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'Grand Theft Auto VI', el Esperpento de la Gran Novela Americana (se abre en una pestaña nueva)

El 17 de septiembre de 2013, un videojuego ingresó más de 800 millones de dólares en veinticuatro horas. Ninguna película, ningún disco y ningún libro lo había conseguido antes, y ninguno lo ha conseguido después. Aquel juego era 'GTA V': los niños que lo vieron llegar a las tiendas hoy pagan un alquiler, votan y siguen esperando a su sucesor. Esa paciencia termina el 19 de noviembre, cuando millones de personas verán, por primera vez desde dentro, el rostro de Lucía, la protagonista de 'Grand Theft Auto VI', saliendo de la celda. Eso es la superficie. Basta asomarse para empezar a caer. Primero aparece el dinero, con cifras que dejan pequeño a Hollywood. Después, una generación entera que ha crecido dentro de ciudades que no existen. Más abajo, un país que lleva un cuarto de siglo mirándose en este juego sin terminar de reconocerse, y en el fondo, donde hacemos pie, algo mucho más antiguo que los videojuegos; algo que, curiosamente, empezó a escribirse en español. Desde ahí abajo conviene formular la pregunta sin rodeos: ¿estamos ante el acontecimiento cultural de la década, y quizá del siglo que llevamos? La respuesta es afirmativa. «Va más allá de un lanzamiento: es un icono cultural que trasciende el 'gaming'», coincide Nacho de la Iglesia, Head of Projects & Insights en FLUZO, plataforma de medición cross-media basada en IA. Su anterior entrega ha superado los 9.500 millones, lo que la sitúa entre las obras de entretenimiento más lucrativas de la historia. Esta euforia por su anterior entrega puso nombre a lo que los economistas llaman 'gripe GTA': durante su primera semana en las tiendas, se estimó que un 6% de la población de entre 18 y 35 años de las grandes ciudades faltó al trabajo para poder jugar. Cinco años después, 'Red Dead Redemption 2', del mismo estudio, llevó el detalle y la ambición narrativa del medio a un nivel que la crítica comparó con la gran novela realista. Reyes Justribó, directora general de IAB Spain, asociación mundial de comunicación, publicidad y marketing digital, y presidenta de IAB Europe, ve ahí una de las grandes lecciones que el videojuego deja al resto de industrias: «la capacidad de generar expectativa» a base de revelaciones graduales que convierten un lanzamiento en un acontecimiento esperado. La influencia de la saga desborda ampliamente el terreno del juego. 'GTA V' sigue figurando entre los títulos más vendidos trece años después de su estreno, con más de 200 millones de copias. Pocas obras de este siglo pueden presumir de haber moldeado de forma tan concreta el imaginario de una generación: muchos jugadores conocen mejor Liberty City, Vice City o Los Santos que su propia ciudad. En España juegan 22,8 millones de personas, según la Asociación Española de Videojuegos, en una industria que, como resume Justribó, «no entiende de generaciones, sino de experiencias compartidas». Todo esto empezó, en cierto modo, en octubre de 2001. A pocas semanas de los atentados del 11 de septiembre, Rockstar Games retrasó el lanzamiento de 'Grand Theft Auto III ' porque su ciudad se parecía demasiado a Nueva York: retocó el aspecto de los coches de policía, cambió la portada y eliminó algunos contenidos que, de pronto, resultaban insoportables. El juego salió a la venta el 22 de octubre en una ciudad que aún olía a ceniza. Nadie podía saberlo entonces, pero aquel lanzamiento inauguraba una de las crónicas más persistentes que se han escrito sobre el siglo XXI. Desde aquel otoño, 'Grand Theft Auto' nos ha acompañado como una sombra deformada. En 2008, el año de la quiebra de Lehman Brothers, 'GTA IV' contó la historia de un inmigrante serbio que llega a Liberty City persiguiendo un sueño americano que se desmorona. En 2013, 'GTA V' convirtió la California de la crisis financiera, los gurúes tecnológicos, la vigilancia masiva y la televisión basura en un parque temático del cinismo. Cada entrega funcionaba como un corte geológico; quien quiera saber cómo se imaginaba Estados Unidos a sí mismo en cada momento del siglo encontrará en ellas un registro tan fiable como cualquier hemeroteca. Pero para entender por qué la sexta merece el título de acontecimiento cultural hay que mirar todavía más atrás, hacia una tradición más antigua que los videojuegos y que, curiosamente, pasa por Madrid. En una calle estrecha del centro de la capital española, la que los madrileños siguen llamando callejón del Gato, dos espejos deformantes cuelgan en una fachada. Son réplicas, claro; los originales, cóncavos y convexos, adornaban a comienzos del siglo XX la entrada de una ferretería, y los paseantes se detenían a verse estirados como juncos o achatados como toneles. Ramón María del Valle-Inclán convirtió estos reflejos en poética. En la escena duodécima de 'Luces de bohemia', publicada por entregas en 1920 y en libro en 1924, el poeta ciego Max Estrella le explica a Don Latino, en plena madrugada, que «los héroes clásicos reflejados en los espejos cóncavos dan el Esperpento ». Después, añade la sentencia que haría historia: «España es una deformación grotesca de la civilización europea». Propone como escapatoria sistematizar el reflejo. La deformación deja de serlo cuando está sujeta a una matemática perfecta. Ahí reside la principal diferencia entre el Esperpento y la simple caricatura. Valle-Inclán exageraba para poder visibilizar a la España de ministros venales, policías brutales, periodistas a sueldo y poetas muertos de hambre era la verdadera, despojada de la solemnidad que la disfrazaba. Reclamaba a Goya como precursor y miraba a sus personajes desde arriba, como peleles movidos por fuerzas que no entendían. Un siglo después, el Esperpento ha encontrado un heredero en el lugar menos previsible. 