Se le atribuye la supuesta autoría de sendos delitos contra la fauna y los animales domésticos: presuntamente, también mató a un gato de un tiro
El Festival de Cine Europeo de Sevilla proyecta 'Invasión travesti', de Jero de los Santos y Paco Cabezas, rodada sin permisos en 1997 y que narra los últimos tres días de la humanidad bajo un régimen heterofóbico fascista “¡Andalucía libre, igualitaria y orgullosa!”: Sevilla alza su voz por los derechos LGTBIQ+ frente a los discursos de odio El auge actual del cine andaluz tuvo, como todos los auges, comienzos modestísimos. Pero a veces es solo cuestión de tiempo que aquellos esfuerzos pioneros, considerados a menudo como obras de culto para maquillar su olvido, vuelvan al presente para reivindicar su valor y su vigencia. Es el caso de Invasión travesti , una película de ciencia-ficción y sátira underground que firmaban unos jóvenes Jero de los Santos y Paco Cabezas, y que un cuarto de siglo después de su estreno será proyectada este viernes en el Festival de Cine Europeo de Sevilla , convenientemente restaurada, en su sección Esenciales . Rodada de manera independiente y sin permisos en la capital hispalense entre 1997 y 1998 y estrenado en el cine Avenida de la ciudad en el año 2000, Invasión travesti fue posible gracias a la cámara de 16 mm del padre de Alberto Rodríguez, empleado en la televisión autonómica, que un grupo de amigos cinéfilos ya habían usado poco antes para hacer una colección de cortos que sería el primer aviso de la llamada Generación Cinexin . “Cuando Paco Cabezas y yo pensamos en hacer esta película, la cámara estaba ya desechada porque tenía un problema con las lentes y no recogía sonido”, recuerda De los Santos. “Aun así, era la única cámara de cine a la que podíamos acceder, por lo que rodamos la película igualmente. Con la ayuda de Alberto y también de Álex Catalán, que fue quien hizo la fotografía, logramos sacar adelante nuestro proyecto”. Estudiantes del CAT Hoy, Alberto Rodríguez es un director mundialmente reconocido, Catalán posee un Goya y Cabezas rueda en Hollywood, pero hay que remontarse al momento en que éste y De los Santos, amigos de infancia, empezaron a estudiar en el Centro Andaluz de Teatro. “Carmen Calvo había decidido cerrar el centro y favorecer los estudios de Arte Dramático, en lugar de mantener abiertas las dos unidades de formación y producción. Por allí andaban también Paco León y Santi Amodeo, y buena parte del reparto. Casi el 90 % de la película transcurre en espacios del Centro Andaluz de Teatro”. De hecho, el filme original está firmado por un colectivo llamado Perras de Satán, “el grupo con el que yo trabajaba”, dice Jero de los Santos. “Sus integrantes nunca eran los mismos, el único que estaba siempre era yo. Era una forma de reivindicar una autoría común, sin darle tanta importancia a lo individual, sino poniendo el acento en lo colectivo. Anteriormente a Invasión Travesti habíamos hecho otra historia que se llamaba Una Grande y Libre Anchoa , que tenía un trasfondo muy parecido: también era una expresión de rechazo a la violencia relacionada con los colegios de monjas, los estudios religiosos y demás. De ahí surge un personaje que aparece también en Invasión Travesti . En cierto modo, Invasión Travesti es una continuación de aquella primera historia. Cambia el argumento, pero permanecen algunos personajes, como el de la travesti malvada que pone fin a la humanidad, Laura Crawford”. Según el cineasta, “entonces fue la única película hecha por un equipo cuya dirección estaba en manos de una persona gay, que estaba planteando algo que todavía no se hacía en Andalucía. Faltaban diez años para el primer Orgullo Gay en Sevilla. Y solo había travestis que imitaban a folclóricas. Cuando hicimos la convocatoria para que vinieran drag queens, no vino ninguna”, evoca. “Con los años, algunas de ellas, como Angelita la Perversa, me contaron: ‘Ay, es que yo todavía era un niño. Vi el cartel, pero no me atreví a ir’. Fuimos a contracorriente”. Distopía y protesta En cuanto al argumento de Invasión Travesti , gira en torno a hordas travestis que han invadido el planeta. La mencionada Laura Crawford, un híbrido letal formado con lo peor de ambos géneros, ha sembrado el caos. Bárbara Furiase, la última mujer heterosexual, tiene solo tres días para encontrar a alguien igual que ella y juntos salvar el mundo. “La película habla de la violencia correctiva que, como persona gay, sufrí durante toda mi infancia y juventud, dentro y fuera de casa. Era una época en la que