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Las huelgas y las movilizaciones laborales han marcado algunos de los acontecimientos más importantes de la historia contemporánea. Esta semana, la huelga general celebrada en España ha vuelto a situar las reivindicaciones de los trabajadores en el centro del debate público. Sin embargo, estas protestas no solo han ocupado las calles, las fábricas y los informativos. El cine también ha convertido la lucha obrera en protagonista de algunas de sus películas más reconocidas. Desde historias inspiradas en acontecimientos reales hasta relatos sobre el desempleo y la precariedad, numerosas producciones han reflejado las dificultades de quienes luchan por conservar sus puestos de trabajo. Algunas son conocidas por millones de espectadores, aunque no todos recuerdan los conflictos laborales que esconden sus argumentos. Estas son seis películas sobre huelgas, trabajadores y derechos laborales que permiten descubrir diferentes episodios históricos a través de la gran pantalla. Ver esta publicación en Instagram Una publicación compartida de Revista Bando (@revistabando) Billy Elliot (2000): un sueño en plena huelga minera Dirigida por Stephen Daldry y protagonizada por Jamie Bell, Billy Elliot cuenta la historia de un niño de once años que descubre su pasión por el ballet en una comunidad minera del noreste de Inglaterra. La película transcurre durante la gran huelga de los mineros británicos de 1984 y 1985, uno de los conflictos laborales más importantes del Gobierno de Margaret Thatcher. Mientras Billy intenta convertirse en bailarín, su padre y su hermano participan en las movilizaciones contra el cierre de explotaciones mineras. La falta de ingresos, los enfrentamientos con la Policía y las tensiones familiares forman parte del escenario en el que el protagonista intenta perseguir su sueño. Así, la película combina una historia de superación personal con el retrato de una comunidad amenazada por la desaparición de su principal actividad económica. Vitoria, 3 de marzo (2019): la huelga que terminó con cinco trabajadores muertos Dirigida por Víctor Cabaco, Vitoria, 3 de marzo reconstruye uno de los episodios más trágicos de la Transición española. El 3 de marzo de 1976, miles de trabajadores participaron en una jornada de huelga en Vitoria. Durante una asamblea celebrada en la iglesia de San Francisco de Asís, la Policía Armada intervino para desalojar el templo. La actuación policial terminó con cinco trabajadores muertos y numerosos heridos. La película recrea aquellos acontecimientos a través de Begoña, una joven que presencia cómo la conflictividad laboral transforma su ciudad. El largometraje permite acercarse a las reivindicaciones obreras de una España que comenzaba su transición hacia la democracia, pero en la que todavía permanecían estructuras represivas heredadas de la dictadura. El efecto Iguazú (2002): los trabajadores que acamparon en Madrid En 2001, los empleados de esta empresa de telecomunicaciones instalaron un campamento en el paseo de la Castellana de Madrid para protestar por la pérdida de sus puestos de trabajo y exigir soluciones a su situación. El asentamiento, conocido como el Campamento de la Esperanza, se mantuvo durante meses y se convirtió en uno de los símbolos de las movilizaciones laborales de comienzos de...