'Grand Theft Auto' lleva casi tres décadas construyendo un Estados Unidos sometido a ese mismo cálculo: las armas, el dinero, la televisión, la policía, los telepredicadores, la publicidad, la autopista, todo estirado hasta el límite exacto que permite que lo grotesco se vuelva, inesperadamente, revelador. El Esperpento no es la única genealogía literaria en la que 'GTA' encaja. Mucho antes, la literatura española inventó otra figura que la saga ha recorrido una y otra vez: el pícaro. El 'Lazarillo de Tormes', publicado anónimamente en 1554, y 'El Buscón', de Quevedo, en 1626, contaban el mundo desde abajo, a través de un muchacho sin linaje que sobrevive engañando a amos, clérigos y hidalgos. La novela picaresca era un recorrido episódico por una sociedad corrompida, narrado por alguien que no tenía otra moral que la supervivencia. Si sustituimos el camino de Salamanca por la Interestatal, obtenemos el esqueleto de cualquier 'Grand Theft Auto': un protagonista marginal que asciende por una escalera de encargos, cada uno de los cuales desvela un estrato de la podredumbre social. Lucía y Jason, fácilmente emparejados con Bonnie y Clyde, son también pícaros y forajidos románticos americanos, herederos del mito del atracador simpático que Hollywood fijó en 1967 con Arthur Penn. Que Lucía sea latina, la primera protagonista femenina de la saga en su era tridimensional, y que se la presente por primera vez en una cárcel, añade una capa de lectura: el mito del fugitivo devuelto a un país que encarcela a más personas por habitante que casi cualquier otro. La tradición norteamericana también tiene su propio espejo cóncavo. Mark Twain hizo de la sátira un arte nacional y Nathanael West retrató la cara perdida de Hollywood en 'El día de la langosta'. Hunter S. Thompson convirtió en 1971 un viaje a Las Vegas en una alucinación sobre el fin del sueño americano; Tom Wolfe dedicó 'La hoguera de las vanidades' a Nueva York y, en 2012, 'Bloody Miami' a la ciudad que inspira Vice City. Florida, en particular, cuenta con su propio canon: las novelas criminales de Elmore Leonard ambientadas en el sur del estado, las sátiras ecológicas de Carl Hiaasen, pobladas de políticos corruptos y especuladores inmobiliarios, y el ensayo 'Miami' que Joan Didion publicó en 1987, donde la ciudad se vestía como una capital del exilio, la conspiración y el dinero opaco. 'GTA VI' se nutre de todos. Su gran hallazgo, a juzgar por lo mostrado, es haber comprendido que la Florida del siglo XXI se cuenta a través de los teléfonos. Si las entregas anteriores parodiaban cómo Hollywood veía a Estados Unidos, la sexta parodia cómo Estados Unidos se ve a sí mismo cuando se graba sin descanso, y acoge así al 'Florida Man', el 'meme' que convierte a diario los atestados policiales del Estado en titulares estrafalarios, alimentado, en parte, por unas leyes de transparencia que hacen esos documentos inusualmente accesibles. Cuando la crítica comparó 'Red Dead Redemption 2' con la gran novela realista, no hablaba en sentido figurado. Balzac quiso contener la Francia de su tiempo en 'La comedia humana'; Galdós hizo lo mismo con Madrid en sus 'Episodios nacionales' y sus novelas contemporáneas; Joyce presumía de que Dublín podría reconstruirse a partir de 'Ulises' si la ciudad desapareciera. Los mundos de Rockstar aspiran a una totalidad semejante, pero con una diferencia radical: el lector, esta vez, es jugador. En 1868, John William de Forest acuñó una expresión que perseguiría a la literatura estadounidense durante siglo y medio: la Gran Novela Americana, aquella obra capaz de retratar el país entero con tal exactitud que cualquier ciudadano se reconociera en ella. Desde entonces se ha propuesto a 'Moby Dick'; 'Las aventuras de Huckleberry Finn'; 'El gran Gatsby'; Philip Roth llegó a titular así una novela en 1973, medio en broma, como si admitiera que era imposible. Quizá lo era para un solo autor y un solo libro. Un país así cabe, en cambio, en una obra levantada durante casi tres décadas por miles de personas. Estados Unidos lleva siglo y medio buscando el libro que lo contenga entero. Tal vez el error era buscarlo en una novela. ¿Qué le queda por exagerar al espejo cóncavo cuando la realidad ya parece una caricatura? Valle-Inclán escribía para una sociedad que todavía conservaba la pretensión de la solemnidad; el Esperpento funcionaba porque rompía una fachada. El mundo de 2026, donde la política se ha vuelto espectáculo y el espectáculo política, ofrece pocas fachadas intactas. El riesgo es que el reflejo deformado resulte indistinguible del original, y que el retratado, en lugar de avergonzarse, se reconozca, se ría y lo comparta. Precisamente aquí está la razón por la que 'GTA VI' merece el título de acontecimiento cultural del siglo. No por sus cifras, aunque probablemente las batirá todas, sino por la convergencia que encarna. En él confluyen la tradición picaresca española, el Esperpento valleinclanesco, la sátira norteamericana de Twain a Wolfe, el 'noir' de Florida y la ambición totalizadora de la gran novela del XIX, todo ello traducido al lenguaje que mejor define la experiencia del presente: el videojuego, el contenido compartido y la identidad que se elige y se manipula. Los grandes acontecimientos culturales de otras épocas tuvieron esa misma condición de cruce. Las entregas de Dickens se esperaban en los muelles de Nueva York, 'Luces de bohemia' salía por fascículos en una revista madrileña y los estrenos de las grandes sagas cinematográficas de las últimas décadas concentraron a públicos de todo el planeta en la misma fecha. «Es algo que se juega, se comparte y, además, se ve como una película», resume De la Iglesia. 'GTA VI' conseguirá que decenas de millones de personas, en Seúl, Lagos, São Paulo o Madrid, pasen cientos de horas dentro de una Florida que nunca han pisado y se formen, a partir de ella, una imagen de Estados Unidos. El espejo solo exagera lo que ya está ahí. Los paseantes de 1920 se reían de su figura estirada porque sabían que, al dar un paso atrás, recuperarían sus proporciones. Hoy ya no está tan claro dónde termina el reflejo y dónde empieza el cuerpo. Cuando Lucía cruce por fin la puerta de su celda, medio planeta se asomará a ese espejo. Conviene no olvidar que también saldremos en él.