todavía pesaban mucho la ideología franquista de principios de los ochenta y la educación religiosa. El rodaje fue mi forma de protestar y de plantear una especie de distopía en la que las personas heterosexuales fueran tratadas como somos tratadas las personas disidentes. Hablamos de heteroterrorismo, del fin del mundo, de la última mujer heterosexual sobre la Tierra”. Los discursos correctivos son algo común a cualquier persona que no sea blanca, heterosexual y burguesa. Yo he sufrido clasismo en el colegio privado, igual que homofobia y racismo, porque todas esas cosas van de la mano. Esa forma de no tolerar la diferencia creo que nos une a todos los que, por una razón u otra, no encajamos en esa definición tan estricta de cómo hay que ser Jero de los Santos — Director de 'Invasión Travesti' En este sentido, De los Santos subraya que “provocar nunca ha sido una intención para mí. Lo que hice fue lo que necesitaba hacer: expresar mi rabia ante esa violencia que había sufrido todo el mundo de mi entorno, como si no seguir la norma heteropatriarcal o heterosexual fuese casi un crimen”. El elemento gitano, también muy presente en Jero de los Santos, no queda subrayado explícitamente, aunque “aparece porque forma parte de mi manera de ver el mundo”, admite. “Los discursos correctivos son algo común a cualquier persona que no sea blanca, heterosexual y burguesa. Yo he sufrido clasismo en el colegio privado, igual que homofobia y racismo, porque todas esas cosas van de la mano. Esa forma de no tolerar la diferencia creo que nos une a todos los que, por una razón u otra, no encajamos en esa definición tan estricta de cómo hay que ser. De todos los colores de la bandera del arcoíris, solo se permite uno: el heterosexual. Todos los demás son condenados. Algo parecido nos ocurre a las personas gitanas, negras o, simplemente, de clase trabajadora en determinados entornos”. Rodaje sin presupuesto Ahora, el cineasta sonríe al recordar cómo “rodábamos hasta altas horas de la madrugada. Por ejemplo, cuando Álex Catalán terminaba de trabajar en Canal Sur, venía al rodaje. A veces estábamos hasta las seis o las siete de la mañana. También rodamos en otros puntos de la ciudad, siempre sin permisos. Era una especie de cine de guerrilla. S i teníamos que hacer un plano frente a la Giralda, nos íbamos a las cinco de la mañana, uno vigilaba que no viniera la policía, rodábamos el plano y salíamos corriendo. El interior de la Giralda, por ejemplo, lo recreamos en Carmona, porque obviamente no podíamos entrar: no teníamos permiso”. “Como teníamos que ajustarnos a un presupuesto muy limitado, solo podíamos rodar, por ejemplo, tres tomas de cada plano”, agrega. “No teníamos dinero para más. La historia estaba completamente cerrada antes de empezar. Cualquier rodaje implica cierto desorden respecto a la línea cronológica de la historia, pero, cuando tienes tantas limitaciones presupuestarias, no puedes permitirte el lujo de improvisar y hacer algo que luego quizá no funcione”. A pesar de su humildad, Invasión Travesti recogió sus frutos. Abrió a sus directores las puertas de La Zanfoña, la productora que capitaneó el despegue del cine andaluz, y tuvo su eco, sobre todo, en el mercado internacional. “En Madrid la reacción fue un tanto fría, la verdad, y la película no fue del todo entendida en su momento. Nos dimos cuenta de que nuestras referencias cinematográficas todavía no estaban, por así decirlo, en la mente del espectador español medio”, subraya. Al hilo, añade que “éramos un poquito adelantados en ese sentido, pero con el resto de Europa no nos pasaba. Se proyectó en una galería de Londres, en un festival en Holanda, en Argentina y en diferentes festivales internacionales. También estuvo en Estados Unidos, en un festival de cine latino que se celebra en San Diego. Y, a los dieciocho años del estreno, en 2018, nos llamaron de Glasgow para organizar una sesión especial con drag queens, como homenaje a la película por su aniversario”. Una buena segunda vida Todo ello propició la restauración de los negativos, que estaban en la Filmoteca de Andalucía, por Julia C. de la Fuente con el apoyo del Festival de Cine de Málaga y del Ministerio de Igualdad. “Está teniendo una buena segunda vida. Ahora, cuando la estamos proyectando, nos encontramos con muchas sorpresas. Está siendo muy bien entendida y los jóvenes la siguen sin ningún problema. Todas esas referencias las reconocen directamente, porque conocen las fuentes originales, o porque han consumido otras películas, cómics