Este jueves, 12 de noviembre, tuvo lugar la gran noche de la industria musical iberoamericana. Ante cientos de profesionales de la composición, interpretación y producción musical, se celebró la 27ª gala de los Latin Grammy en el MGM Grand Garden Arena de Las Vegas. Estos galardones reconocen la excelencia en las artes y ciencias de la grabación, especialmente en los trabajos en español y portugués . Su relevancia como indicador de éxito supera los límites del idioma, reuniendo a artistas establecidos y novatos de muchas ramas del sector. Sin ir más lejos, en 2023 se celebraron en Sevilla honrando el sonido tradicional andaluz. De nuevo, se premió el trabajo de cientos de profesionales de distintos géneros y áreas de la industria musical distribuidos en 60 categorías . En especial, se honró a Daddy Yankee , como Persona del Año, y a Alaska , con su Premio a la Excelencia Musical. A continuación, te mostramos la lista oficial y completa de ganadores por categorías de los Latin Grammy 2026. Recordamos también que el jurado solo ha valorado grabaciones publicadas durante el año que trancurrió entre el 1 de junio de 2025 y el 31 de mayo de 2026. La Academia Latina de la Grabación contempla otras categorías en géneros más específicos, como la música de cantautor, la instrumental, la alternativa, la religiosa o el jazz.
El bogotano dedica una sala al disputado Tesoro Quimbaya, en poder del Museo de América en Madrid, y pide su restitución: “Está en buenas manos, pero podría estar en mejores" La censura ultra en Colombia decide qué es arte y qué no: de la violencia política a los encuentros en un cine gay “No se puede mirar el arte desde un lado apolítico”, afirma el artista colombiano Miguel Ángel Rojas (Bogotá, 1946) conversando con elDiario.es durante la inauguración de su exposición en Madrid. Por eso La noche , la muestra que el Museo Reina Sofía acaba de inaugurar, mantiene un compromiso político y ético firme con el arte que vive en los márgenes: desde la reivindicación de la homosexualidad hasta la crítica al extractivismo, la guerra del narco, la codicia colonial o el impacto del cambio climático. La exposición reúne en seis salas medio siglo de carrera y la profunda relación del artista con su país. Llega apenas unas semanas después de que el gobierno del presidente Abelardo de la Espriella ordenara retirar del Museo Nacional de Colombia Fanny (1978), un aguafuerte de Rojas, junto a decenas de piezas sobre luchas feministas, LGBTIQ+ y memoria de la violencia. Una decisión incomprensible para el artista, aunque, explica, “ha conseguido unir tanto a artistas de izquierdas como de derechas contra la censura”, y ha logrado destacar el humanismo con el que Rojas se define. Lo mismo piensa el director del museo, Manuel Segade: “Hacemos este tipo de exposiciones para que estas acciones no ocurran”, comentó a la prensa. Por su parte María Wills Londoño, recuerda que el arte de Rojas siempre ha tenido muy buena acogida en su país, y que la retirada de la obra del artista es una acción residual en su larga carrera. La obra de Rojas está profundamente ligada a la tierra, y eso se nota en los materiales, en los que a menudo incluye hojas de coca en distintos formatos. “A lo mejor está mal que lo diga aquí, pero yo soy una persona materialista”, bromea el artista. En El nuevo Dorado (2012), el trazo pixelado del Amazonas, hecho en oro, atraviesa un paisaje verde de mambe (hoja de coca en polvo), arcilla y pigmentos minerales: una denuncia del saqueo de los recursos naturales. Y, sin embargo, Rojas no quiere que se le encierre en un solo contexto. “Pienso que mis obras se ensanchan, adquieren nuevos significados”, dice. Autoconocimiento, oro, sed y restitución El recorrido empieza con Autorretrato con luz de luna (1968), una fotografía hecha con una Kodak 1A en la que el artista aparece de perfil, apenas rozado por un haz de luz. Para él es una obra fundacional: parte de la experiencia personal para hablar de un país atravesado por el duelo, donde la noche parece no acabar. Muy cerca, La Cosecha (2012) alinea 147 pequeñas cabezas precolombinas de la cultura Tumaco, hechas con maíz, cal y cemento: otro autorretrato simbólico con el que asume su vínculo con los pueblos indígenas. Y en la antesala aguarda la pieza que da título a la muestra, La noche (1980): Rojas aplicó cocaína sobre una fotografía y la selló con resina para declarar el fin de su adicción. Miguel Ángel Rojas: 'Autorretrato con luz de luna' (1964) La primera sala, El nuevo Dorado, se sumerge en las violencias del extractivismo heredado de la colonia. Aquí se estrena Carbón carbón (2026), dieciséis módulos de frottage con carbón que dibujan un territorio erosionado por los incendios y la destrucción del Amazonas, pero del que brotan, en oro, especies vivas que garantizarán su supervivencia, como son las celdas de panal de la abeja meliponina, que es la encargada de polinizar todo el Amazonas, y que Rojas menciona como el reverso optimista, la búsqueda de soluciones al desastre climático. Miguel Ángel Rojas: ''Restitución' (2009) La segunda, Sed , gira en torno al Tesoro Quimbaya , hallado en Colombia en 1890 y regalado en 1892 por el presidente Carlos Holguín Mallarino a la monarquía española. Rojas lo resume con ironía: “Está en buenas manos, pero podría estar en mejores manos en Colombia”. Para la ocasión ha producido un vídeo inédito en el que las sombras del tesoro, sobre un fondo dorado, se van desvaneciendo. Alrededor, Restitución (2009) reflexiona sobre la devolución de piezas y la importancia de reconocer a las comunidades de origen, mientras que en Las Tablas de la Ley (2018) el cobre y el oro chapado forman “In gold we trust” y una frase atribuida al boxeador Pambelé: “It is better to be rich than poor”. Mestizaje, coca y minas: el cuerpo como territorio “Yo soy el Tumaco viviente” es una de las salas más importantes, según la comisaria Wills Londoño. Rojas recuerda y se interroga por su origen mestizo y por el vínculo con la tierra heredado de su madre campesina, así, trabaja el barro, trenza fibras vegetales, procesa hojas de coca en su taller. En Buritaca (1992) la planta aparece junto al poporo, objeto ceremonial de la Sierra Nevada de Santa Marta, no como mercancía sino como un vehículo ancestral de pensamiento. En Broadway (1996/2012), las hojas de coca que sostienen las hormigas simulan el tránsito del narcotráfico. Después llega Quiebramales , la sala más dura, donde cuelga una de sus obras más míticas: David (2004), diez fotografías a gran escala hechas con José Antonio Ramos, un soldado mutilado por una mina antipersona. Se ha convertido en emblema