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Duran Duran, el show de los viejos románticos con nostalgia disimulada en retinol (se abre en una pestaña nueva)

El grupo británico culmina su gira 'Free Love Tour' con un concierto en el Movistar Arena en Madrid Alcalá Norte: “Mucha gente votará por miedo a vivir en un mundo peor, en vez de por el deseo de vivir en uno mejor” ¡Piensa rápido! Escoge un país y un año al que volver siendo joven y como fan de la música pop. ¿No se te ocurre? Aquí va el mejor: Reino Unido, 1981. Ha habido pocos momentos en los que la historia de la música haya dado tantos grupos grandes y buenos a la vez. Los charts de los primeros años ochenta son un delirio: están conquistados por grupos que ahora no venderían más de dos mil entradas en su gira por capitales europeas. Pero el estilo New Romantic arrasó y, como un virus dotado de propagación masiva, maquilló los rostros, cardó los cabellos y cubrió de gasas, tules y volantes los cuerpos de incontables formaciones dentro y fuera de las islas británicas. Grandes canciones, producciones excelsas y kilos de carisma hicieron de Duran Duran, Spandau Ballet, Visage, Ultravox, Gary Numan, Culture Club, The Associates, A-ha, A Flock of Seagulls, China Crisis, Classix Nouveaux, Blancmange, The Human League, Japan, Ultravox, Talk Talk e incluso Depeche Mode algo mucho más grande que una corriente musical: el canon de la elegancia pop. Que cerca de cincuenta años después podamos ver a Duran Duran haciendo todavía buenas canciones y dando conciertos, es un privilegio. Según sus últimos discos, no es un grupo remember, ni una panda de aprovechados de la nostalgia, sino un conjunto de músicos que, aún fuera de su tiempo, consigue crear en los últimos años canciones memorables, como Last Night In the City (en 2015) o Invisible (en 2021). Además, hacía 21 años que no tocaban en Madrid. Duran Duran en directo en el Movistar Arena el 6 de noviembre de 2026 El concierto de este viernes en el Palacio de los Deportes - Madrid Arena no presenta su último disco, Danse Macabre (2023) sino que lleva por título Free to Love Tour, un single de este año y la canción que quiere ser central el show. Un precioso tema para la pista de baile, que se inscribe entre la música disco o el eurodance y que está producido por un genio del género, Nile Rodgers (74 años) de Chic. A Rodgers hay que atribuirle canciones que son monumentos bajo la bola de espejos, como Le freak. Pero en directo Free to Love no suena tan chic, ni de lejos, como en el videoclip. Simon Le Bon, Nick Rhodes, John Taylor y Roger Taylor salen al escenario con ganas y buena planta, pero hay algo artificial en la puesta en escena —acompañada de vídeos de muy baja calidad audiovisual—, un sonido sin alma, un aroma a comida precocinada, una frialdad disimulada en la repetición. Duran Duran es un grupo más que grande, grandioso, y tienen canciones para hacer set lists a la altura de su leyenda. En cambio, en este concierto, que marcaba el final de la gira Free to Love Tour, asomaban demasiadas versiones. ¿Por qué Duran Duran, con 16 discos a sus espaldas, introducen tantas versiones en el directo? Siguiendo la estela de su disco Thank You (1995), se podría decir que por generosidad y agradecimiento. Esto es loable, pero artísticamente castrante. La mejor de las versiones es la que realizan de los Yeah Yeah Yeahs, su tributo más reciente, de la canción del año 2008 Heads Will Roll. Desconozco si esta conexión es pura casualidad o malinterpretación, pero el álbum en el que está incluida, It's Blitz!, parece una alusión al club londinense en el que se fraguaron los nuevos románticos y que sin duda dio forma a los ochenta. Otra de las versiones interpretadas es el himno anticocaína White Lines (Don't Don't Do It), de Melle Mel, rapero de los míticos Grandmaster Flash and the Furious Five, una canción rap funk incorporada desde el Thank You al repertorio en directo y que abochorna más de lo que aporta, por no hablar de la lección moral, siempre poco creíble desde el mundo del espectáculo. Movistar Arena durante el concierto de Duran Duran Simon Le Bon se presenta como un gran frontman , con autoridad y decisión, como siempre ha sido, ya vista americana con palmeras de lentejuelas o camiseta. Su cara, con la que lucha contra la vejez aparente, sonríe y hace gestos propios de la flema británica, que enaltecen a la audiencia. Arranca con buena voz, pero la va perdiendo a lo largo de un set que dura algo más de dos horas, algo que quizá podrían haber reducido para cuidar las cuerdas vocales del cantante. “Beautiful España!” y “amazing Madrid!”, dice para halagar al personal, antes de tamborilear lo que podría ser un pasodoble (no está claro) y de anunciar que el batería Roger Taylor tiene una “Spanish connection” (una búsqueda en internet arroja resultados sobre su relación con Ibiza y su aprecio por el Madrid de los Austrias, pero Le Bon no acaba de aclararlo). John Taylor al bajo y Dominic 'Dom' Brown a la guitarra en Duran Duran Y, en un arranque fallido de la gran canción Ordinary World, Simon Le Bon celebra la victoria demócrata en las midterms de Estados Unidos , aunque de inmediato pregunta si no debería hablar de política, ante lo que recibe una ambigua respuesta desde la pista (algunos pitan, otros no entienden, otros callan). Como sin duda es ambigua la dedicatoria del cantante, “a toda esa gente que batalla por su vida ahora mismo”, “a todos en este mundo peleando por la vida, la paz, la felicidad y el amor en sus propios países”. Le Bon recibió un aplauso, pero su mensaje, lejos de estar comprometido, abrazaba el buenismo y lo mismo servía para Palestina que para Israel, para Ucrania que para Rusia. Sonaron los hits, por supuesto, porque para eso hemos venido. Un arranque potente con dos temazos como Is There Something I Should Know? y The WIld Boys. Un Hungry Like the Wolf , un The Reflex , un Notorius y un Rio para terminar. La fantástica Girls on Film, de lo mejor de su repertorio, en cambio, queda diluida al enlazarse con otra versión, Psycho Killer de Talking Heads, que estando hoy tan reivindicada suena del todo innecesaria. Con Girls On Film, Nick Rhodes —quien por cierto está espectacular, con sus sombreras en forma de asombro, a sus 64— saca su cámara de fotos y toma instantáneas del público, como este ha estado haciendo de él toda la noche —quizá de manera obsesiva, d ónde estás Placebo cuando se te necesita —, y el concierto va llegando a su fin. La pista, partida vergonzosamente en dos para sacar más dinero a los que están por delante (¿cuándo van a dejar los grupos de hacer esta práctica tan abusiva?) va notando que la noche se acaba. Antes de Save a Prayer, para el bis, pide Le Bon que brille el “movie star arena”, quizá la forma más bonita, a pesar del patrocinio, en la que nadie ha llamado a nuestro viejo Palacio de los Deportes del Barrio de Salamanca. Los asistentes sacan obedientes sus teléfonos y encienden las linternas, cantan “And the lights are flashing on your window sill / All alone ain't much fun”. Y así es, la vida en solitario no es tan divertida. Y los conciertos, aún cubiertos de retinol y nostalgia, hacen la vida más divertida cuando la ilusión de volver juntos a Reino Unido, 1981, es compartida.

