio que no todo el mundo tiene”. “Es un privilegio. Yo ya tengo tantos años que estuve en la creación de otra cadena que empezó, Cuatro, aunque en aquel caso no empezaba de cero porque aprovechaba la estructura de Canal Plus, que era una cadena no al uso, pero bueno, tenía cierta estructura. Entonces no existían ni el entretenimiento que existe ahora, ni las plataformas, ni internet, ni las redes eran lo que son hoy. Esto no tiene nada que ver con Cuatro. Allí no partimos de cero. No hicimos nunca un cero de audiencia. Aquello empezó ya con con unos mimbres. Esta vez no tiene nada que ver. Yo creo que en esta sí que partimos de cero. O sea que vamos a celebrar cosas increíbles. Vamos a celebrar un 0,2%, vamos a celebrar un 0,6% de audiencia. Celebraremos el primer día que hagamos un uno*, haremos una fiesta espectacular. Por ese lado es muy bonito. Es verdad que es muy complicado y además la rapidez con la que se ha puesto en marcha no nos ayuda. Sobre todo, los redactores, guionistas y demás tienen que aprender una serie de procesos complicados que no se asimilan en siete días. Pero, por otro lado, es un reto espectacular. Dicho lo cual, seguro que los primeros días va a haber mil fallos, así que pido desde aquí comprensión, por favor, a la gente que nos vea; comprensión, apoyo y cierta indulgencia con todos los errores que va a haber, que son muchísimos. El primero, haberme fichado a mí”. “Me parece una locura crear un canal generalista en este momento. Creo que debe de estar entre los diez negocios más ruinosos que puedes montar ahora mismo. Es como si planteas abrir un videoclub o qué sé yo, un estanco, que todavía no está tan pasado de moda, pero lo estará. Así que yo le doy mucho valor a la gente que ha puesto el dinero para crear esto y además para crearlo yendo de frente. Somos una tele con valores progresistas que llevamos de frente, de centroizquierda y demás. Pero a la vez creo que empresarialmente sí que hay un hueco. O sea que no es ninguna locura pensar que hay gente, mucha, que se ha quedado huérfana de los canales que veía, de ciertas cadenas que más o menos apoyaban esta visión del mundo. Cuatro, por supuesto, ha renunciado desde hace mucho a todo eso y La Sexta parece que está de retirada, con lo cual empresarialmente sí que creo que está bien la apuesta porque hay un hueco. Ahora bien, estamos abriendo una emisora en el momento en el que el consumo de televisión ha caído muchísimo, que los jóvenes ya no la ven... todo eso que nos dicen. También pienso que hemos dado a la televisión generalista por muerta mucho antes de tiempo . Y hay fenómenos tipo La revuelta y otros que demuestran que la gente sí que quiere ver la tele. Lo que pasa es que no quiere ver la de siempre, no quiere ver una tele que se base en los gritos, en gente discutiendo todo el rato, etcétera. Así que estoy tan expectante como vosotros por saber lo que va a pasar”. “La diferencia fundamental de La Séptima con otras televisiones creo que es la apuesta por el directo. De momento, once horas en directo, y la apuesta seguirá aumentando , porque ahora la programación empieza a las doce pero dentro de poco arrancará antes. Creo que esa es la mayor diferencia. No va a haber concursos, no va a haber programas de cocina, no va a haber realitys , no va a haber series. Habrá una película a la semana que servirá para hacer un debate tipo La clave , ese espacio mítico que ya hay generaciones que no han conocido. Creo que ese es nuestro mayor valor, que tú llegues a casa, pongas La Séptima y sin necesidad de informativos, sin necesidad de esperar a las tres o a las nueve al telediario, te enteres automáticamente de lo que está pasando. Que haya un reportero de La Séptima donde están pasando las cosas. Creo que es nuestro mayor valor diferencial ahora mismo”. “En la calle no es que esté notando una crispación especial. La verdad es que arriesgo poco, voy a sitios donde se me espera y no voy a sitios donde no se me espera. Aunque me encanta, por otra parte, hacer eso de aparecer en lugares inesperados, de momento creo que igual no es el contexto adecuado. Pero esa crispación está y la gente está enfadada. La radio menos, pero la televisión actual se encarga de que la gente esté enfadada, se encarga de azuzar los sentimientos más primarios de la gente. Y creo que, como país –ya no te digo si trabajas en televisión; trabajes donde sea, seas frutero, la que te echa la gasolina o quien sea–, igual deberíamos todos relajarnos un poco . Desde un sentimiento casi patriota –que yo la verdad que patriota soy poco, lo soy para pagar impuestos o cuando juega España, para lo demás