del sufrimiento de las víctimas del conflicto armado. A su lado, la palabra Quiebramales , escrita con lapiceros de colores, se opone a “quiebrapatas”, como se conoce popularmente a esas minas. Miguel Ángel Rojas: 'David' (2004) “Es una obra que habla de la guerra, de las víctimas de la guerra, de las poblaciones que sufren las decisiones que se toman desde los altos gobiernos, e incluyen también a los soldados, la milicia”, cuenta Rojas. “A esos muchachos los reclutan jóvenes, les ponen un fusil, les dan un entrenamiento y los mandan a la guerra sin que sepan para quién están luchando ni por qué. Es lo más injusto de la guerra en general”. Es, añade, una imagen antibélica con un fundamento, como es el de las diferencias culturales. “La mente humana, más que el color de la piel, hace que las personas se distancien, se enfrenten y se creen enemigos”. Esas diferencias, insiste, tienen que ver con la educación. Ramos, que según el artista desciende de aquellos antioqueños que llegaron huyendo de la Inquisición, no tuvo acceso a ella y acabó de soldado raso, expuesto a los peligros de la guerra hasta que un quiebrapatas lo mutiló. “Yo uso ese cuerpo para hablar de situaciones específicas en Colombia, de esas diferencias radicadas en los niveles culturales”. De ahí que la polémica le toque de lleno. “El David es una pieza que está en la colección del museo desde hace varios años y no fue movida de su sitio, mientras otra que no es para nada explícita, pero se refería a encuentros gays en sitios en decadencia, en los que los asistentes éramos clase media o media baja, fue retirada”, explica. La oscuridad como refugio El final del recorrido es un descenso a la noche. En Cuarto oscuro , Rojas convierte la fotografía en pintura a golpe de químicos y pinceles, con pigmentos de plomo y hasta fluidos corporales, en los años del sida y del miedo, destacan sus obras Felicidad perdida (1987), Virosis (1986) y Cupido equivocado (1988). Y en Las tardes tensas regresa a los cines del centro de Bogotá, como Faenza, Imperio, Mogador, donde, entre 1975 y 1979, fotografiaba a escondidas con una Pentax en plena oscuridad, calculando la distancia contando filas de butacas y enfocando con una linterna, unas fotos que están marcadas por la rapidez, por la fugacidad, y por la experiencia. Miguel Ángel Rojas: 'Virosis' (1986) “Bajé a los sótanos más oscuros de mi experiencia”, escribe “con el firme propósito de mirar desde afuera y con distancia, a aquellas situaciones que viví, para encontrar en ellas renovación”. De ahí nacieron imágenes que son apenas insinuaciones, fantasmas de cuerpos una forma de resistir sin dejarse leer del todo. La muestra se cierra con Grano (1981) una instalación que constituye una vuelta a casa. Tan solo un suelo de baldosas hecho con tierras de colores, réplica de la intervención que Rojas hizo en 1980 en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, e inspirada en el patio de la casa de sus abuelos en Girardot. En el original, una gallina paseaba sobre el dibujo y lo iba deshaciendo. Con los años, escribe el artista, se ha convertido en símbolo de los desplazamientos forzados por la guerra o el hambre. Después de atravesar la noche el visitante sale pisando tierra.
El Festival de Cine Europeo de Sevilla ha presentado en la sección Special Screenings el documental 'La maravilla que se muerde la cola' , una cinta concebida como «una mirada sin prejuicios a la turistificación» en la capital sevillana, que podía ser cualquiera de las muchas en peligro de perder su identidad avasallada por el turismo masivo y la gentrificación. ¿Dónde emigrará la belleza cuando Sevilla no sea Sevilla?, lamenta el narrador de esta historia «underground» dirigida por Manuel Correa , que firma el guion junto al periodista y columnista de ABC Santi Gigliotti. La producción corre a cargo de Santiago Martínez-Vares y Fernando Matres, de Rebellious Words Cine, y se ha exhibido en festivales alternativos de Roma y Nueva York, además del prestigioso Festival Nuevo Cine Andaluz de Casares, Málaga.Lo que comenzó como una idea para reivindicar la figura de Paco Palacios, El Pali , terminó convirtiéndose en un «viaje de ida y vuelta». Correa quería «sacar del meme» al artista, cuya obra retrató con enorme personalidad la Sevilla de su tiempo. «Nos dejó un legado, sobre todo sevillanas, escritas y cantadas por él, sobre una Sevilla que ya no existe», cuenta el director, que parte de una sencilla pregunta en este documental que se vertebra entre la realidad y la ficción y bucea en lo más hondo de la cuestión social con el oxígeno del humor: «Si el trovador de Sevilla viviera, ¿qué le cantaría a la ciudad de hoy?»Correa lo tiene más o menos claro: «Vemos una Sevilla en peligro de extinción. Esto no es alarmismo, es una sensación. Él lo tenía bastante claro en su época. Decía que la gracia de Sevilla se había perdido. Eran unos años 80 en los la ciudad se estaba sumando a la moda de los bloques de pisos, era todo muy homogéneo. Y ahora, pues, también se está despersonalizando, se está globalizando y se están convirtiendo las tiendas de toda la vida en Starbucks o en tiendas de souvenir y bares que cierran para luego abrirlos remodelados para turistas. Se acabaron los horarios nativos, se acabaron los precios nativos y se acabaron las costumbres», lamenta.Un paseo por el Centro arroja un sinfín de ejemplos. El propio director, onubense de nacimiento, lleva casi cuatro décadas en la ciudad hispalense, enumera una ristra en la que seguro que los lectores están de acuerdo. A principios de los 90, recuerda, el turismo ya era un motor económico y los visitantes formaban parte del paisaje urbano. La diferencia, a su juicio, es que ahora el fenómeno ha penetrado en los propios espacios residenciales. La cuestión, insiste, es la «medida». El problema aparece cuando el crecimiento turístico supera determinados límites y termina desplazando a quienes dan vida a los barrios.'La maravilla que se muerde la cola' cuenta con las intervenciones de César Cadaval , de Los Morancos; la artista La Tremendita , el grupo Califato ¾, el creador de contenido Lucas Melcón, Malacara y los periodistas Reyes Calvillo y Fede Quintero, entre otros. Sus testimonios se mezclan con la trama ideada por los creadores de la película. Esta ficción está protagonizada por un movimiento vecinal clandestino llamado ILLO, siglas de Institución de Libre de Lobbies Opresores. Un acrónimo cargado de significado. «Illo, illo» es la fórmula andaluza que avisa de un amenaza inminente. «Que mi Sevilla está muerta, que ya no se están riendo los Hércules en la Alameda», cantó El Pali, símbolo de este