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VALÈNCIA. Para qué sirve es una pregunta trampa, pero a veces tiene respuesta. En un momento y en un lugar, sobre todo. Por ejemplo, un festival de cine actual, que recoge las preocupaciones y los deseos de un grupo de cineastas heterogéneos pero que reflejan una tendencia cultural. Tal y como avanzaba la primera parte de la radiografía de la Sección Oficial, La Mostra de València 2026 podría ser, en un Sección Oficial, una especie de catálogo de vuelta a las raíces, con sus problemas y potencialidades. Cine Radiografía de La Mostra 2026 (1º parte): políticas y poéticas de las raíces Álvaro Devís En un sentido más explícito está muy presente en Hear the Yellow , de Banu Sıvacı , en el que Suna, una música que vuelve a su pueblo natal en busca de respuestas sobre la muerte de su hermana. Concretamente, busca la confesión de una persona que podría estar relacionada con ella pero que ahora sufre de demencia. La enfermedad y los animales sirven como dos pilares metafóricos y muy interesantes de la película. Los dos hablan del tiempo. Uno, de lo que, invetiblemente, se pierde en él: cada segundo cuenta, cada exilio y cada silencio conlleva amnesia. Dos, el tiempo que no se pasa, el descuido, que por omisión, genera violencia. Hear the Yellow acierta en sus intuiciones pero se pierde en el peso de sus diálogos, que acaban retorciendo tanto la trama que se acaba perdiendo en su tramo final. - Otra vuelta a la casa sería Honey Bunny , de Igor Jelinović , que cuenta como Tonina, harta de ser la única cuidadora de su madre de 90 años, se apropia de una casa familiar en una isla croata. El argumento sirve, en realidad, como reunión y catarsis familiar. Se trata de una de esas comedias más visibles en los festivales de cine, esas que vienen bien o mal envenenadas por el drama. En este caso, el resultado es muy positivo. El punto de visto no acaba siendo tanto un ajuste de cuentas sobre el pasado, sino un punto de encuentro que habla del presente y del futuro. De fondo, además, cada personalidad hace aflorar las costuras de los deseos contemporáneos, como el de la rentabilidad de las propiedades inmobiliarias familiares, tan de actualidad en esta semana. A veces el film puede parecer no avanzar, o que la lectura desde la butaca va más rápida que el propio avance del film, pero es de valorar una película que podría quedar como un mero feel-good film tenga tantas aristas críticas. - My father’s scent , de Mohamed Siam , también tiene este espíritu catártico. Farouk se tiene que hacer cargo de su padre, Omar, una sola noche. Pero es la noche posterior a que Omar haya despertado de un coma; es también la noche en la que Farouk se encuentra con todos sus demonios. Un día juntos que acaba desvelenado, no solo las tensiones padre-hijo, sino los fantasmas que acarrean individualmente y que acaban imprimiendo en el otro. Mohamed Siam podría haberse ceñido a una película teatral de pocos escenarios, pero complejiza su uso del tiempo y del espacio, y usa las elipsis con destreza. Precisamente, hay una duda que me recorre tras el visionado, de si es un aspecto positivo y negativo: el uso de una puesta en escena muy extendida en el cine occidental, que casi podríamos llamar ‘un estilo A24’ (con el uso del grano, la composición de algunos planos, del uso acentuado del zoom in, etc.) En ojo queda muy bien, en cabeza, resuena la pregunta: ¿Es este estilo una manera de contar la historia de manera audaz y novedosa, o es una mirada que se acomoda al público occidental y que, precisamente, se aleja de la esencia de una cinematografía? - Y dos sencillas sorpresas. Por un lado, Calle de los Ángeles , de Silvia Rey , una ficcionalización del tortuoso proyecto de rehabilitación de una casa en ruinas en el barrio del Cabanyal. El film prometía servir como radiografía de la última década de una de las zonas más calientes de la ciudad, ¡pero es mucho más! A pesar de cierta reiteración en su forma, la película consigue hablar, no solo del urbanismo o de la sociología, sino de las propias contradicciones de la dimensión aspirancional de la propiedad, o la simplificación de las relaciones vecinales a las que aboca la burocratización de la vida. Cuenta el final de la película que el edificio sigue rehabilitado y la película tenía que terminar, así que acaba grabando dos finales alternativos, algo abruptos. Y tiene algo de eso en realidad la película, la sensación de que es un primer paso a algo, pero para el público valenciano, este aspecto no le hace perder un ápice de potencia. Hay ganas de catarsis al hablar de nuestros barrios. - Por otro lado, Shana , una propuesta francesa Lila Pinell . La protagonista no solo toma el título de la película sino una presencia hipnótica. Un guion afinado y equilibrado y una interpretación a la altura hacen que la película funcione con una extraña ligereza. Extraña porque, en realidad, plantea muchísimas cuestiones que pueden atravesar la vida de una joven de clase popular en una metrópolis. ¿Es Shana arquetípica? Sí, pero sin llegar nunca a la caricatura. El film cuenta su día a día, su serie de catastróficas desdichas, su calvario personal, lleno de malas decisiones pero también violencias sistémicas e invisibles. De hecho, también es extraña la película porque el pilar que más flojea es, precisamente, en el que parece querer apoyarse más, que es la relación de maltrato de su novio exconvicto. Shana es mucho más que eso, y hace bien Pinell en mantener esa cuestión solo como un runrún. Cuanto más agencia y más cámara tiene su personaje principal, mejor es la historia.
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