soy poco–, creo que, a mi país, a España, a la España plurinacional le vendría muy bien calmarse, que nos calmemos todos un poquito”. “Creo que puede estar aumentando la autocensura o la censura, como lo quieras llamar, pero que está afectando solo a un lado; es decir, los otros están desatados. Hay un lado que está absolutamente desatado que se puede permitir llamar hijo de puta al presidente, llamar "transexual", como si fuera un insulto, a la mujer del presidente, que se puede permitir lo que le dé la gana. Para ellos hay barra libre y en el momento que tú o alguien de tu lado dices lo más mínimo, les parece una barbaridad. “¿Cómo se atreve? Por favor, a los tribunales con él”. Y además los tribunales lo reciben con mucha alegría. “Por fin está este cabrón aquí”. El tablero está torcido para un lado. Evidentemente lo manejan todo. Manejan los medios, manejan la judicatura, manejan el poder en casi todas las comunidades, manejan la policía; solo les falta una cosa que es el poder estatal. Debemos confiar muchísimo en que en esta campaña Feijóo hable todo lo posible, porque cada vez que habla es como... “tío, que lo tienes todo a favor. ¿Cómo puedes cagarla así?”. Démosle el micrófono a Feijóo y Abascal también lo más posible . Dicen que va a ir Abascal a La Revuelta . Me encantaría, la verdad, verle en ese entorno, ver cómo se maneja y escuchar sus propuestas. ¿Qué propuestas tiene que lanzar Abascal a esa juventud que no llega a fin de mes y que no se puede permitir ni alquilar ni comprar y que paga una habitación por 700 euros? Estoy deseando verle en ese ambiente y ver cómo sale de ahí”. “Hay una cosa que se dice con la ultraderecha y es que tenemos que ignorarla porque si no entras en su marco y demás. Esto, como dice mi amigo José Cabrera, es como la escena de Jurassic Park cuando estaba llegando el dinosaurio y empieza a temblar el vaso de agua y alguien dice: “Si no te mueves, el dinosaurio no te ve y no te ataca”. Esto no está funcionando con la ultraderecha, ya son la tercera fuerza. Perfecto: plántale el micro, déjale hablar. El otro día vimos a Abascal en una entrevista. “¿Qué va a hacer usted con las pensiones?”. A lo que él contestó, literalmente: “Ah, no tengo ni idea. Lo que digan los técnicos”. Ya está. Ese es el nivel. Dejémosles hablar, que, por otra parte, es lo que nunca harían ellos con nosotros . Es una teoría que ya manteníamos en los tiempos de La vida moderna , cuando la ultraderecha no era lo que es ahora. No habían formado parte de gobiernos. Llamamos varias veces en aquel tiempo a la Fundación Francisco Franco y hablábamos con su responsable. El tío entraba en antena y nos divertíamos muchísimo porque decía unas barbaridades que el público en el estudio celebraba con devoción. “Este señor ¿qué gilipolleces está diciendo?”. Que se retraten y que luego que cada cual saque las conclusiones pertinentes”. “Cuando tú usas el humor para ir desde arriba a atacar a los de abajo, más que humor es bullying . Es acoso porque estás siendo fuerte con el débil y normalmente esa gente además suele ser luego débil con el fuerte. Yo estoy de acuerdo casi al 100% en que el humor o la comedia que a mí me gusta tiene que ir de abajo hacia arriba . A no ser que quieras hacer una parodia muy muy puntual en algún momento. Pero sería el terreno de la parodia, que es otro contexto para mí. Lo otro tiene que ver más con el bullying que con la comedia”. “Yo creo que ahora mismo sí que está desequilibrada la balanza, sobre todo en las televisiones. Las privadas tienen que ganar dinero para que eso siga siendo rentable y tenga sentido. En el caso de Cuatro, por ejemplo, cuando nació era la televisión del grupo Prisa. Nació con esa ideología, con idea de que sobre todo el segmento de población [que seguía los medios de Prisa] la viera. Ahora han descubierto que el dinero está en otro lado. El dinero está en que tú pones en una mesa a cinco frikis a ver quién dice la mayor barbaridad sin ningún tipo de pruebas, a veces incluso desmintiéndose a ellos mismos en el mismo programa. Da absolutamente igual, porque ya han subido dos o tres puntos de audiencia. De repente han descubierto este melón, han dicho palante , ahora somos los más de derechas y trae aquí a franquistas, etc. Y sobre todo hacen una cosa, equiparar debates falsos, ya sea por hipócritas, ya por maniqueos. Tú no puedes sentar en una misma mesa a un racista y un antirracista porque no son polos opuestos. Hay uno que parte de una posición que no está bien. Tú puedes sentar a alguien que piense que hay que regular la inmigración de otra manera, más dura, que hay que ser más