movimiento. Manuel Correa dirige 'La maravilla que se muerde la cola'La película introduce también a un personaje interpretado por Alfonso Vargas, que encarna al director ejecutivo de una empresa de pisos turísticos ficticia, R & B, con una presencia dominante en la ciudad. A través de este personaje aparece otra perspectiva del debate: no siempre todo tiempo pasado fue mejor. El resultado es un relato que intercala posiciones diferentes, desde quienes consideran que el turismo actual no supone una amenaza para la identidad sevillana hasta quienes advierten de un proceso de transformación que puede resultar irreversible. «Es verdad que todavía quedan rincones puros. Y esa es la cuestión, hay que agarrarse a eso y no perderlos. Hay un peligro de que Sevilla se convierta en un simulacro de Sevilla, de que pierda su identidad. Es un fenómeno global», reflexiona el director.El lenguaje cinematográfico permite a los creadores de la película marcar distancia. «Nosotros queremos dar un toque de atención y que cada uno saque sus conclusiones. A mí no me gusta nada que alguien quiera adoctrinarme», señala Correa.Un símbolo que une«En una España tan polarizada, por lo menos que haya una lucecita que nos una. El Pali le gusta a los fachas, a los rojos, a los altos, a los bajos, a los gordos... Le gusta a todo el mundo», reivindica el cineasta sobre esta figura que va mucho más allá de su mítica imagen inmortalizada en una estatua en Tomás de Ibarra, la calle donde vivía el compositor. Casa, que por cierto, ha tenido que vender la familia. «Me lo dijo un sobrino, que ya no quedaba nadie por allí, que no había ningún vecino al que acudir, que hay una despersonalización brutal», cuenta.Es por eso por lo que las sevillanas de El Pali forman una banda sonora imprescindible que tiende puentes entre diversas generaciones. Sus letras constituyen un auténtico retrato de la Sevilla de otra época, poblado de personas y escenas cotidianas que, de otro modo, podrían haber caído en el olvido. Vicente del Canasto, Juan el Loco, el Bizco Amate o la Malena formaron parte de una larga galería de la gente local, personajes con el sacrosanto sello de lo auténtico.La película también plantea una reflexión sobre el modelo de consumo y la dependencia tecnológica. La organización ILLO utiliza dispositivos antiguos para comunicarse, una decisión que, además de aportar una estética particular al relato, conecta con una de las preocupaciones personales de Correa: la obsolescencia programada. «Me da mucho coraje que haya que cambiar de móvil cada cierto tiempo. Estamos en esa rueda de consumir, tirar, consumir, tirar».Para el director, la rebeldía no tiene por qué adoptar grandes formas ni estar vinculada necesariamente a movimientos políticos. Puede empezar con decisiones aparentemente pequeñas: conservar un teléfono, rechazar determinadas dinámicas de consumo o cuestionar hábitos que damos por inevitables.«Desde tu cotidianidad, desde tu propia vida, rebelarte como puedas. Si lo hacemos uno o dos no pasa nada, pero si lo hacen millones de personas empieza la cosa a cambiar», apunta. Una filosofía que conecta directamente con el mensaje de la película: no resignarse.-Y usted, ¿qué cree que le cantaría El Pali a la Sevilla de 2026?-Creo que se revelaría, se revolcaría un poquito. Diría barbaridades contra la realidad de lo que, particularmente en mi opinión, es un turismo absolutamente feroz.
Este jueves, 12 de noviembre, tuvo lugar la gran noche de la industria musical iberoamericana. Ante cientos de profesionales de la composición, interpretación y producción musical, se celebró la 27ª gala de los Latin Grammy en el MGM Grand Garden Arena de Las Vegas. Estos galardones reconocen la excelencia en las artes y ciencias de la grabación, especialmente en los trabajos en español y portugués . Su relevancia como indicador de éxito supera los límites del idioma, reuniendo a artistas establecidos y novatos de muchas ramas del sector. Sin ir más lejos, en 2023 se celebraron en Sevilla honrando el sonido tradicional andaluz. De nuevo, se premió el trabajo de cientos de profesionales de distintos géneros y áreas de la industria musical distribuidos en 60 categorías . En especial, se honró a Daddy Yankee , como Persona del Año, y a Alaska , con su Premio a la Excelencia Musical. A continuación, te mostramos la lista oficial y completa de ganadores por categorías de los Latin Grammy 2026. Recordamos también que el jurado solo ha valorado grabaciones publicadas durante el año que trancurrió entre el 1 de junio de 2025 y el 31 de mayo de 2026. La Academia Latina de la Grabación contempla otras categorías en géneros más específicos, como la música de cantautor, la instrumental, la alternativa, la religiosa o el jazz.
El bogotano dedica una sala al disputado Tesoro Quimbaya, en poder del Museo de América en Madrid, y pide su restitución: “Está en buenas manos, pero podría estar en mejores" La censura ultra en Colombia decide qué es arte y qué no: de la violencia política a los encuentros en un cine gay “No se puede mirar el arte desde un lado apolítico”, afirma el artista colombiano Miguel Ángel Rojas (Bogotá, 1946) conversando con elDiario.es durante la inauguración de su exposición en Madrid. Por eso La noche , la muestra que el Museo Reina Sofía acaba de inaugurar, mantiene un compromiso político y ético firme con el arte que vive en los márgenes: desde la reivindicación de la homosexualidad hasta la crítica al extractivismo, la guerra del narco, la codicia colonial o el impacto del cambio climático. La exposición reúne en seis salas medio siglo de carrera y la profunda relación del artista con su país. Llega apenas unas semanas después de que el gobierno del presidente Abelardo de la Espriella ordenara retirar del Museo Nacional de Colombia Fanny (1978), un aguafuerte de Rojas, junto a decenas de piezas sobre luchas feministas, LGBTIQ+ y memoria de la violencia. Una decisión incomprensible para el artista, aunque, explica, “ha conseguido unir tanto a artistas de izquierdas como de derechas contra la censura”, y ha logrado destacar el humanismo con el que Rojas se define. Lo mismo piensa el director del museo, Manuel Segade: “Hacemos este tipo de exposiciones para que estas acciones no ocurran”, comentó a la prensa. Por su parte María Wills Londoño, recuerda que el arte de Rojas siempre ha tenido muy buena acogida en su país, y que la retirada de la obra del artista es una acción residual en su larga carrera. La obra de Rojas está profundamente ligada a la tierra, y eso se nota en los materiales, en los que a menudo incluye hojas de coca en distintos formatos. “A lo mejor está