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'Grand Theft Auto VI', el Esperpento de la Gran Novela Americana (se abre en una pestaña nueva)

El 17 de septiembre de 2013, un videojuego ingresó más de 800 millones de dólares en veinticuatro horas. Ninguna película, ningún disco y ningún libro lo había conseguido antes, y ninguno lo ha conseguido después. Aquel juego era 'GTA V': los niños que lo vieron llegar a las tiendas hoy pagan un alquiler, votan y siguen esperando a su sucesor. Esa paciencia termina el 19 de noviembre, cuando millones de personas verán, por primera vez desde dentro, el rostro de Lucía, la protagonista de 'Grand Theft Auto VI', saliendo de la celda. Eso es la superficie. Basta asomarse para empezar a caer. Primero aparece el dinero, con cifras que dejan pequeño a Hollywood. Después, una generación entera que ha crecido dentro de ciudades que no existen. Más abajo, un país que lleva un cuarto de siglo mirándose en este juego sin terminar de reconocerse, y en el fondo, donde hacemos pie, algo mucho más antiguo que los videojuegos; algo que, curiosamente, empezó a escribirse en español. Desde ahí abajo conviene formular la pregunta sin rodeos: ¿estamos ante el acontecimiento cultural de la década, y quizá del siglo que llevamos? La respuesta es afirmativa. «Va más allá de un lanzamiento: es un icono cultural que trasciende el 'gaming'», coincide Nacho de la Iglesia, Head of Projects & Insights en FLUZO, plataforma de medición cross-media basada en IA. Su anterior entrega ha superado los 9.500 millones, lo que la sitúa entre las obras de entretenimiento más lucrativas de la historia. Esta euforia por su anterior entrega puso nombre a lo que los economistas llaman 'gripe GTA': durante su primera semana en las tiendas, se estimó que un 6% de la población de entre 18 y 35 años de las grandes ciudades faltó al trabajo para poder jugar. Cinco años después, 'Red Dead Redemption 2', del mismo estudio, llevó el detalle y la ambición narrativa del medio a un nivel que la crítica comparó con la gran novela realista. Reyes Justribó, directora general de IAB Spain, asociación mundial de comunicación, publicidad y marketing digital, y presidenta de IAB Europe, ve ahí una de las grandes lecciones que el videojuego deja al resto de industrias: «la capacidad de generar expectativa» a base de revelaciones graduales que convierten un lanzamiento en un acontecimiento esperado. La influencia de la saga desborda ampliamente el terreno del juego. 'GTA V' sigue figurando entre los títulos más vendidos trece años después de su estreno, con más de 200 millones de copias. Pocas obras de este siglo pueden presumir de haber moldeado de forma tan concreta el imaginario de una generación: muchos jugadores conocen mejor Liberty City, Vice City o Los Santos que su propia ciudad. En España juegan 22,8 millones de personas, según la Asociación Española de Videojuegos, en una industria que, como resume Justribó, «no entiende de generaciones, sino de experiencias compartidas». Todo esto empezó, en cierto modo, en octubre de 2001. A pocas semanas de los atentados del 11 de septiembre, Rockstar Games retrasó el lanzamiento de 'Grand Theft Auto III ' porque su ciudad se parecía demasiado a Nueva York: retocó el aspecto de los coches de policía, cambió la portada y eliminó algunos contenidos que, de pronto, resultaban insoportables. El juego salió a la venta el 22 de octubre en una ciudad que aún olía a ceniza. Nadie podía saberlo entonces, pero aquel lanzamiento inauguraba una de las crónicas más persistentes que se han escrito sobre el siglo XXI. Desde aquel otoño, 'Grand Theft Auto' nos ha acompañado como una sombra deformada. En 2008, el año de la quiebra de Lehman Brothers, 'GTA IV' contó la historia de un inmigrante serbio que llega a Liberty City persiguiendo un sueño americano que se desmorona. En 2013, 'GTA V' convirtió la California de la crisis financiera, los gurúes tecnológicos, la vigilancia masiva y la televisión basura en un parque temático del cinismo. Cada entrega funcionaba como un corte geológico; quien quiera saber cómo se imaginaba Estados Unidos a sí mismo en cada momento del siglo encontrará en ellas un registro tan fiable como cualquier hemeroteca. Pero para entender por qué la sexta merece el título de acontecimiento cultural hay que mirar todavía más atrás, hacia una tradición más antigua que los videojuegos y que, curiosamente, pasa por Madrid. En una calle estrecha del centro de la capital española, la que los madrileños siguen llamando callejón del Gato, dos espejos deformantes cuelgan en una fachada. Son réplicas, claro; los originales, cóncavos y convexos, adornaban a comienzos del siglo XX la entrada de una ferretería, y los paseantes se detenían a verse estirados como juncos o achatados como toneles. Ramón María del Valle-Inclán convirtió estos reflejos en poética. En la escena duodécima de 'Luces de bohemia', publicada por entregas en 1920 y en libro en 1924, el poeta ciego Max Estrella le explica a Don Latino, en plena madrugada, que «los héroes clásicos reflejados en los espejos cóncavos dan el Esperpento ». Después, añade la sentencia que haría historia: «España es una deformación grotesca de la civilización europea». Propone como escapatoria sistematizar el reflejo. La deformación deja de serlo cuando está sujeta a una matemática perfecta. Ahí reside la principal diferencia entre el Esperpento y la simple caricatura. Valle-Inclán exageraba para poder visibilizar a la España de ministros venales, policías brutales, periodistas a sueldo y poetas muertos de hambre era la verdadera, despojada de la solemnidad que la disfrazaba. Reclamaba a Goya como precursor y miraba a sus personajes desde arriba, como peleles movidos por fuerzas que no entendían. Un siglo después, el Esperpento ha encontrado un heredero en el lugar menos previsible. 