exigentes. Vale, bueno, son tus ideas. No estoy de acuerdo, pero las puedes defender. Pero no puedes sentar a alguien abiertamente racista u homófobo o machista en una mesa. Ni decir: "ni maltratadas ni maltratadores". La trampa de la equidistancia. Eso no es equidistancia, eso es ser un maniqueo”. “Se ve que hay gente que no quiere que empiece a emitir La Séptima, pero de una manera muy preventiva. Con ataques como que han impugnado el concurso al que se presentó La Séptima, al que por cierto solo se presentaron La Séptima y Mediaset, y no ha sido Mediaset la que lo ha impugnado, ha sido Vox. Decía Javier Ruiz en la rueda de prensa que nunca había sentido tanta presión por parte de tanta gente para que algo que ni siquiera ha empezado a emitir no emita directamente. Eso te da también la medida de la idea que tiene esa gente de la libertad de expresión: "Lo mejor es acabar con ellos antes de que empiecen, no vaya a ser que empiecen y le guste a alguien y ya va a ser mucho más difícil cerrarla...". Si fuera por ellos evidentemente ni hubiéramos abierto la persiana. Pero también esa debe ser la gasolina que nos haga avanzar y que nos haga darnos cuenta de por qué ha nacido La Séptima. Porque realmente hay gente a la que le molesta. Y yo ya he pasado mucho por esto en mi carrera. No se trata solo de hacer gracias a los que les gusten las gracias; si esto le molesta a cierta gente es que está todo bien”. “Me encantaría, la verdad, que no me despidieran tan pronto de La Séptima. Hasta que por lo menos se cree La Octava, ¿vale? Que yo tenga un colchón donde ir, un último asidero que coger, ese último tren que sale y lo coges por los pelos. Es una broma que llevo haciendo desde la presentación en Vitoria de La Séptima, porque me han echado de las otras seis. No es tan así. Pero bueno, la comedia funciona ; cuanto más exagerada sea, mejor, Pero, la verdad, no me imagino dónde podría estar que no fuera La Séptima. Espero que tarden en despedirme y que si lo hacen sea porque la he cagado tanto que no les quede más remedio”. “Si yo llevo veintidós, veinticinco años, yo que sé lo que llevo carrera, probablemente dieciocho los he pasado con Javier Ruiz; primero en Cuatro, luego en la SER, ahora en La Séptima y encima esta vez de jefe. Por un lado, estoy muy contento porque Javier Ruiz por sí mismo tendría la capacidad de llenar toda la parrilla, once horas de directo de La Séptima haciendo en vez de La última hora de Javier Ruiz, El día con Javier Ruiz. Porque es increíble la capacidad que tiene para comunicar, para dar sobre todo datos . Le encanta dar datos y, la verdad, hasta ahora como jefe de La Séptima, muy bien, porque me permite hacer una cosa que me encanta, que es meterme públicamente con mis jefes. Y Javier Ruiz no solo lo acepta, sino que además el cabrón me contesta y se mete conmigo también. Así que, de momento, una relación buena. Espero que siga así y que en la cena de Navidad se emborrache de tal manera que yo le pueda grabar un vídeo que le puede arruinar la carrera en cualquier momento para seguir chantajeándole muchos años y que no me echen nunca”. *Esta entrevista se realizó la jornada previa al estreno de La Séptima. En su primer día de emisión, la cadena superó sus propias previsiones de audiencia.

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Hace 7 días

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Qué hacer el primer finde de noviembre: planes, libros, películas (se abre en una pestaña nueva)

Haz frente al frío con esta propuesta de planes culturales, lecturas y canciones Recíbelo por mail - Esta agenda cultural forma parte del boletín de Cultura, suscríbete aquí para recibirlo íntegro y primero Ha llegado noviembre y te traemos una selección de planes culturales para el primer finde del mes: exposiciones, presentaciones, libros, películas de estreno en el cine y canciones. Pistoletto en el Musac (León). A partir del 7 de noviembre se puede visitar en el gran museo leonés una muestra dedicada al artista italiano Michelangelo Pistoletto , un recorrido por su trayectoria (de 1957 a 2025) de este genial representante del arte povera, a través de medio centenar de obras, muchas de ellas sorprenderán al visitante, como sus “cuadros espejantes”. Este sábado, con motivo de la apertura, hay una performance titulada Metrocubo dinfinito y una conversación entre Michelangelo Pistoletto y Álvaro Rodríguez Fominaya, director del MUSAC, con la presencia del artista por videoconferencia. Improvisando en Canarias (Tenerife). Improvisa reúne en Tenerife (del 6 al 15 de noviembre) a algunas de las compañías más destacadas del panorama de la