mal que lo diga aquí, pero yo soy una persona materialista”, bromea el artista. En El nuevo Dorado (2012), el trazo pixelado del Amazonas, hecho en oro, atraviesa un paisaje verde de mambe (hoja de coca en polvo), arcilla y pigmentos minerales: una denuncia del saqueo de los recursos naturales. Y, sin embargo, Rojas no quiere que se le encierre en un solo contexto. “Pienso que mis obras se ensanchan, adquieren nuevos significados”, dice. Autoconocimiento, oro, sed y restitución El recorrido empieza con Autorretrato con luz de luna (1968), una fotografía hecha con una Kodak 1A en la que el artista aparece de perfil, apenas rozado por un haz de luz. Para él es una obra fundacional: parte de la experiencia personal para hablar de un país atravesado por el duelo, donde la noche parece no acabar. Muy cerca, La Cosecha (2012) alinea 147 pequeñas cabezas precolombinas de la cultura Tumaco, hechas con maíz, cal y cemento: otro autorretrato simbólico con el que asume su vínculo con los pueblos indígenas. Y en la antesala aguarda la pieza que da título a la muestra, La noche (1980): Rojas aplicó cocaína sobre una fotografía y la selló con resina para declarar el fin de su adicción. Miguel Ángel Rojas: 'Autorretrato con luz de luna' (1964) La primera sala, El nuevo Dorado, se sumerge en las violencias del extractivismo heredado de la colonia. Aquí se estrena Carbón carbón (2026), dieciséis módulos de frottage con carbón que dibujan un territorio erosionado por los incendios y la destrucción del Amazonas, pero del que brotan, en oro, especies vivas que garantizarán su supervivencia, como son las celdas de panal de la abeja meliponina, que es la encargada de polinizar todo el Amazonas, y que Rojas menciona como el reverso optimista, la búsqueda de soluciones al desastre climático. Miguel Ángel Rojas: ''Restitución' (2009) La segunda, Sed , gira en torno al Tesoro Quimbaya , hallado en Colombia en 1890 y regalado en 1892 por el presidente Carlos Holguín Mallarino a la monarquía española. Rojas lo resume con ironía: “Está en buenas manos, pero podría estar en mejores manos en Colombia”. Para la ocasión ha producido un vídeo inédito en el que las sombras del tesoro, sobre un fondo dorado, se van desvaneciendo. Alrededor, Restitución (2009) reflexiona sobre la devolución de piezas y la importancia de reconocer a las comunidades de origen, mientras que en Las Tablas de la Ley (2018) el cobre y el oro chapado forman “In gold we trust” y una frase atribuida al boxeador Pambelé: “It is better to be rich than poor”. Mestizaje, coca y minas: el cuerpo como territorio “Yo soy el Tumaco viviente” es una de las salas más importantes, según la comisaria Wills Londoño. Rojas recuerda y se interroga por su origen mestizo y por el vínculo con la tierra heredado de su madre campesina, así, trabaja el barro, trenza fibras vegetales, procesa hojas de coca en su taller. En Buritaca (1992) la planta aparece junto al poporo, objeto ceremonial de la Sierra Nevada de Santa Marta, no como mercancía sino como un vehículo ancestral de pensamiento. En Broadway (1996/2012), las hojas de coca que sostienen las hormigas simulan el tránsito del narcotráfico. Después llega Quiebramales , la sala más dura, donde cuelga una de sus obras más míticas: David (2004), diez fotografías a gran escala hechas con José Antonio Ramos, un soldado mutilado por una mina antipersona. Se ha convertido en emblema del sufrimiento de las víctimas del conflicto armado. A su lado, la palabra Quiebramales , escrita con lapiceros de colores, se opone a “quiebrapatas”, como se conoce popularmente a esas minas. Miguel Ángel Rojas: 'David' (2004) “Es una obra que habla de la guerra, de las víctimas de la guerra, de las poblaciones que sufren las decisiones que se toman desde los altos gobiernos, e incluyen también a los soldados, la milicia”, cuenta Rojas. “A esos muchachos los reclutan jóvenes, les ponen un fusil, les dan un entrenamiento y los mandan a la guerra sin que sepan para quién están luchando ni por qué. Es lo más injusto de la guerra en general”. Es, añade, una imagen antibélica con un fundamento, como es el de las diferencias culturales. “La mente humana, más que el color de la piel, hace que las personas se distancien, se enfrenten y se creen enemigos”. Esas diferencias, insiste, tienen que ver con la educación. Ramos, que según el artista desciende de aquellos antioqueños que llegaron huyendo de la Inquisición, no tuvo acceso a ella y acabó de soldado raso, expuesto a los peligros de la guerra hasta que un quiebrapatas lo mutiló. “Yo uso ese cuerpo para hablar de situaciones específicas en Colombia, de esas diferencias radicadas en los niveles culturales”. De ahí que la polémica le toque de lleno. “El David es una pieza que está en la colección del museo desde hace varios años y no fue movida de su sitio, mientras otra que no es para nada explícita, pero se refería a encuentros gays en sitios en decadencia, en los que los asistentes éramos clase media o media baja, fue retirada”, explica. La oscuridad como refugio El final del recorrido es un descenso a la noche. En Cuarto oscuro , Rojas convierte la fotografía en pintura a golpe de químicos y pinceles, con pigmentos de plomo y hasta fluidos corporales, en los años del sida y del miedo, destacan sus obras Felicidad perdida (1987), Virosis (1986) y Cupido equivocado (1988). Y en Las tardes tensas regresa a los cines del centro de Bogotá, como Faenza, Imperio, Mogador, donde, entre 1975 y 1979, fotografiaba a escondidas con una Pentax en plena oscuridad, calculando la distancia contando filas de butacas y enfocando con una linterna, unas fotos que están marcadas por la rapidez, por la fugacidad, y por la experiencia. Miguel Ángel Rojas: 'Virosis' (1986) “Bajé a los sótanos más oscuros de mi experiencia”, escribe “con el firme propósito de mirar desde afuera y con distancia, a aquellas situaciones que viví, para encontrar en ellas renovación”. De ahí nacieron imágenes que son apenas insinuaciones, fantasmas de cuerpos una forma de resistir sin dejarse leer del todo. La muestra se cierra con Grano (1981) una instalación que constituye una vuelta a casa. Tan solo un suelo de baldosas hecho con tierras de colores, réplica de la intervención que Rojas hizo en 1980 en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, e inspirada en el patio de la casa de sus abuelos en Girardot. En el original, una gallina paseaba sobre el dibujo y lo iba deshaciendo. Con los años, escribe el artista, se ha convertido en símbolo de los desplazamientos forzados por la guerra o el hambre. Después de atravesar la noche el visitante sale pisando tierra.