y libros que han utilizado esas mismas referencias”. Pero la mayor sorpresa en este sentido, es según De los Santos “otra cuestión que ahora queda más clara y que en su momento tampoco fue del todo entendida: la conexión entre el fascismo y los nuevos discursos de ultraderecha, con esas posiciones tan homófobas y ese ataque y señalamiento que vuelven a dirigirse contra las personas gays y, sobre todo, contra las personas transexuales. Todo esto tiene hoy una actualidad política mucho más evidente. En la película hay determinadas bromas y referencias directas a Franco, a su mujer y al fascismo, y ahora se entienden mejor. Es una sorpresa para bien y para mal, porque también significa que han vuelto esos discursos tan radicales e intolerantes”.
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Hay científicos que pasan a la historia por sus descubrimientos y otros que acaban convertidos en una fuente inagotable de sabiduría popular. Albert Einstein ha conseguido probablemente ambas cosas . El problema es que, en su segunda faceta, buena parte del trabajo parece haberlo hecho otra gente. El Einstein que nunca conocimos. Esta mañana me he encontrado una cita en X : “Solo hay dos maneras de vivir la vida: una, como si nada fuera un milagro; la otra, como si todo fuera un milagro”. Lo curioso es que la frase lleva décadas apareciendo en libros de autoayuda, calendarios, publicaciones motivacionales y redes sociales acompañada de un nombre: Albert Einstein. De hecho, me pareció tan certera que me puse a investigar. Lo tiene todo para ser una de esas reflexiones que parecen encajar perfectamente con la imagen del científico: un hombre capaz de descubrir los secretos del universo y, al mismo tiempo, maravillarse ante ellos. Pero hay un pequeño problema. No existe ninguna prueba concluyente de que Einstein pronunciara o escribiera esas palabras. Y, a juzgar por la extraordinaria popularidad de la cita, a la gente parece darle bastante igual, porque no hay año que no se repita al menos una vez o que incluso se haga un artículo en torno a la forma en la que el científico lanzó semejante mensaje la mundo. En Xataka Marie Curie y Einstein se escribieron cartas durante más de 20 años. 100 años después podemos leer lo que se decían Un milagro anterior a Einstein. Ocurre que, para encontrar el origen de aquella reflexión, hay que retroceder hasta el siglo XIX, cuando el físico ni siquiera había nacido. En 1839, el teólogo estadounidense Andrews Norton ya recogía una discusión sobre la aparente contradicción de considerar milagroso todo cuanto sucede. Décadas después, en octubre de 1896, el periódico The New Zealand Herald publicó un sermón del sacerdote británico Basil Wilberforce en el que aparecía una formulación mucho más cercana a la cita actual: para una mente elevada, todo era un milagro o nada lo era. La idea volvió a aparecer en 1918 en un libro del pedagogo Edward Porter St. John sobre educación religiosa infantil. El concepto, por tanto, llevaba tiempo circulando en ámbitos religiosos y filosóficos antes de que alguien decidiera ponerle la firma de un premio Nobel de Física. El hombre que se la atribuyó. La primera referencia conocida que vincula directamente la frase con Einstein data de 1942. Su protagonista fue Gilbert Fowler White , un prestigioso geógrafo estadounidense que reflexionaba en sus notas personales sobre el azar y los acontecimientos decisivos de su vida. White atribuyó entonces al físico las palabras que conocemos hoy, aunque no explicó dónde las había escuchado o leído. Aquellas anotaciones fueron recuperadas en 2006 por Robert E. Hinshaw en su biografía del geógrafo, Living With Nature’s Extremes . El hallazgo resulta especialmente interesante porque demuestra que la atribución ya circulaba cuando Einstein estaba vivo . Por contra, no nos permite saber si White escuchó realmente al científico o simplemente estaba repitiendo una frase que alguien le había contado. El pequeño problema de los expertos. En 1989, la conocida periodista estadounidense Liz Smith volvió a atribuir la reflexión a Einstein en una columna publicada en The Baltimore Sun. Un año después apareció en una recopilación de consejos titulada Friendly Advice , editada por Jon Winokur. Pero en 2010 llegó una advertencia mucho más autorizada. Alice Calaprice, especialista en la obra del físico, publicó The Ultimate Quotable Einstein , una extensa recopilación de sus citas editada por Princeton University Press. La famosa reflexión sobre los milagros terminó en un apartado