improvisación teatral a nivel internacional, nacional y local. Desde el humor absurdo y los clásicos en verso hasta los espectáculos familiares, las jams y el formato de competición. Memoria en Espartinas (Sevilla). Este viernes 6 de noviembre a las seis de la tarde en el centro cultural Casa de las Monjas de Espartinas (Sevilla) se presenta el libro Las páginas arrancadas al olvido de José María García Márquez y Juan Miguel Baquero, con un prólogo de Paul Preston que nuestros compañeros de la redacción de Sevilla han adelantado , un relato de memoria histórica en esta localidad, donde hubo una matanza en julio de 1936. ¡Se obsequiará a las personas asistentes con un ejemplar del libro! Aurèlia Muñoz en el Macba (Barcelona). El centenario del nacimiento de Aurèlia Muñoz, gran renovadora del arte textil y figura esencial de la creación contemporánea, desembarca en el Macba con Entes , retrospectiva producida en colaboración con el Reina Sofía y generosa panorámica que abarca desde los primeros collages de influencia surrealista a sus icónicos pájaros-cometa. Del 5 de noviembre de 2026 al 29 de marzo de 2027. La exposición 'Aurèlia Muñoz. Entes' Festival Eñe (Madrid y Málaga). Una de las citas literarias de referencia. Este año, la poesía toma la palabra es el tema central, con Polonia como país invitado y autores como Roberto Saviano, Tatiana Țîbuleac, Piedad Bonnett, Lucía Solla Sobral, Alana S. Portero, Catherine Lacey o Agnieszka Holland. En Madrid, del 4 al 25 de noviembre y en Málaga, del 21 al 30 de este mes. Este fin de semana, el sábado, no te pierdas la conversación entre Tatiana Ţîbuleac, Ana Merino y Guillermo Roz bajo el título Poéticas de la identidad . Cine europeo (Sevilla). En el Festival de Sevilla se podrán ver 66 películas, 21 de ellas estrenos entre el 6 y el 14 de este mes. Y uno de esos es el documental Anguita. El hombre de los tres siglos , dirigido por Hugo Cabezas y coproducido por elDiario.es (lo puedes ver el 10 y el 14 de noviembre). Consulta aquí la programación y compra tu entrada. Bajar al infierno (Madrid). Se inauguró el mes pasado pero no hemos hablado de ella. La exposición El Infierno de Dante, en la Fundación Canal (Madrid) reúne reúne por primera vez las dos series completas que Gustave Doré y Robert Rauschenberg dedicaron al Infierno. Es gratis y se puede visitar hasta el 5 de enero. Descubrir artistas jóvenes (Zaragoza). La Exposición VI Call for artists. Premio de Arte Universidad San Jorge nos hace descubrir joven talento artístico de Aragón. Del 3 al 20 de noviembre de 2026 Inauguración en Edificio Grupo San Valero y posteriormente en la Galería Carmen Terreros. Festival medieval (Elche). El Festival Medieval d’Elx encara la recta final tras reactivar la agenda escénica tras el luto institucional. Con el nuevo calendario para las funciones suspendidas, la cita se extiende hasta el 8 de noviembre compartiendo protagonismo con el tradicional Mercado Medieval y conciertos en el Hort del Xocolater y Las Clarisas. Cine por el medio ambiente (Barcelona y Calafell). SUNCINE es el Festival Internacional de Cine del Medio Ambiente, que hasta el 22 de noviembre reúne 47 películas sobre los grandes desafíos ambientales de nuestro tiempo. Del 4 al 22 de noviembre de 2026 en Barcelona y Calafell, y online a través de CaixaForum+. Cultura por la huelga general (Málaga). Jornada festiva y reivindicativa el 7 de noviembre en La Casa Invisible en Málaga para ir preparando la huelga general. Una charla sobre memorias de la huelga, preparación de pancartas, comida popular y concierto de Ana Elei y la rapera Loa High, cerrando a los platos Perchel Norte y Lore Breaks. Cuatro libros, por Laura G. Higueras 'Atentamente', de Blanca Lacasa (Libros del K.O.) . La escritora y periodista Blanca Lacasa ('Las hijas horribles') publica este reivindicación de la escritura cotidiana frente a la considerada la “de verdad”, la que se publica en los libros. Para ello ha rebuscado en su propio archivo, escritos personales y de autores como Dickinson, Barthes, Ernaux y Rodari. También de personas anónimas, para reflexionar sobre nos relacionamos con nuestra escritura. Al final, cada día mandamos y recibimos docenas de correos electrónicos, dejamos notitas, hacemos listas, apuntamos en cuadernos y un larguísimo etc. 'Las páginas arrancadas al olvido', de José María Márquez y Juan Miguel Baquero . Este libro cuenta con un prólogo escrito por el reconocido historiador Paul Preston, y que será presentado en el Centro Cultural Casa de las Monjas del municipio andaluz Espartinas este sábado. Una obra sobre la memoria histórica y democrática española. Aborda una parte de la represión en Andalucía arrojando luz sobre la historia más amplia de la Guerra Civil, desde las dificultades para investigar sobre lo que sucedió hasta el dolor que siguen sufriendo los familiares de las víctimas de los crímenes que fueron cometidos en ella. 