'Grand Theft Auto' lleva casi tres décadas construyendo un Estados Unidos sometido a ese mismo cálculo: las armas, el dinero, la televisión, la policía, los telepredicadores, la publicidad, la autopista, todo estirado hasta el límite exacto que permite que lo grotesco se vuelva, inesperadamente, revelador. El Esperpento no es la única genealogía literaria en la que 'GTA' encaja. Mucho antes, la literatura española inventó otra figura que la saga ha recorrido una y otra vez: el pícaro. El 'Lazarillo de Tormes', publicado anónimamente en 1554, y 'El Buscón', de Quevedo, en 1626, contaban el mundo desde abajo, a través de un muchacho sin linaje que sobrevive engañando a amos, clérigos y hidalgos. La novela picaresca era un recorrido episódico por una sociedad corrompida, narrado por alguien que no tenía otra moral que la supervivencia. Si sustituimos el camino de Salamanca por la Interestatal, obtenemos el esqueleto de cualquier 'Grand Theft Auto': un protagonista marginal que asciende por una escalera de encargos, cada uno de los cuales desvela un estrato de la podredumbre social. Lucía y Jason, fácilmente emparejados con Bonnie y Clyde, son también pícaros y forajidos románticos americanos, herederos del mito del atracador simpático que Hollywood fijó en 1967 con Arthur Penn. Que Lucía sea latina, la primera protagonista femenina de la saga en su era tridimensional, y que se la presente por primera vez en una cárcel, añade una capa de lectura: el mito del fugitivo devuelto a un país que encarcela a más personas por habitante que casi cualquier otro. La tradición norteamericana también tiene su propio espejo cóncavo. Mark Twain hizo de la sátira un arte nacional y Nathanael West retrató la cara perdida de Hollywood en 'El día de la langosta'. Hunter S. Thompson convirtió en 1971 un viaje a Las Vegas en una alucinación sobre el fin del sueño americano; Tom Wolfe dedicó 'La hoguera de las vanidades' a Nueva York y, en 2012, 'Bloody Miami' a la ciudad que inspira Vice City. Florida, en particular, cuenta con su propio canon: las novelas criminales de Elmore Leonard ambientadas en el sur del estado, las sátiras ecológicas de Carl Hiaasen, pobladas de políticos corruptos y especuladores inmobiliarios, y el ensayo 'Miami' que Joan Didion publicó en 1987, donde la ciudad se vestía como una capital del exilio, la conspiración y el dinero opaco. 'GTA VI' se nutre de todos. Su gran hallazgo, a juzgar por lo mostrado, es haber comprendido que la Florida del siglo XXI se cuenta a través de los teléfonos. Si las entregas anteriores parodiaban cómo Hollywood veía a Estados Unidos, la sexta parodia cómo Estados Unidos se ve a sí mismo cuando se graba sin descanso, y acoge así al 'Florida Man', el 'meme' que convierte a diario los atestados policiales del Estado en titulares estrafalarios, alimentado, en parte, por unas leyes de transparencia que hacen esos documentos inusualmente accesibles. Cuando la crítica comparó 'Red Dead Redemption 2' con la gran novela realista, no hablaba en sentido figurado. Balzac quiso contener la Francia de su tiempo en 'La comedia humana'; Galdós hizo lo mismo con Madrid en sus 'Episodios nacionales' y sus novelas contemporáneas; Joyce presumía de que Dublín podría reconstruirse a partir de 'Ulises' si la ciudad desapareciera. Los mundos de Rockstar aspiran a una totalidad semejante, pero con una diferencia radical: el lector, esta vez, es jugador. En 1868, John William de Forest acuñó una expresión que perseguiría a la literatura estadounidense durante siglo y medio: la Gran Novela Americana, aquella obra capaz de retratar el país entero con tal exactitud que cualquier ciudadano se reconociera en ella. Desde entonces se ha propuesto a 'Moby Dick'; 'Las aventuras de Huckleberry Finn'; 'El gran Gatsby'; Philip Roth llegó a titular así una novela en 1973, medio en broma, como si admitiera que era imposible. Quizá lo era para un solo autor y un solo libro. Un país así cabe, en cambio, en una obra levantada durante casi tres décadas por miles de personas. Estados Unidos lleva siglo y medio buscando el libro que lo contenga entero. Tal vez el error era buscarlo en una novela. ¿Qué le queda por exagerar al espejo cóncavo cuando la realidad ya parece una caricatura? Valle-Inclán escribía para una sociedad que todavía conservaba la pretensión de la solemnidad; el Esperpento funcionaba porque rompía una fachada. El mundo de 2026, donde la política se ha vuelto espectáculo y el espectáculo política, ofrece pocas fachadas intactas. El riesgo es que el reflejo deformado resulte indistinguible del original, y que el retratado, en lugar de avergonzarse, se reconozca, se ría y lo comparta. Precisamente aquí está la razón por la que 'GTA VI' merece el título de acontecimiento cultural del siglo. No por sus cifras, aunque probablemente las batirá todas, sino por la convergencia que encarna. En él confluyen la tradición picaresca española, el Esperpento valleinclanesco, la sátira norteamericana de Twain a Wolfe, el 'noir' de Florida y la ambición totalizadora de la gran novela del XIX, todo ello traducido al lenguaje que mejor define la experiencia del presente: el videojuego, el contenido compartido y la identidad que se elige y se manipula. Los grandes acontecimientos culturales de otras épocas tuvieron esa misma condición de cruce. Las entregas de Dickens se esperaban en los muelles de Nueva York, 'Luces de bohemia' salía por fascículos en una revista madrileña y los estrenos de las grandes sagas cinematográficas de las últimas décadas concentraron a públicos de todo el planeta en la misma fecha. «Es algo que se juega, se comparte y, además, se ve como una película», resume De la Iglesia. 'GTA VI' conseguirá que decenas de millones de personas, en Seúl, Lagos, São Paulo o Madrid, pasen cientos de horas dentro de una Florida que nunca han pisado y se formen, a partir de ella, una imagen de Estados Unidos. El espejo solo exagera lo que ya está ahí. Los paseantes de 1920 se reían de su figura estirada porque sabían que, al dar un paso atrás, recuperarían sus proporciones. Hoy ya no está tan claro dónde termina el reflejo y dónde empieza el cuerpo. Cuando Lucía cruce por fin la puerta de su celda, medio planeta se asomará a ese espejo. Conviene no olvidar que también saldremos en él.