VALÈNCIA (EFE/CP). El Zevra Festival 2027, que se celebrará en Cullera del 23 al 26 de julio, ha revelado los primeros nombres del cartel de su sexta edición, entre los cuales destacan Hijos de la Ruina, Lucho RK, Taburete, Fernandocosta, Metrika, Pignoise y BRESH, un cartel que llega después de anunciar un nuevo modelo para 2027 con un día menos de conciertos y un objetivo: "abrirse a un público más adulto". El festival, que suma estos nuevos nombres a la primera cabeza de cartel ya conocida, Bad Gyal, se ha fijado como meta abrirse a un público más adulto y géneros variados como reggaeton, hip-hop y pop-rock, según un comunicado de la organización. Hijos de la Ruina es la formación resultante de la unión de Natos y Waor con Recycled J, tres nombres clave para entender la esencia del rap español en la última década. Cargado de letras autobiográficas y una mirada crítica sobre la realidad social, en enero de 2026 publicaron Hijos de la Ruina Vol. 4. Pignoise, formado por el exfutbolista del Real Madrid Álvaro Benito junto a Pablo Alonso y Héctor Polo, es una de las bandas más reconocibles del pop-rock español de los años 2000. El grupo alcanzó popularidad con canciones como ‘Nada que perder’, ‘Te entiendo’ y ‘Estoy enfermo’, y hace un año publicó Las ganas, un álbum de 11 canciones que ha presentado en directo a lo largo del año en curso. El artista canario Lucho RK es uno de los nombres destacados de la nueva generación de música urbana en España. Acaba de publicar Sordo de un Pie, su primer álbum de estudio en solitario. Taburete, formado en Madrid en 2014 por Willy Bárcenas y Antón Carreño, se convirtió en uno de los grupos más populares del pop-rock español de la segunda mitad de la década de 2010. Canciones como ‘Sirenas’ y ‘Amos del piano bar’ marcaron su trayectoria, impulsada por álbumes como Tres tequilas (2016). Fernandocosta, Nacido en Ibiza, es uno de los artistas que han contribuido a consolidar el rap independiente en España. Desde el éxito de ‘Yipiyou’ (2018), ha publicado ‘Tirititando’ (2022) y ‘Amor de Barrio’ (2025). La castellonense Metrika, nombre artístico de Thais Amores García, repetirá el próximo verano tras su sonada actuación en Zevra 2026. Su sonido fusiona trap, drill, electrónica y sonidos experimentales con una estética provocadora. Sus canciones abordan el empoderamiento femenino, la salud mental, el desamor y una fuerte carga sexual sin tapujos. Zevra 2027 constará de una preparty (viernes, 23 de julio) y de dos días de evento principal (sábado, 24; y domingo 25 de julio)
Salamanca volverá a dar protagonismo a sus artistas y creadores musicales con la celebración de la sexta edición de las La entrada Inspirados por la MusSa 2026 en Salamanca y en Santa Marta se publicó primero en Noticias de Salamanca 2026 .
La serie fotográfica de Miguel Muñiz sobre el impacto del viento del nordés en el paisaje y las personas, llamada “Aventados", fue galardonada con el premio Luis Ksado de creación fotográfica en 2026
La Casa de la Cultura de Martos acogió este miércoles la inauguración oficial de la exposición ‘Libros de Artista 2026’, una iniciativa impulsada por la Universidad de Jaén (UJA) a través del Vicerrectorado de Cultura, en colaboración con el Ayuntamiento de Martos, que une artes plásticas, literatura y talento joven. La edición de este año ha tenido como eje vertebrador la reinterpretación plástica del poema Almanaques, de la Premio Nacional de Literatura Ángeles Mora. Entre las propuestas presentadas, la obra de la joven creadora marteña Rebeca Ortega se ha alzado con el primer premio de esta convocatoria, consolidando el certamen como una plataforma de proyección para las nuevas promociones de artistas de la provincia. El acto inaugural contó con la asistencia de la vicerrectora de Cultura de la UJA, Marta Torres, el alcalde de Martos, Emilio Torres, y la concejal de Cultura Elena Molina, así como la propia galardonada, Rebeca Ortega. Durante la apertura de la muestra, la vicerrectora de Cultura de la Universidad de Jaén Marta Torres destacó la importancia de descentralizar la acción universitaria y llevar la creación artística a todos los rincones de la provincia. “Esta exposición demuestra cómo la cultura actúa como vaso comunicante entre la investigación, la poesía y las artes plásticas. Para la Universidad de Jaén es un orgullo comprobar el altísimo nivel de las propuestas presentadas alrededor de la figura y obra de Ángeles Mora, y un motivo de especial satisfacción que el talento de una joven marteña como Rebeca Ortega haya resultado reconocido en esta edición”, señaló la vicerrectora de Cultura. Respecto a la iniciativa, Marta Torres explicó que se trata de la décima edición del proyecto ‘Libro de Artista’, auspiciado por la Editorial de la Universidad de Jaén, junto con la Escuela de Arte y Superior de Diseño José Nogué. “Diez ediciones significan una década sembrando creación, tendiendo puentes entre la poesía de cabecera en lengua española y las manos inquietas de las nuevas generaciones de creadores. Esta colección, que cristaliza en la serie La Rueca, que dirige la profesora Elena Felíu, no es una iniciativa cualquiera y fue reconocida en 2023 en los XXVI Premios Nacionales de Edición Universitaria como la mejor colección de España”, destacó Marta Torres. La exposición “Libros de Artista 2026 – Poema “Almanaques” de Ángeles Mora, que recoge la interpretación realizada por diecisiete jóvenes artistas de distintas etapas formativas —desde Bachillerato de Artes hasta los Ciclos de Grado Superior y las Enseñanzas Artísticas Superiores—, puede visitarse hasta el próximo 20 de noviembre.