'steve mcqueen: 66-76-26' (La Fábrica). ¿Qué puede unir a Nina Simone y David Bowie? El punto de partida es una canción, 'Wild is the Wind' que Simone hizo suya en 1966, Bowie grabó en 1976 y Steve McQueen rescata en 2026 en una instalación sonora concebida para el Museo Muggenheim de Bilbao. El libro es un viaje visual por estas dos figuras imprescindibles del siglo XXI, a través de más de 180 imágenes emblemáticas de ambos que dialogan página a página. Música, fotografía y mitos en un solo volumen. 'Estructuras invisibles S.L.', de Teodoro Jiménez Pozo (Periférica). Esta primera novela se ha propuesto narrar el trabajo, ese infierno de la repetición y de lo idéntico. Lo hace siguiendo a Bentor Marrero, un camionero que asiste entre alucinado y disociado a su propia vida. La muerte accidental de uno de sus compañeros actúa como engranaje que nos pone ante una realidad que normalmente preferimos ignorar: el hilo invisible que une el estatuto de los trabajadores con el código penal. Tres canciones, por Francisco Gámiz Alcalá Norte, en la redacción de elDiario.es Alcalá Norte ha publicado nuevo disco y hay algo que la banda quiere saber con todas sus fuerzas: si este segundo trabajo es mejor que el primero. No era tarea fácil, puesto que el grupo firmó uno de los debuts españoles más apasionantes de la década, pero sin duda sus integrantes han puesto esmero en ello. Para prueba, una de las canciones que te recomiendo esta semana y que ya puedes escuchar en nuestra playlist . 'Claudia' de Alcalá Norte. El segundo proyecto de la banda, Dejémoslo como estaba , juega con el pop-punk para mezclarlo con sus características letras llenas de referencias filosóficas, como cuentan en su entrevista en elDiario.es . Pero mucho más sencilla es la historia que narra el grupo en este tema, donde utilizan la figura de una mujer que se gana la vida limpiando casas para resaltar las consecuencias del privilegio. “Estuve viendo vídeos de genocidios hasta las seis / Hoy hay fútbol temprano”, canta. 'Milko Freestyle' de C. Tangana. Más de tres años ha tardado el artista en publicar nueva música , pero ha vuelto recurriendo al rap que lo caracterizó en sus orígenes. Lo hace junto a Agorazein, el grupo con el que comenzó su trayectoria, componiendo un tema que gira alrededor de la muerte de su amigo y colaborador mexicano Milkman, fallecido en febrero de 2026, y del nacimiento de su primer hijo. Incluso hay espacio para revisar el éxito de El Madrileño . 'Come Back' de Sunday,June. El quinteto hispano-suizo publica su segundo álbum, Cinema , y esta es una de las mejores canciones del mismo, en la que abordan la nostalgia y la tendencia a idealizar a quien ya no está. Con un sonido cercano al indie-rock, el grupo reflexiona sobre la dificultad de aceptar una despedida y sobre cómo, a veces, el recuerdo de una relación termina siendo más feliz que la propia realidad que la hizo fracasar. Cinema de Sunday,June Tres películas, por Javier Zurro Fotograma de 'Sacamantecas' 'Sacamantecas'. David Pérez Sañudo salta a una gran producción después de dos películas íntimas y estupendas ( Anne y Los últimos románticos ). Lo hace para abordar la historia del Sacamantecas, el primer asesino en serie de España. Pero lo hace desde el punto de vista de una mujer que investiga la muerte de su hermana, con una austeridad en la puesta en escena y elegancia en sus decisiones, y con un contexto histórico, las guerras carlistas, poco explorado en el cine español y que ofrece una violencia latente en cada plano. 'Los Miserables'. Qué envidia cómo el cine francés ha sabido ver en sus clásicos literarios la fuente perfecta para grandes producciones cinematográficas. Es una doble muestra de su poderío cultural y de su músculo industrial. Sacan pecho de sus obras maestras y las convierten en películas que arrasan en taquilla. Ojalá ver esto aquí, pero de momento nos quedamos con ver esta nueva versión del clásico de Víctor Hugo. Casi tres horas de cine clásico y académico de la mejor factura. 'Ruega por nosotras'. Las víctimas del patronato de la mujer se merecían una película, y Daniel Monzón se la ha dado. El director de Celda 211 abre las puertas de la institución que Franco creó para adoctrinar a las mujeres y hace un ejercicio de justicia y memoria histórica que cubre una cuenta pendiente del cine español.