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Hace 10 h

Radiografía de La Mostra 2026 (2º parte): algo asoma en un nuevo horizonte (se abre en una pestaña nueva)

VALÈNCIA. Para qué sirve el cine es una pregunta trampa, pero a veces tiene respuesta. En un momento y en un lugar, sobre todo. Por ejemplo, un festival de cine actual, que recoge las preocupaciones y los deseos de un grupo de cineastas heterogéneos pero que reflejan una tendencia cultural. Tal y como avanzaba la primera parte de la radiografía de la Sección Oficial, La Mostra de València 2026 podría ser, en un Sección Oficial, una especie de catálogo de vuelta a las raíces, con sus problemas y potencialidades. Cine Radiografía de La Mostra 2026 (1º parte): políticas y poéticas de las raíces Álvaro Devís En un sentido más explícito está muy presente en Hear the Yellow , de Banu Sıvacı , en el que Suna, una música que vuelve a su pueblo natal en busca de respuestas sobre la muerte de su hermana. Concretamente, busca la confesión de una persona que podría estar relacionada con ella pero que ahora sufre de demencia. La enfermedad y los animales sirven como dos pilares metafóricos y muy interesantes de la película. Los dos hablan del tiempo. Uno, de lo que, invetiblemente, se pierde en él: cada segundo cuenta, cada exilio y cada silencio conlleva amnesia. Dos, el tiempo que no se pasa, el descuido, que por omisión, genera violencia. Hear the Yellow acierta en sus intuiciones pero se pierde en el peso de sus diálogos, que acaban retorciendo tanto la trama que se acaba perdiendo en su tramo final. - Otra vuelta a la casa sería Honey Bunny , de Igor Jelinović , que cuenta como Tonina, harta de ser la única cuidadora de su madre de 90 años, se apropia de una casa familiar en una isla croata. El argumento sirve, en realidad, como reunión y catarsis familiar. Se trata de una de esas comedias más visibles en los festivales de cine, esas que vienen bien o mal envenenadas por el drama. En este caso, el resultado es muy positivo. El punto de visto no acaba siendo tanto un ajuste de cuentas sobre el pasado, sino un punto de encuentro que habla del presente y del futuro. De fondo, además, cada personalidad hace aflorar las costuras de los deseos contemporáneos, como el de la rentabilidad de las propiedades inmobiliarias familiares, tan de actualidad en esta semana. A veces el film puede parecer no avanzar, o que la lectura desde la butaca va más rápida que el propio avance del film, pero es de valorar una película que podría quedar como un mero feel-good film tenga tantas aristas críticas. - My father’s scent , de Mohamed Siam , también tiene este espíritu catártico. Farouk se tiene que hacer cargo de su padre, Omar, una sola noche. Pero es la noche posterior a que Omar haya despertado de un coma; es también la noche en la que Farouk se encuentra con todos sus demonios. Un día juntos que acaba desvelenado, no solo las tensiones padre-hijo, sino los fantasmas que acarrean individualmente y que acaban imprimiendo en el otro. Mohamed Siam podría haberse ceñido a una película teatral de pocos escenarios, pero complejiza su uso del tiempo y del espacio, y usa las elipsis con destreza. Precisamente, hay una duda que me recorre tras el visionado, de si es un aspecto positivo y negativo: el uso de una puesta en escena muy extendida en el cine occidental, que casi podríamos llamar ‘un estilo A24’ (con el uso del grano, la composición de algunos planos, del uso acentuado del zoom in, etc.) En ojo queda muy bien, en cabeza, resuena la pregunta: ¿Es este estilo una manera de contar la historia de manera audaz y novedosa, o es una mirada que se acomoda al público occidental y que, precisamente, se aleja de la esencia de una cinematografía? - Y dos sencillas sorpresas. Por un lado, Calle de los Ángeles , de Silvia Rey , una ficcionalización del tortuoso proyecto de rehabilitación de una casa en ruinas en el barrio del Cabanyal. El film prometía servir como radiografía de la última década de una de las zonas más calientes de la ciudad, ¡pero es mucho más! A pesar de cierta reiteración en su forma, la película consigue hablar, no solo del urbanismo o de la sociología, sino de las propias contradicciones de la dimensión aspirancional de la propiedad, o la simplificación de las relaciones vecinales a las que aboca la burocratización de la vida. Cuenta el final de la película que el edificio sigue rehabilitado y la película tenía que terminar, así que acaba grabando dos finales alternativos, algo abruptos. Y tiene algo de eso en realidad la película, la sensación de que es un primer paso a algo, pero para el público valenciano, este aspecto no le hace perder un ápice de potencia. Hay ganas de catarsis al hablar de nuestros barrios. - Por otro lado, Shana , una propuesta francesa Lila Pinell . La protagonista no solo toma el título de la película sino una presencia hipnótica. Un guion afinado y equilibrado y una interpretación a la altura hacen que la película funcione con una extraña ligereza. Extraña porque, en realidad, plantea muchísimas cuestiones que pueden atravesar la vida de una joven de clase popular en una metrópolis. ¿Es Shana arquetípica? Sí, pero sin llegar nunca a la caricatura. El film cuenta su día a día, su serie de catastróficas desdichas, su calvario personal, lleno de malas decisiones pero también violencias sistémicas e invisibles. De hecho, también es extraña la película porque el pilar que más flojea es, precisamente, en el que parece querer apoyarse más, que es la relación de maltrato de su novio exconvicto. Shana es mucho más que eso, y hace bien Pinell en mantener esa cuestión solo como un runrún. Cuanto más agencia y más cámara tiene su personaje principal, mejor es la historia.