cuyo nombre resultaba bastante esclarecedor: “Probablemente no son de Einstein”. Es decir, ni siquiera los investigadores que llevan décadas estudiando sus escritos han encontrado pruebas suficientes para concederle la autoría. Albert y Elsa Einstein llegando a Nueva York, 1921 El "Paulo Coelho de la física". La reflexión sobre los milagros es solo una pequeña muestra de un fenómeno mucho mayor . Internet ha convertido al padre de la relatividad en una especie de gurú de la autoayuda capaz de aconsejarnos sobre el amor, la felicidad, la educación o el fracaso. Una de sus supuestas frases más populares sostiene que, si juzgamos a un pez por su capacidad para trepar a un árbol, vivirá creyéndose estúpido . La primera atribución conocida de esta formulación a Einstein apareció en un libro de autoayuda de 2004 , casi medio siglo después de su muerte. Tampoco existen pruebas de que definiera la locura como hacer siempre lo mismo esperando resultados diferentes, una reflexión que aparece en una novela de Rita Mae Brown de 1983. En 2018, de hecho, la revista Nature dedicó un artículo a este fenómeno y a las centenares de citas incorrectamente atribuidas al científico. La autoridad de un genio. ¿Por qué Einstein? Supongo que, en parte, porque su nombre se ha convertido en sinónimo universal de inteligencia . Una reflexión anónima sobre cómo afrontar la vida adquiere una autoridad completamente diferente cuando aparece acompañada del rostro del hombre que revolucionó nuestra comprensión del espacio y el tiempo. Y el fenómeno no se limita a las páginas de frases motivacionales. En 2013, la escritora y posteriormente aspirante a la presidencia de Estados Unidos Marianne Williamson compartió en Twitter la reflexión sobre los milagros atribuyéndosela al físico . En 2019, cuando trabajaba en Gizmodo, documentamos varias ocasiones en las que Williamson había difundido citas apócrifas de Einstein. El científico, fallecido en 1955, había acabado convertido en una celebridad de las redes sociales sin haber tenido jamás acceso a Internet. Lo que Einstein sí dijo. Quizás lo más paradójico de todo es que no hacía falta inventarle frases. El verdadero Einstein dejó numerosas reflexiones sobre el misterio de la existencia y nuestra capacidad para maravillarnos ante el universo. En 1930, en un ensayo titulado El mundo tal como yo lo veo , escribió que la experiencia más hermosa que podemos tener es la del misterio, y situó esa emoción en el origen del arte y la ciencia . Su pensamiento, sin embargo, era bastante más complejo que una frase motivacional de autoayudas: no concebía un Dios que premiara o castigara a los seres humanos, sino que encontraba una dimensión religiosa en la belleza y el orden de la naturaleza. La reflexión sobre los milagros resulta verosímil precisamente porque parece una versión simplificada de ese pensamiento. Pero, por supuesto, que una frase suene a Einstein no significa que sea de Einstein. En Xataka Albert Einstein: "Una vida tranquila y modesta trae más felicidad que la búsqueda del éxito unida a una inquietud constante" La última ironía. En 1930, Einstein escribió para un amigo una reflexión cuya autenticidad sí ha sido comprobada en los archivos del científico en Jerusalén: “Para castigarme por mi desprecio a la autoridad, el destino me ha convertido a mí mismo en una autoridad”. Difícilmente podría haber imaginado hasta qué punto acabarían cumpliéndose aquellas palabras. Casi un siglo después, su nombre sirve para otorgar credibilidad a reflexiones que posiblemente nunca se le pasaron ni rematadamente por la cabeza. Y aunque los investigadores llevan décadas desmontando muchas de ellas , siguen circulando porque cumplen una función que poco tiene que ver con la física: nos dicen lo que queremos escuchar, pero con la firma de un genio. Einstein dedicó su vida a cuestionar nuestras certezas sobre el universo. Internet, en cambio, parece haber encontrado en él al hombre perfecto para confirmarlas . Imagen | International News Service , Oren Jack Turner , Wikimedia , Harris & Ewing Studio En Xataka | Unos físicos se han empeñado en demostrar que Einstein se equivocaba. El Mediterráneo les está dando la razón En Xataka | Un agujero negro que se parte en dos suena imposible. Un nuevo estudio dice que la física deja una rendija abierta - La noticia "Solo hay dos maneras de vivir la vida...": una de las frases más bonitas de Einstein tiene un problema gordo, pero a la gente parece darle igual fue publicada originalmente en Xataka por Miguel Jorge .