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4 de noviembre

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'Yerma' vuelve al teatro en el que nació, bajo la influencia del asesinato de su autor y en el gran año de Lorca (se abre en una pestaña nueva)

El director Eduardo Vasco propone un arriesgado y disruptivo final para su versión del gran drama rural del poeta granadino en el Teatro Español, donde Margarita Xirgu estrenó hace casi cien años La productora de 'El rey león' rectifica y permitirá a los trabajadores de sus musicales ejercer el derecho a huelga El peso histórico y teatral de la velada era mucho. Yerma volvía 97 años después de su estreno a tomar vida en las mismas tablas donde vio la luz, el Teatro Español de Madrid. En el ensayo general, su director, Eduardo Vasco, decidió hablar con el público antes de que la representación diese comienzo para contextualizar la velada y recordar a quienes estuvieron en aquel estreno de 1934: a la actriz Margarita Xirgu, al director Cipriano Rivas Cherif y el poeta Federico García Lorca. Un comienzo emocional para una velada que acabaría en sobrecogimiento. En la platea, el público es heterogéneo, gente de teatro comparte butaca con una nueva generación de jóvenes. Los tiempos han cambiado y Lorca está más presente que nunca. Las nuevas investigaciones académicas que han sacado a la luz correspondencia y entrevistas del escritor, las obras de teatro de Alberto Conejero , María San Miguel o Juan Diego Botto ; y, sobre todo, la irrupción de la película La bola negra , han hecho que toda una nueva generación se haya acercado de nuevo al poeta granadino. Eduardo Vasco es uno de los directores con mayor recorrido de este país. Desde hace tres años dirige el Teatro Español, donde ya ha logrado un gran éxito con Luces de bohemia de Valle-Inclán. Pero ahora, el director acomete todo un reto: dirigir su primer Lorca. La obra elegida ha sido Yerma , segundo drama rural del granadino posterior a Bodas de sangre y justo anterior a La casa de Bernarda Alba . Yerma se estrenó un 28 de diciembre de 1934. A aquel ensayo general fueron, entre otros, el premio Nobel Jacinto Benavente, Miguel de Unamuno y el propio Valle-Inclán. A pesar de 'espontáneos' que intentaron acabar con el estreno con insultos a Margarita Xirgu, la obra tuvo un éxito descomunal. En el ensayo general de esta Yerma del siglo XXI, salvando las distancias, también había personajes centrales del teatro en democracia de este país como los gestores Miguel Garrido o José Antonio Campos. Ambos dirigieron en su momento el Instituto Nacional de Artes Escénicas y su presencia ponía de relieve la importancia de este estreno en un país que ha tenido que luchar mucho para que una obra como Yerma pueda subir al cartel del teatro público más importante de la ciudad sin importar el color del Gobierno de turno. 'Yerma' en el Teatro Español Vasco tiene esa capacidad. La de trabajar desde una dirección de escena que entronca con la tradición teatral más conservadora, y así no levantar odios, pero al mismo tiempo hacerlo sin soslayar el peso ideológico de un teatro, el del siglo XX, que está vertebrado por grandes hombres de la izquierda. Para la ocasión, el director ha contado con una potente actriz en el papel de Yerma, Lara Grube, y un coro de mujeres de tintes trágicos que encarnan ese pueblo de España donde el hombre reina sobre la mujer bajo un sistema moral férreo y opresor. Doce actores dan vida a la obra. Francisco Ortiz es Juan, el marido. Veteranas actrices como María Isasi, Yolanda Arestegui o Silvia de Pé encarnan ese pueblo que palpita en las páginas de Lorca. “Para mí, es fundamental la afirmación de Lorca cuando dice que en Yerma quiere hacer una tragedia con ropajes modernos”, explica Eduardo Vasco, tras el ensayo general, a este periódico. “Mi propuesta es muy teatral, Yerma está ideada como una tragedia con coro y es ahí donde he insistido, en cómo unir ese coro trágico con la lírica del texto”, argumenta este director siempre apegado al libreto y obsesionado con legar un canon al teatro de repertorio de este país. La obra comienza. Todo es correcto. Las escenas están bien hilvanadas. La música, dirigida por el mismo director, une con tino lo popular y la música más culta. El texto, de una gran carga poética, se dice con solvencia. Los trajes de Lorenzo Caprile, el manejo del coro, homenajes velados al montaje de Núria Espert en 1971, todo funciona y eleva una Yerma sobria y trágica. Pero ya en la primera escena el espectador puede percatarse de que, además de esa forma de hacer más normativa, por el montaje fluye una corriente subterránea. Para esa escena, Lorca escribe: “Un pastor sale de puntillas mirando fijamente a Yerma. Lleva de la mano a un niño vestido de blanco…”. Sin embargo, en escena el público ve a un soldado siniestro que coge un vestido de marinero y de manera enigmática sale por un lateral. 'Yerma' en el Teatro Español La obra continúa, llegan las escenas famosas, las lavanderas que cantan “¡Ay de la casada seca!, ¡ay de la que tiene los pechos de arena!”. Ya en el tercer acto, otro momento pone de manifiesto que aquí, además del texto del propio Lorca, hay una mirada histórica y política por parte de la dirección. Las cuñadas de Yerma, esas dos mujeres tiesas, comienzan a cubrir con paladas de tierra el escenario. Aparece el mundo de las fosas, se cruzan la ficción de Lorca y su destino. Pero el final rompe con todo. Una Lara Gurbe ya rendida y condenada después de matar a su marido baja al pasillo de la platea y, como una Antígona clásica, recita su texto: “¡No os acerquéis, porque he matado a mi hijo, yo misma he matado a mi hijo!”