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Hace 6 días

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Duran Duran, el show de los viejos románticos con nostalgia disimulada en retinol (se abre en una pestaña nueva)

El grupo británico culmina su gira 'Free Love Tour' con un concierto en el Movistar Arena en Madrid Alcalá Norte: “Mucha gente votará por miedo a vivir en un mundo peor, en vez de por el deseo de vivir en uno mejor” ¡Piensa rápido! Escoge un país y un año al que volver siendo joven y como fan de la música pop. ¿No se te ocurre? Aquí va el mejor: Reino Unido, 1981. Ha habido pocos momentos en los que la historia de la música haya dado tantos grupos grandes y buenos a la vez. Los charts de los primeros años ochenta son un delirio: están conquistados por grupos que ahora no venderían más de dos mil entradas en su gira por capitales europeas. Pero el estilo New Romantic arrasó y, como un virus dotado de propagación masiva, maquilló los rostros, cardó los cabellos y cubrió de gasas, tules y volantes los cuerpos de incontables formaciones dentro y fuera de las islas británicas. Grandes canciones, producciones excelsas y kilos de carisma hicieron de Duran Duran, Spandau Ballet, Visage, Ultravox, Gary Numan, Culture Club, The Associates, A-ha, A Flock of Seagulls, China Crisis, Classix Nouveaux, Blancmange, The Human League, Japan, Ultravox, Talk Talk e incluso Depeche Mode algo mucho más grande que una corriente musical: el canon de la elegancia pop. Que cerca de cincuenta años después podamos ver a Duran Duran haciendo todavía buenas canciones y dando conciertos, es un privilegio. Según sus últimos discos, no es un grupo remember, ni una panda de aprovechados de la nostalgia, sino un conjunto de músicos que, aún fuera de su tiempo, consigue crear en los últimos años canciones memorables, como Last Night In the City (en 2015) o Invisible (en 2021). Además, hacía 21 años que no tocaban en Madrid. Duran Duran en directo en el Movistar Arena el 6 de noviembre de 2026 El concierto de este viernes en el Palacio de los Deportes - Madrid Arena no presenta su último disco, Danse Macabre (2023) sino que lleva por título Free to Love Tour, un single de este año y la canción que quiere ser central el show. Un precioso tema para la pista de baile, que se inscribe entre la música disco o el eurodance y que está producido por un genio del género, Nile Rodgers (74 años) de Chic. A Rodgers hay que atribuirle canciones que son monumentos bajo la bola de espejos, como Le freak. Pero en directo Free to Love no suena tan chic, ni de lejos, como en el videoclip. Simon Le Bon, Nick Rhodes, John Taylor y Roger Taylor salen al escenario con ganas y buena planta, pero hay algo artificial en la puesta en escena —acompañada de vídeos de muy baja calidad audiovisual—, un sonido sin alma, un aroma a comida precocinada, una frialdad disimulada en la repetición. Duran Duran es un grupo más que grande, grandioso, y tienen canciones para hacer set lists a la altura de su leyenda. En cambio, en este concierto, que marcaba el final de la gira Free to Love Tour, asomaban demasiadas versiones. ¿Por qué Duran Duran, con 16 discos a sus espaldas, introducen tantas versiones en el directo? Siguiendo la estela de su disco Thank You (1995), se podría decir que por generosidad y agradecimiento. Esto es loable, pero artísticamente castrante. La mejor de las versiones es la que realizan de los Yeah Yeah Yeahs, su tributo más reciente, de la canción del año 2008 Heads Will Roll. Desconozco si esta conexión es pura casualidad o malinterpretación, pero el álbum en el que está incluida, It's Blitz!, parece una alusión al club londinense en el que se fraguaron los nuevos románticos y que sin duda dio forma a los ochenta. Otra de las versiones interpretadas es el himno anticocaína White Lines (Don't Don't Do It), de Melle Mel, rapero de los míticos Grandmaster Flash and the Furious Five, una canción rap funk incorporada desde el Thank You al repertorio en directo y que abochorna más de lo que aporta, por no hablar de la lección moral, siempre poco creíble desde el mundo del espectáculo. Movistar Arena durante el concierto de Duran Duran Simon Le Bon se presenta como un gran frontman , con autoridad y decisión, como siempre ha sido, ya vista americana con palmeras de lentejuelas o camiseta. Su cara, con la que lucha contra la vejez aparente, sonríe y hace gestos propios de la flema británica, que enaltecen a la audiencia. Arranca con buena voz, pero la va perdiendo a lo largo de un set que dura algo más de dos horas, algo que quizá podrían haber reducido para cuidar las cuerdas vocales del cantante. “Beautiful España!” y “amazing Madrid!”, dice para halagar al personal, antes de tamborilear lo que podría ser un pasodoble (no está claro) y de anunciar que el batería Roger Taylor tiene una “Spanish connection” (una búsqueda en internet arroja resultados sobre su relación con Ibiza y su aprecio por el Madrid de los Austrias, pero Le Bon no acaba de aclararlo). John Taylor al bajo y Dominic 'Dom' Brown a la guitarra en Duran Duran Y, en un arranque fallido de la gran canción Ordinary World, Simon Le Bon celebra la victoria demócrata en las midterms de Estados Unidos , aunque de inmediato pregunta si no debería hablar de política, ante lo que recibe una ambigua respuesta desde la pista (algunos pitan, otros no entienden, otros callan). Como sin duda es ambigua la dedicatoria del cantante, “a toda esa gente que batalla por su vida ahora mismo”, “a todos en este mundo peleando por la vida, la paz, la felicidad y el amor en sus propios países”. Le Bon recibió un aplauso, pero su mensaje, lejos de estar comprometido, abrazaba el buenismo y lo mismo servía para Palestina que para Israel, para Ucrania que para Rusia. Sonaron los hits, por supuesto, porque para eso hemos venido. Un arranque potente con dos temazos como Is There Something I Should Know? y The WIld Boys. Un Hungry Like the Wolf , un The Reflex , un Notorius y un Rio para terminar. La fantástica Girls on Film, de lo mejor de su repertorio, en cambio, queda diluida al enlazarse con otra versión, Psycho Killer de Talking Heads, que estando hoy tan reivindicada suena del todo innecesaria. Con Girls On Film, Nick Rhodes —quien por cierto está espectacular, con sus sombreras en forma de asombro, a sus 64— saca su cámara de fotos y toma instantáneas del público, como este ha estado haciendo de él toda la noche —quizá de manera obsesiva, d ónde estás Placebo cuando se te necesita —, y el concierto va llegando a su fin. La pista, partida vergonzosamente en dos para sacar más dinero a los que están por delante (¿cuándo van a dejar los grupos de hacer esta práctica tan abusiva?) va notando que la noche se acaba. Antes de Save a Prayer, para el bis, pide Le Bon que brille el “movie star arena”, quizá la forma más bonita, a pesar del patrocinio, en la que nadie ha llamado a nuestro viejo Palacio de los Deportes del Barrio de Salamanca. Los asistentes sacan obedientes sus teléfonos y encienden las linternas, cantan “And the lights are flashing on your window sill / All alone ain't much fun”. Y así es, la vida en solitario no es tan divertida. Y los conciertos, aún cubiertos de retinol y nostalgia, hacen la vida más divertida cuando la ilusión de volver juntos a Reino Unido, 1981, es compartida.