El fallo estima que no existe prueba suficiente sobre la autoría concreta pero acredita la realidad de la agresión y las lesiones
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El Festival de Cine Europeo de Sevilla proyecta 'Invasión travesti', de Jero de los Santos y Paco Cabezas, rodada sin permisos en 1997 y que narra los últimos tres días de la humanidad bajo un régimen heterofóbico fascista “¡Andalucía libre, igualitaria y orgullosa!”: Sevilla alza su voz por los derechos LGTBIQ+ frente a los discursos de odio El auge actual del cine andaluz tuvo, como todos los auges, comienzos modestísimos. Pero a veces es solo cuestión de tiempo que aquellos esfuerzos pioneros, considerados a menudo como obras de culto para maquillar su olvido, vuelvan al presente para reivindicar su valor y su vigencia. Es el caso de Invasión travesti , una película de ciencia-ficción y sátira underground que firmaban unos jóvenes Jero de los Santos y Paco Cabezas, y que un cuarto de siglo después de su estreno será proyectada este viernes en el Festival de Cine Europeo de Sevilla , convenientemente restaurada, en su sección Esenciales . Rodada de manera independiente y sin permisos en la capital hispalense entre 1997 y 1998 y estrenado en el cine Avenida de la ciudad en el año 2000, Invasión travesti fue posible gracias a la cámara de 16 mm del padre de Alberto Rodríguez, empleado en la televisión autonómica, que un grupo de amigos cinéfilos ya habían usado poco antes para hacer una colección de cortos que sería el primer aviso de la llamada Generación Cinexin . “Cuando Paco Cabezas y yo pensamos en hacer esta película, la cámara estaba ya desechada porque tenía un problema con las lentes y no recogía sonido”, recuerda De los Santos. “Aun así, era la única cámara de cine a la que podíamos acceder, por lo que rodamos la película igualmente. Con la ayuda de Alberto y también de Álex Catalán, que fue quien hizo la fotografía, logramos sacar adelante nuestro proyecto”. Estudiantes del CAT Hoy, Alberto Rodríguez es un director mundialmente reconocido, Catalán posee un Goya y Cabezas rueda en Hollywood, pero hay que remontarse al momento en que éste y De los Santos, amigos de infancia, empezaron a estudiar en el Centro Andaluz de Teatro. “Carmen Calvo había decidido cerrar el centro y favorecer los estudios de Arte Dramático, en lugar de mantener abiertas las dos unidades de formación y producción. Por allí andaban también Paco León y Santi Amodeo, y buena parte del reparto. Casi el 90 % de la película transcurre en espacios del Centro Andaluz de Teatro”. De hecho, el filme original está firmado por un colectivo llamado Perras de Satán, “el grupo con el que yo trabajaba”, dice Jero de los Santos. “Sus integrantes nunca eran los mismos, el único que estaba siempre era yo. Era una forma de reivindicar una autoría común, sin darle tanta importancia a lo individual, sino poniendo el acento en lo colectivo. Anteriormente a Invasión Travesti habíamos hecho otra historia que se llamaba Una Grande y Libre Anchoa , que tenía un trasfondo muy parecido: también era una expresión de rechazo a la violencia relacionada con los colegios de monjas, los estudios religiosos y demás. De ahí surge un personaje que aparece también en Invasión Travesti . En cierto modo, Invasión Travesti es una continuación de aquella primera historia. Cambia el argumento, pero permanecen algunos personajes, como el de la travesti malvada que pone fin a la humanidad, Laura Crawford”. Según el cineasta, “entonces fue la única película hecha por un equipo cuya dirección estaba en manos de una persona gay, que estaba planteando algo que todavía no se hacía en Andalucía. Faltaban diez años para el primer Orgullo Gay en Sevilla. Y solo había travestis que imitaban a folclóricas. Cuando