. Pero ahí, donde el texto dice “telón”, Vasco vuelve a convocar a aquel soldado negro del principio que desde el proscenio apunta con un fusil hacia la platea. “No apunta al público, apunta a Yerma”, corrige el director ante la pregunta de ese cambio diametral del final. Vasco se defiende de lo que tilda de lecturas fáciles: “No es un final cerrado, pero hace referencia directa al contexto histórico. Los españoles no podemos leer a Lorca sin tener presente su asesinato”, dice, para luego pasar a explicar la especial incidencia que esta obra ha tenido para las gentes del teatro. “La desintegración del equipo de Yerma [con Lorca muerto, Margarita Xirgu en el exilio y el director, Rivas Cherif, en la cárcel] fue y sigue siendo muy significativa. No se entiende el retraso teatral de este país sin esa brecha. La profesión, después de todo aquello, tuvo que hacer tabula rasa. El trauma fue descomunal”, argumenta para luego añadir desde un plano más íntimo: “El equipo que hemos montado esta obra vivimos en los mismos pasillos que ellos, estamos en los mismos camerinos, trabajamos sobre el mismo escenario”. Pero la escena tiene un poder semántico más allá de lo histórico y la intrahistoria teatral. La imagen de ese fusil en escena se queda pegada a la pupila, supera aquel 18 de agosto en el que fusilaron al poeta. Además, ciertas decisiones desde la dirección apuntan a una voluntad de que así sea. En uno de los cantos previos a ese final, el coro canta un sorpresivo “Mirad qué oscuro se pone el corazón de España”, cuando el original dice: “Mirad qué oscuro se pone el chorro de la montaña”. El director confiesa: “Es el único verso que le he cambiado a la obra”. “El público es plenipotenciario, si quiere vincularlo a las elecciones, tan solo decir que esta obra la hemos trabajado sin saber que iban a ser convocadas”, añade. 'Yerma' en el Teatro Español Normalmente, los directores no se prestan a hablar del final de sus obras, pero Vasco parece entender la relevancia de su decisión y también confiesa que el final tiene lecturas más políticas que se entrelazan con la actualidad: “La capacidad que tenemos en este país de no entendernos, de acabar polarizados y radicalizados en posturas que acaban con la posibilidad de cualquier consenso es enorme, debemos cuidar el diálogo, si no desapareceremos”, concluye. Todo parece indicar que hasta finales de diciembre, que la obra se mantendrá en cartel para iniciar su gira por España, se hablará mucho de este final, de su pertinencia. Vasco confiesa que la idea llegó con la obra casi montada, que vio necesario confrontarla con lo que rodeaba al poeta en aquel momento, “es increíble la belleza torrencial que emana de todas sus declaraciones y trabajos en aquella época. No encuentras una declaración agresiva de su parte. Siempre contrapone la fragilidad, la ternura y la poesía al pragmatismo inhumano, al cerrilismo. Y el final de Lorca es tan terrible, hay un contraste tan brutal, que yo, con un juego de pura dirección teatral, he intentado plasmarlo en escena”, concluye. Cuando la obra acaba, el público reacciona con un gran aplauso. Yerma ha vuelto a sonar en el Teatro Español. Lara Gurbe resopla, se emociona y suenan vivas y apoyos cerrados desde las butacas. Aun así, uno puede sentir cierta electricidad sobrevolando el aire que llega hasta las puertas del Teatro Español, a una plaza de Santa Ana donde se oyen unas voces que vienen de la calle del Príncipe. Doscientas personas gritan a cien pasos del teatro, justamente frente al Teatro de la Comedia donde en 1933, un año antes del estreno de Yerma , se fundó la Falange Española. Se oyen gritos de “José Antonio Primo de Rivera, presente”, se encienden bengalas, se canta el Cara al sol a pleno pulmón con el brazo en alto y la barbilla prominente. No parece que el Teatro Español tuviese planeado realizar este ensayo general que sabía histórico el mismo día que se fundó Falange, pero la jornada irremediablemente acaba con esa performance no programada, la de una Yerma fusilada entre gritos de Falange, una performance tan urbana y siniestra como actual.

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El cine francés presume de sus clásicos y reivindica ‘Los miserables’: “En EEUU preguntan si es la versión sin canciones” (se abre en una pestaña nueva)

Fred Cavayé dirige a un reparto lleno de estrellas francesas en una superproducción que ya arrasa en la taquilla y continúa la senda de 'El conde de Montecristo' hace dos años La indignación por el timo de las preferentes y el odio a los bancos como motores del primer thriller de Daniel Sánchez Arévalo En 2023, el cine francés vivió el estreno de una nueva versión de Los tres mosqueteros, el clásico de Alejandro Dumas. Aunque muchos cuestionaron que se revisitara de nuevo una historia mil veces contada, el público respondió más que favorablemente. 