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Hace 7 días

La Paella Rusa: ¡Vuelve el wokismo, vuelve la ilusión! (se abre en una pestaña nueva)

¿Notáis algo en el aire? ¿Habéis escuchado algún murmullo por las esquinas? ¿Algún runrún entre los árboles? Efectivamente, es cierto: el wokismo está oficialmente de vuelta. Bueno, al menos en Estados Unidos, donde las recientes elecciones de medio mandato (o midterms, si quieres jugar a ser politólogo) le han dado una buena victoria al Partido Demócrata a base de candidatos que no son (atención)... ¡hombres heteros blancos ricos! Hay mujeres, hay personas racializadas, hay personas no heterosexuales… ¡y mucha más diversidad! La dictadura woke regresa con más ilusión que nunca a ese lado del Atlántico. Centrándonos en el lado de acá, nos encontramos con la dimisión de Óscar Puente. Comentamos los tiempos y circunstancias de su renuncia y los efectos que esta decisión puede tener (o no) en el resultado electoral del próximo 29 de noviembre. En esta ocasión tenemos dos vías por las que habéis podido estar haciéndole el juego a la ultraderecha: una tiene que ver con el culebrón de la librería Pérgamo y la otra con la propia dimisión de Óscar Puente. Tendréis que escuchar el programa para saber si sois culpables del advenimiento del fascismo o no. Por supuesto, nos asomamos de nuevo al minuto y resultado de la liga de fútbol de octava regional del borrego trotador. ¡Y anunciamos un directo preelectoral! Abordaremos la recta final de una campaña electoral terrorífica con un nuevo episodio con público el miércoles 25 de noviembre a las 18 h en La Fábrica de Hielo (calle José Ballester Gozalvo, 37, El Cabanyal, València). Como es costumbre, La Paella Rusa cierra el programa con su recomendación cultural semanal. Esta vez hablamos de Francia, la Unión Soviética y traumas familiares. Lo hacemos con Koljós, de Emmanuel Carrère (Anagrama, 2026). ¡Dentro sinopsis! “Koljós es el libro más íntimo de Emmanuel Carrère: un apasionante relato familiar que arranca con el funeral de Estado de su madre, Hélène Carrère d’Encausse, figura mayor de la vida intelectual francesa, primera mujer al frente de la Academia y reconocida autoridad en el estudio de la historia rusa. Su muerte en 2023 impulsará al autor a revisar una colección de archivos, cartas y fotografías que su padre había recopilado a lo largo de su vida, y que constituyen el punto de partida de esta investigación: una genealogía, profundamente entrelazada con algunos de los grandes conflictos del siglo XX, que va de Tiflis a París, de la Rusia prerrevolucionaria a la Ucrania actual. Carrère reconstruye así el recorrido de sus bisabuelos, los Zurabishvili, burgueses ilustrados que se exiliaron de Georgia tras la Revolución bolchevique; al errático abuelo Georges, marcado por la pobreza, el derrotismo y una colaboración con los ocupantes alemanes nunca del todo esclarecida; y, sobre todo, la ascensión imparable de Hélène, brillante, severa, rigurosa y a menudo impenetrable; personalidad legendaria y polémica cuyo legado y complejidad condicionan a quienes la rodean. También redescubre la discreta figura de su padre, Louis, un personaje apacible y humilde siempre a la sombra de Hélène, que ofrece un contrapunto afectivo a la austeridad materna. La nueva novela de Emmanuel Carrère, ganadora del Premio Médicis y del Premio Grand Continent en 2025, se mueve entre la historia familiar y la historia con mayúsculas y ofrece un retrato preciso de la Europa del pasado y presente siglo. Pero, sobre todo, es una confrontación con la memoria de la figura materna vista con la habitual mezcla de exactitud, empatía y lucidez del autor. Una confrontación que revela las aristas públicas y privadas de Hélène Carrère, pero también el profundo amor y reconocimiento de su hijo por todo lo que le debe”.

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