hicimos la convocatoria para que vinieran drag queens, no vino ninguna”, evoca. “Con los años, algunas de ellas, como Angelita la Perversa, me contaron: ‘Ay, es que yo todavía era un niño. Vi el cartel, pero no me atreví a ir’. Fuimos a contracorriente”. Distopía y protesta En cuanto al argumento de Invasión Travesti , gira en torno a hordas travestis que han invadido el planeta. La mencionada Laura Crawford, un híbrido letal formado con lo peor de ambos géneros, ha sembrado el caos. Bárbara Furiase, la última mujer heterosexual, tiene solo tres días para encontrar a alguien igual que ella y juntos salvar el mundo. “La película habla de la violencia correctiva que, como persona gay, sufrí durante toda mi infancia y juventud, dentro y fuera de casa. Era una época en la que todavía pesaban mucho la ideología franquista de principios de los ochenta y la educación religiosa. El rodaje fue mi forma de protestar y de plantear una especie de distopía en la que las personas heterosexuales fueran tratadas como somos tratadas las personas disidentes. Hablamos de heteroterrorismo, del fin del mundo, de la última mujer heterosexual sobre la Tierra”. Los discursos correctivos son algo común a cualquier persona que no sea blanca, heterosexual y burguesa. Yo he sufrido clasismo en el colegio privado, igual que homofobia y racismo, porque todas esas cosas van de la mano. Esa forma de no tolerar la diferencia creo que nos une a todos los que, por una razón u otra, no encajamos en esa definición tan estricta de cómo hay que ser Jero de los Santos — Director de 'Invasión Travesti' En este sentido, De los Santos subraya que “provocar nunca ha sido una intención para mí. Lo que hice fue lo que necesitaba hacer: expresar mi rabia ante esa violencia que había sufrido todo el mundo de mi entorno, como si no seguir la norma heteropatriarcal o heterosexual fuese casi un crimen”. El elemento gitano, también muy presente en Jero de los Santos, no queda subrayado explícitamente, aunque “aparece porque forma parte de mi manera de ver el mundo”, admite. “Los discursos correctivos son algo común a cualquier persona que no sea blanca, heterosexual y burguesa. Yo he sufrido clasismo en el colegio privado, igual que homofobia y racismo, porque todas esas cosas van de la mano. Esa forma de no tolerar la diferencia creo que nos une a todos los que, por una razón u otra, no encajamos en esa definición tan estricta de cómo hay que ser. De todos los colores de la bandera del arcoíris, solo se permite uno: el heterosexual. Todos los demás son condenados. Algo parecido nos ocurre a las personas gitanas, negras o, simplemente, de clase trabajadora en determinados entornos”. Rodaje sin presupuesto Ahora, el cineasta sonríe al recordar cómo “rodábamos hasta altas horas de la madrugada. Por ejemplo, cuando Álex Catalán terminaba de trabajar en Canal Sur, venía al rodaje. A veces estábamos hasta las seis o las siete de la mañana. También rodamos en otros puntos de la ciudad, siempre sin permisos. Era una especie de cine de guerrilla. S i teníamos que hacer un plano frente a la Giralda, nos íbamos a las cinco de la mañana, uno vigilaba que no viniera la policía, rodábamos el plano y salíamos corriendo. El interior de la Giralda, por ejemplo, lo recreamos en Carmona, porque obviamente no podíamos entrar: no teníamos permiso”. “Como teníamos que ajustarnos a un presupuesto muy limitado, solo podíamos rodar, por ejemplo, tres tomas de cada plano”, agrega. “No teníamos dinero para más. La historia estaba completamente cerrada antes de empezar. Cualquier rodaje implica cierto desorden respecto a la línea cronológica de la historia, pero, cuando tienes tantas limitaciones presupuestarias, no puedes permitirte el lujo de improvisar y hacer algo que luego quizá no