3,43 millones de personas pagaron una entrada para ver al star system francés dando vida a sus personajes favoritos. Evidentemente, y viendo el taquillazo, los productores se dieron cuenta de que la gente estaba deseosa de volver a sus clásicos. Quería verlos en pantalla grande. El pelotazo terminó de estallar un año después, cuando otra novela de Dumas, El conde de Montecristo , se convirtió en otra superproducción con el actor de moda, Pierre Niney, al frente. El resultado estuvo fuera de cualquier expectativa, casi 9,4 millones de tickets vendidos. Así se llega a un 2026 en donde las revisiones de los clásicos vuelven a reinar en la taquilla francesa gracias a Los miserables , que deja a Dumas de lado para traer de vuelta la historia de Victor Hugo que muchas generaciones solo conocen por el exitoso musical. En menos de un mes el filme ya ha pasado la barrera del millón de entradas vendidas, y todos esperan que pase con facilidad los dos millones. Otro éxito que muestra que, en tiempos de algoritmos , true crimes y series de adolescentes, los franceses quieren leer su presente con ayuda de los escritores que hablaron de su país hace siglos. La apuesta es fuerte, es una forma de mostrar músculo cinematográfico a la vez que literario. Francia saca su arsenal de obras maestras en forma de películas de grandes presupuestos, factura exquisita y un reparto de campanillas. Es lo que ocurre con esta nueva versión que ha dirigido Fred Cavayé y que tiene a Vincent Lindon, Tahar Rahim, Camille Cottin, Benjamin Lavernhe y Noemie Merlant. Una especie de Vengadores del cine francés que en vez de reunirse para una de superhéroes lo hacen para regresar al canto revolucionario, a Javert, Valjean y compañía. Para Fred Cavayé, “cada generación debe conocer la obra maestra de Victor Hugo”, y remarca que “sigue siendo terriblemente actual”. “Es una de las mayores novelas de la literatura universal, donde cada frase es una obra maestra. Hay tanto contenido en esta novela que se pueden seguir haciendo adaptaciones sin que se trate de un simple remake de la anterior; hay muchos aspectos que nunca se han abordado. Por eso, no creo que yo sea el último en adaptar Los miserables , ya que todavía quedan muchas cosas por contar al espectador. Y, en el fondo, por desgracia, sigue siendo terriblemente actual”, decía el cineasta desde el pasado Festival de Cine de San Sebastián, donde el filme compitió por la Concha de Oro en un guiño de José Luis Rebordinos al cine popular de gran presupuesto. En 'Los miserables' está todo: la ignorancia y la miseria siguen existiendo. El contexto es, por desgracia, equivalente al que describe Victor Hugo en su obra. Es algo atemporal y universal Fred Cavayé — Cineasta Que Los miserables sigue siendo terriblemente actual queda claro, según el cineasta, en su primera frase: “Mientras haya en la tierra ignorancia y miseria, historias como esta merecerán ser contadas”. “Es que ahí está todo: la ignorancia y la miseria siguen existiendo. El contexto es, por desgracia, equivalente al que describe Victor Hugo en su obra. Es algo atemporal y universal”, remarca. Traer a 2026 una nueva versión de Los miserables tiene algo de declaración de intenciones. Desde hace años la única versión que conocen los jóvenes es la musical que Broadway se sacó de la manga. Muchos de ellos no habrán leído el clásico de Víctor Hugo, y lo mismo ni saben que existe, algo que Cavayé reconoce. “De hecho, en EEUU me preguntan, '¿esto es una versión francesa sin las canciones?'”, dice con humor. “Es así, pero lo importante no es la forma, sino el fondo. El musical, en el fondo, contaba lo mismo que narra la novela. Aquí lo interesante ha sido profundizar aún más en los personajes y, como he dicho, contar cosas nuevas. Además, está bien mostrar a las nuevas generaciones que se puede hacer una película diferente, en la que no te aburres ni un segundo; una cinta que tiene el ritmo de una serie, con mucha fuerza y dinamismo. No hay canciones, pero en ningún momento resulta aburrida”, zanja. Vicent Lindon y Tahar Rahim, los nuevos Valjean y Javert de 'Los miserables' Para él, esta nueva moda del cine francés intenta darle un toque de modernidad para que los jóvenes no asocien lo clásico con lo aburrido. “Aportar un estilo y un sistema narrativos propios, de modo que la obra se asemeje al cine actual”, lo define el cineasta. En el caso de Los miserables ha querido “convertir la historia casi en un thriller, en una película de suspense”. “Me viene a la mente El fugitivo y hay algo de eso, de esa persecución entre Tommy Lee Jones y Harrison Ford... Se trata de construir secuencias que generen inquietud por el destino de los personajes, especialmente para las generaciones más jóvenes, que quizás no conozcan la historia original, que haya un suspense real”, apunta de una película para la que cree que lleva otras ocho anteriores preparándose. Una de las cosas más complicadas ha sido condensar toda la obra en un metraje que roza las tres horas. Mucho para una película, pero poco para todo el material y el fresco de personajes que despliega Víctor Hugo. De hecho, la primera versión de guion se iba hasta las seis horas, por lo que tuvo que sacrificar escenas que creía que “aportaban menos a lo sustancial de la obra”. También tuvo que recortar en montaje, donde la primera versión era “mucho más larga”. El mantra en la mesa de edición fue: “No traicionar la obra, pero que el espectador esté con nosotros todo el tiempo”. Fastidiarla con una obra tan querida y un proyecto tan ambicioso asusta. Y Cavayé lo sabe, pero está contento porque cree que han hecho el trabajo “lo mejor posible”. Lo que espera es que la gente encuentre en su versión “elementos nuevos”, que los que ya conocen la historia se interesen “porque habla de muchas cosas”. De momento, en Francia, su territorio natural, ha funcionado, ahora queda ver si, como le dicen en EEUU, fuera siguen pensando que Los miserables es un musical y esto su versión sin canciones.

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