Haz frente al frío con esta propuesta de planes culturales, lecturas y canciones Recíbelo por mail - Esta agenda cultural forma parte del boletín de Cultura, suscríbete aquí para recibirlo íntegro y primero Ha llegado noviembre y te traemos una selección de planes culturales para el primer finde del mes: exposiciones, presentaciones, libros, películas de estreno en el cine y canciones. Pistoletto en el Musac (León). A partir del 7 de noviembre se puede visitar en el gran museo leonés una muestra dedicada al artista italiano Michelangelo Pistoletto , un recorrido por su trayectoria (de 1957 a 2025) de este genial representante del arte povera, a través de medio centenar de obras, muchas de ellas sorprenderán al visitante, como sus “cuadros espejantes”. Este sábado, con motivo de la apertura, hay una performance titulada Metrocubo dinfinito y una conversación entre Michelangelo Pistoletto y Álvaro Rodríguez Fominaya, director del MUSAC, con la presencia del artista por videoconferencia. Improvisando en Canarias (Tenerife). Improvisa reúne en Tenerife (del 6 al 15 de noviembre) a algunas de las compañías más destacadas del panorama de la improvisación teatral a nivel internacional, nacional y local. Desde el humor absurdo y los clásicos en verso hasta los espectáculos familiares, las jams y el formato de competición. Memoria en Espartinas (Sevilla). Este viernes 6 de noviembre a las seis de la tarde en el centro cultural Casa de las Monjas de Espartinas (Sevilla) se presenta el libro Las páginas arrancadas al olvido de José María García Márquez y Juan Miguel Baquero, con un prólogo de Paul Preston que nuestros compañeros de la redacción de Sevilla han adelantado , un relato de memoria histórica en esta localidad, donde hubo una matanza en julio de 1936. ¡Se obsequiará a las personas asistentes con un ejemplar del libro! Aurèlia Muñoz en el Macba (Barcelona). El centenario del nacimiento de Aurèlia Muñoz, gran renovadora del arte textil y figura esencial de la creación contemporánea, desembarca en el Macba con Entes , retrospectiva producida en colaboración con el Reina Sofía y generosa panorámica que abarca desde los primeros collages de influencia surrealista a sus icónicos pájaros-cometa. Del 5 de noviembre de 2026 al 29 de marzo de 2027. La exposición 'Aurèlia Muñoz. Entes' Festival Eñe (Madrid y Málaga). Una de las citas literarias de referencia. Este año, la poesía toma la palabra es el tema central, con Polonia como país invitado y autores como Roberto Saviano, Tatiana Țîbuleac, Piedad Bonnett, Lucía Solla Sobral, Alana S. Portero, Catherine Lacey o Agnieszka Holland. En Madrid, del 4 al 25 de noviembre y en Málaga, del 21 al 30 de este mes. Este fin de semana, el sábado, no te pierdas la conversación entre Tatiana Ţîbuleac, Ana Merino y Guillermo Roz bajo el título Poéticas de la identidad . Cine europeo (Sevilla). En el Festival de Sevilla se podrán ver 66 películas, 21 de ellas estrenos entre el 6 y el 14 de este mes. Y uno de esos es el documental Anguita. El hombre de los tres siglos , dirigido por Hugo Cabezas y coproducido por elDiario.es (lo puedes ver el 10 y el 14 de noviembre). Consulta aquí la programación y compra tu entrada. Bajar al infierno (Madrid). Se inauguró el mes pasado pero no hemos hablado de ella. La exposición El Infierno de Dante, en la Fundación Canal (Madrid) reúne reúne por primera vez las dos series completas que Gustave Doré y Robert Rauschenberg dedicaron al Infierno. Es gratis y se puede visitar hasta el 5 de enero. Descubrir artistas jóvenes (Zaragoza). La Exposición VI Call for artists. Premio de Arte Universidad San Jorge nos hace descubrir joven talento artístico de Aragón. Del 3 al 20 de noviembre de 2026 Inauguración en Edificio Grupo San Valero y posteriormente en la Galería Carmen Terreros. Festival medieval (Elche). El Festival Medieval d’Elx encara la recta final tras reactivar la agenda escénica tras el luto institucional. Con el nuevo calendario para las funciones suspendidas, la cita se extiende hasta el 8 de noviembre compartiendo protagonismo con el tradicional Mercado Medieval y conciertos en el Hort del Xocolater y Las Clarisas. Cine por el medio ambiente (Barcelona y Calafell). SUNCINE es el Festival Internacional de Cine del Medio Ambiente, que hasta el 22 de noviembre reúne 47 películas sobre los grandes desafíos ambientales de nuestro tiempo. Del 4 al 22 de noviembre de 2026 en Barcelona y Calafell, y online a través de CaixaForum+. Cultura por la huelga general (Málaga). Jornada festiva y reivindicativa el 7 de noviembre en La Casa Invisible en Málaga para ir preparando la huelga general. Una charla sobre memorias de la huelga, preparación de pancartas, comida popular y concierto de Ana Elei y la rapera Loa High, cerrando a los platos Perchel Norte y Lore Breaks. Cuatro libros, por Laura G. Higueras 'Atentamente', de Blanca Lacasa (Libros del K.O.) . La escritora y periodista Blanca Lacasa ('Las hijas horribles') publica este reivindicación de la escritura cotidiana frente a la considerada la “de verdad”, la que se publica en los libros. Para ello ha rebuscado en su propio archivo, escritos personales y de autores como Dickinson, Barthes, Ernaux y Rodari. También de personas anónimas, para reflexionar sobre nos relacionamos con nuestra escritura. Al final, cada día mandamos y recibimos docenas de correos electrónicos, dejamos notitas, hacemos listas, apuntamos en cuadernos y un larguísimo etc. 'Las páginas arrancadas al olvido', de José María Márquez y Juan Miguel Baquero . Este libro cuenta con un prólogo escrito por el reconocido historiador Paul Preston, y que será presentado en el Centro Cultural Casa de las Monjas del municipio andaluz Espartinas este sábado. Una obra sobre la memoria histórica y democrática española. Aborda una parte de la represión en Andalucía arrojando luz sobre la historia más amplia de la Guerra Civil, desde las dificultades para investigar sobre lo que sucedió hasta el dolor que siguen sufriendo los familiares de las víctimas de los crímenes que fueron cometidos en ella. 'steve mcqueen: 66-76-26' (La Fábrica). ¿Qué puede unir a Nina Simone y David Bowie? El punto de partida es una canción, 'Wild is the Wind' que Simone hizo suya en 1966, Bowie grabó en 1976 y Steve McQueen rescata en 2026 en una instalación sonora concebida para el Museo Muggenheim de Bilbao. El libro es un viaje visual por estas dos figuras imprescindibles del siglo XXI, a través de más de 180 imágenes emblemáticas de ambos que dialogan página a página. Música, fotografía y mitos en un solo volumen. 'Estructuras invisibles S.L.', de Teodoro Jiménez Pozo (Periférica). Esta primera novela se ha propuesto narrar el trabajo, ese infierno de la repetición y de lo idéntico. Lo hace siguiendo a Bentor Marrero, un camionero que asiste entre alucinado y disociado a su propia vida. La muerte accidental de uno de sus compañeros actúa como engranaje que nos pone ante una realidad que normalmente preferimos ignorar: el hilo invisible que une el estatuto de los trabajadores con el código penal. Tres canciones, por Francisco Gámiz Alcalá Norte, en la redacción de elDiario.es Alcalá Norte ha publicado nuevo disco y hay algo que la banda quiere saber con todas sus fuerzas: si este segundo trabajo es mejor que el primero. No era tarea fácil, puesto que el grupo firmó uno de los debuts españoles más apasionantes de la década, pero sin duda sus integrantes han puesto esmero en ello. Para prueba, una de las canciones que te recomiendo esta semana y que ya puedes escuchar en nuestra playlist . 'Claudia' de Alcalá Norte. El segundo proyecto de la banda, Dejémoslo como estaba , juega con el pop-punk para mezclarlo con sus características letras llenas de referencias filosóficas, como cuentan en su entrevista en elDiario.es . Pero mucho más sencilla es la historia que narra el grupo en este tema, donde utilizan la figura de una mujer que se gana la vida limpiando casas para resaltar las consecuencias del privilegio. “Estuve viendo vídeos de genocidios hasta las seis / Hoy hay fútbol temprano”, canta. 'Milko Freestyle' de C. Tangana. Más de tres años ha tardado el artista en publicar nueva música , pero ha vuelto recurriendo al rap que lo caracterizó en sus orígenes. Lo hace junto a Agorazein, el grupo con el que comenzó su trayectoria, componiendo un tema que gira alrededor de la muerte de su amigo y colaborador mexicano Milkman, fallecido en febrero de 2026, y del nacimiento de su primer hijo. Incluso hay espacio para revisar el éxito de El Madrileño . 'Come Back' de Sunday,June. El quinteto hispano-suizo publica su segundo álbum, Cinema , y esta es una de las mejores canciones del mismo, en la que abordan la nostalgia y la tendencia a idealizar a quien ya no está. Con un sonido cercano al indie-rock, el grupo reflexiona sobre la dificultad de aceptar una despedida y sobre cómo, a veces, el recuerdo de una relación termina siendo más feliz que la propia realidad que la hizo fracasar. Cinema de Sunday,June Tres películas, por Javier Zurro Fotograma de 'Sacamantecas' 'Sacamantecas'. David Pérez Sañudo salta a una gran producción después de dos películas íntimas y estupendas ( Anne y Los últimos románticos ). Lo hace para abordar la historia del Sacamantecas, el primer asesino en serie de España. Pero lo hace desde el punto de vista de una mujer que investiga la muerte de su hermana, con una austeridad en la puesta en escena y elegancia en sus decisiones, y con un contexto histórico, las guerras carlistas, poco explorado en el cine español y que ofrece una violencia latente en cada plano. 'Los Miserables'. Qué envidia cómo el cine francés ha sabido ver en sus clásicos literarios la fuente perfecta para grandes producciones cinematográficas. Es una doble muestra de su poderío cultural y de su músculo industrial. Sacan pecho de sus obras maestras y las convierten en películas que arrasan en taquilla. Ojalá ver esto aquí, pero de momento nos quedamos con ver esta nueva versión del clásico de Víctor Hugo. Casi tres horas de cine clásico y académico de la mejor factura. 'Ruega por nosotras'. Las víctimas del patronato de la mujer se merecían una película, y Daniel Monzón se la ha dado. El director de Celda 211 abre las puertas de la institución que Franco creó para adoctrinar a las mujeres y hace un ejercicio de justicia y memoria histórica que cubre una cuenta pendiente del cine español.
La nueva ganadora del gran reconocimiento de las letras españolas ha realizado un encuentro con la prensa en Barcelona, donde ha explicado cómo supo la noticia y cuál fue su reacción Cristina Fernández Cubas gana el Premio Cervantes 2026 por haber “transformado la literatura fantástica” en español La escritora catalana Cristina Fernández Cubas estuvo a punto de no cogerle el teléfono a Ernest Urtasun, ministro de Cultura, cuando ayer por la tarde se puso en contacto con ella para anunciarle que es la ganadora del Premio Cervantes 2026 . No tenía el número guardado y pensó, como casi todo el mundo actualmente, que sería una petición para cambiarse de compañía telefónica o incluso una estafa. Había estado toda la mañana en el oculista y no quería que le estropeasen la película que estaba viendo, pero finalmente descolgó para que dejase de sonar. La sorpresa fue mayúscula, no podía ser de otra manera. Fernández Cubas ha contado la anécdota esta mañana en una comparecencia ante los medios en Barcelona junto a su editor en Tusquets, Juan Cerezo, que ha señalado que hoy es “un hombre muy feliz”. Este galardón está considerado como el Nobel de la literatura en castellano y está dotado con 125.000 euros, así que la alegría está plenamente justificada. La autora ha llegado a la Casa del Libro de Rambla Catalunya con gafas de sol y aún un poco estupefacta, aunque mucho menos que ayer, que estuvo como “un zombi” todo el día. Urtasun le había pedido un poco de tiempo antes de comunicar la noticia, pero su móvil empezó a sonar casi de inmediato y “se colapsó”. Está muy contenta con el premio tanto por lo que supone para sí misma como para el género del relato, que ha cultivado durante toda su carrera. “Esto puede ser un espaldarazo para todos los cuentistas, que somos como una gran familia”, ha manifestado. Cuando ella comenzó su trayectoria como escritora, el relato era un género considerado como menor y ha recordado a la editora de Tusquets Beatriz de Moura, fallecida el pasado mes de abril, por el apoyo que le mostró en sus inicios. “Se entusiasmó con el cuento y por ella pude publicar Cuadernos ínfimos (1980). Gracias a Beatriz pude ganar este premio”. La escritora Cristina Fernández Cubas posa en la librería Espasa Calpe tras una rueda de prensa por la concesión del Premio Cervantes 2026, el 4 de noviembre de 2026, en Barcelona Es la séptima mujer en ganar el Premio Cervantes, que se creó hace justo 50 años. Antes que ella lo recogieron María Zambrano (1988), Dulce María Loynaz (1992), Ana María Matute (2010), Elena Poniatowska (2013), Ida Vitale (2018) y Cristina Peri Rossi (2021). Fernández Cubas considera que las escritoras han ganado presencia en el espacio literario en los últimos años y que su posición en la lista de galardonadas es un buen augurio: “Yo soy la número siete y resulta que mi número [vital] es el siete”. También ha apuntado que antes había menos autoras, pero su reconocimiento era muy grande: “Hemos tenido excelentes escritoras como Martín Gaite o Laforet que ganaban galardones y eran primerísimas”. Aún no sabe qué dirá en su discurso de recepción del galardón, aunque, al tratarse del Cervantes, cree que hablará del Quijote, porque le encanta. A propósito de este tema, se acordó de cuando Ana María Matute, a la que describió como “divertidísima”, recibió este mismo premio. “Estábamos con Esther Tusquets y ella empezó a decir que antes prefería escribir 40 novelas, 200 ensayos, antes que ese discurso”. La mejor cuentista española El Cervantes se concede al recorrido de un autor o autora en lengua española y la trayectoria de Cristina Fernández Cubas está bien nutrida. En 2016 decidió tomarse un descanso después de ganar el Premio Nacional de Narrativa, el Premio de la Crítica, el Premio Dulce Chacón y el Premio Mandarache por La habitación de Nona . Reapareció el año pasado con una nueva recopilación de relatos bajo el título Lo que no se ve (Tusquets), en donde indaga en lo inquietante que se esconde en la realidad del día a día. Un terror silencioso que se gesta, principalmente, en las relaciones humanas. Como declaró a elDiario.es en aquel momento, le gusta moverse “en esos grises de la vida, en esos misterios cotidianos, más que en el blanco o el negro”. “Yo no creo que sea terrorífica”, ha explicado en el encuentro con los medios de esta mañana, “yo calificaría lo que yo escribo como inquietante. Si me inquieto yo, el lector se inquietará. Si yo no me inquieto o me aburro, el lector se dormirá directamente”. Asimismo, ha asegurado que no tiene “la fórmula” para escribir un buen cuento, pero sí ha sostenido que los autores de relato tienen menos margen para el error que los que se dedican a la novela. “En el cuento un párrafo malo te lo hunde. Y me siento como una artista de circo que está trabajando sin red. En el cuento cuenta tanto lo que dices como lo que te callas”. En este momento se encuentra muy implicada en la escritura y, de hecho, Cerezo ha contado que cuando la llamó para felicitarla, le respondió: “Con lo contenta que estaba yo creando cuentos, van y me dan el Cervantes”. Hubo risas con el comentario, pero la autora replicó: “Eso es verdad. Las novelas se pueden hacer esperar, pero los cuentos son como un amante infiel, si no les haces caso, se van con otra”. La escritora Cristina Fernández Cubas durante la rueda de prensa por la concesión del Premio Cervantes 2026, el 4 de noviembre de 2026, en Barcelona Solo ha escrito tres novelas a lo largo de su vida: El año de Gracia, El columpio y La puerta entreabierta , que firmó con el seudónimo Fernanda Kubbs. Las hizo porque le apetecía contar unas historias que pedían un formato largo y no volvió a practicarlo, pese a que constantemente le preguntaban cuándo publicaría otra. También abandonó el periodismo, una profesión que ejerció durante años en medios como Fotogramas, pero que acabó por dejar para dedicarse de lleno a la literatura. En el encuentro le han preguntado si se sentía como una ‘renovadora’ del género, a lo que ella respondió: “Antes de que Tusquets aceptase mis cuentos, los encontraban extraños. A mí no me lo parecía, aunque todos los comentarios eran ‘están bien escritos pero…’ y el pero es lo más importante de la frase”. Sin embargo, eso no fue necesariamente negativo, ya que confesó que el hecho de que los cuentos no tuviesen demasiada popularidad le dio “mucha libertad” en sus inicios. Su galardón llega días después de que el Ministerio de Cultura le concediera a su amigo Enrique Vila-Matas el Premio Nacional de las Letras Españolas 2026, lo que podría parecer una reivindicación de la labor de su generación. “Parece más bien una conspiración, pero no tenemos nada que ver”, expresó en tono divertido y añadió: “Me gusta mucho, podemos celebrarlo juntos”. Sin duda, ambos se lo merecen.
El artista utiliza referencias religiosas para describir su regreso a la escena musical, que lo hace con un tema junto a su grupo de rap Agorazein, con el que volverá a reunirse en el Movistar Arena de Madrid Entrevista - Alcalá Norte: “Mucha gente votará por el miedo a vivir en un mundo peor, en vez de por el deseo de vivir en uno mejor” “Resucito como Cristo / Siempre chulo, siempre listo”. Así de contundente se muestra C. Tangana en Milko Freestyle , su primera canción en más de tres años. El cantante ha publicado el tema por sorpresa esta madrugada, donde regresa a sus orígenes para mostrar su faceta más rapera. De hecho, el tema lo firma junto a Agorazein , el grupo con el que comenzó a hacerse un nombre en la escena musical madrileña y con el que se reunirá los días 15, 16, 17 y 18 de noviembre en el Movistar Arena de Madrid. La canción, de apenas dos minutos, aborda infinidad de temas que han sucedido en la vida del artista durante estos años: la muerte de un amigo, la paternidad y la reacción de la industria al lanzamiento de su aclamado álbum El Madrileño . “La mujer de mi vida con una barriga de siete meses / Tú y yo no hablamos desde hace meses”, canta el artista, que se convirtió en padre por primera vez en abril junto a su pareja, la fotógrafa chilena Rocío Aguirre. A diferencia de la relación que mantuvo con Rosalía entre 2016 y 2018, su relación con Aguirre no ha tenido apenas repercusión mediática y se ha mantenido fuera de los focos. “Y sin tiempo para asimilarlo mi niño ha nacido, y mi vida ha cambiado / Y otra vez pensando en el puto legado”, sostiene el cantante a lo largo de la canción, en la que reflexiona sobre la presión de la escena musical asegurando que “la mitad de los rappers de España” querían echarlo “a patadas del gremio”. “El rap se me que'ó pequeño y las coplas que escribo cumplieron mis sueños”, alega ahora, regresando a un estilo que marcó sus comienzos pero del que mantuvo cierta distancia en su ascenso a la fama. La canción también recuerda a Milkman (Óscar Botello), un productor, rapero y director creativo mexicano cercano a C. Tangana que falleció el 12 de febrero de 2026. “Volando pa' México mientras tú mueres / En tu funeral con cuarenta mujeres / Bailando y llorando como sé que quieres”, lamenta C. Tangana en el sencillo, haciendo referencia a algunos de los momentos que pasaron a lo largo de los días en los que Milkman estuvo hospitalizado. Asimismo, C. Tangana prepara el regreso a los escenarios con Agorazein, un colectivo de rap madrileño originado en 2011 del cual forma parte el artista junto a Sticky M.A., Jerv.AGZ y Fabianni e I-Ace. El grupo ha estado inactivo varios años desde su último álbum Siempre en 2016, pero este año habían anunciado varios conciertos para celebrar el décimo aniversario del proyecto. “AGZ es mi grupo (AGZ es mi grupo) / A mi niño le vi'a consentir, pero al resto os educo”, canta. Durante este tiempo, el artista también ha debutado en el cine dirigiendo su primera película, La guitarra flamenca de Yerai Cortés , un documental musical sobre el artista flamenco y sus traumas familiares. Esto le hizo ganar los premios Goya a la Mejor película documental y a la Mejor canción original por el tema Los almendros , compuesto junto a Yerai Cortés e interpretado por La Tania para el mismo documental. Milko Freestyle augura que durante estos años también ha estado preparando nueva música: “En Madrid vestido de civil escribiendo otro truco, otro palo, otro disco”.
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