funcione”. A pesar de su humildad, Invasión Travesti recogió sus frutos. Abrió a sus directores las puertas de La Zanfoña, la productora que capitaneó el despegue del cine andaluz, y tuvo su eco, sobre todo, en el mercado internacional. “En Madrid la reacción fue un tanto fría, la verdad, y la película no fue del todo entendida en su momento. Nos dimos cuenta de que nuestras referencias cinematográficas todavía no estaban, por así decirlo, en la mente del espectador español medio”, subraya. Al hilo, añade que “éramos un poquito adelantados en ese sentido, pero con el resto de Europa no nos pasaba. Se proyectó en una galería de Londres, en un festival en Holanda, en Argentina y en diferentes festivales internacionales. También estuvo en Estados Unidos, en un festival de cine latino que se celebra en San Diego. Y, a los dieciocho años del estreno, en 2018, nos llamaron de Glasgow para organizar una sesión especial con drag queens, como homenaje a la película por su aniversario”. Una buena segunda vida Todo ello propició la restauración de los negativos, que estaban en la Filmoteca de Andalucía, por Julia C. de la Fuente con el apoyo del Festival de Cine de Málaga y del Ministerio de Igualdad. “Está teniendo una buena segunda vida. Ahora, cuando la estamos proyectando, nos encontramos con muchas sorpresas. Está siendo muy bien entendida y los jóvenes la siguen sin ningún problema. Todas esas referencias las reconocen directamente, porque conocen las fuentes originales, o porque han consumido otras películas, cómics y libros que han utilizado esas mismas referencias”. Pero la mayor sorpresa en este sentido, es según De los Santos “otra cuestión que ahora queda más clara y que en su momento tampoco fue del todo entendida: la conexión entre el fascismo y los nuevos discursos de ultraderecha, con esas posiciones tan homófobas y ese ataque y señalamiento que vuelven a dirigirse contra las personas gays y, sobre todo, contra las personas transexuales. Todo esto tiene hoy una actualidad política mucho más evidente. En la película hay determinadas bromas y referencias directas a Franco, a su mujer y al fascismo, y ahora se entienden mejor. Es una sorpresa para bien y para mal, porque también significa que han vuelto esos discursos tan radicales e intolerantes”.
Se le atribuye la supuesta autoría de sendos delitos contra la fauna y los animales domésticos: presuntamente, también mató a un gato de un tiro
El Partido Popular en Soria ha pedido esta mañana la dimisión del concejal de Juventud, Eder García, tras la polémica en la sesión infantil del Festival de Cortos de la ciudad. Un ?domingo traumático? en palabras de Belén Izquierdo que recoge las quejas de padres y madres allí presentes tras la proyección de cortometrajes ?que no cumplían lo que se puede esperar? de una sesión pensada para la infancia. Tal y como ha adelantado Soria Noticia s esta mañana , la polémica surgía tras la proyección de imágenes donde una mujer que trataba de abortar practicándose una intervención casera con agujas, con maltrato animal o que incitaban a las autolesiones. Según ha denunciado la portavoz del grupo municipal popular tres de los nueve cortos programados no eran recomendados para el público de la sala. Así, Izquierdo hace referencia a las calificaciones oficiales de los cortos proyectados y otorgadas por el Ministerio de Cultura. Los cortos, ?Tú primero? , donde en el entorno del primer afeitado dos hermanos jugaban con una cuchilla y que tenía ?sangre muy explícita?, ?Fast rats? , un 3D con humor ácido y autodestructivo, y ?El mismo?, donde se afronta el hecho de compartir imágenes íntimas en redes sociales, cuentan con una calificación oficial de mayores de 14 años. Hay que recordar que el público de esa proyección y el jurado infantil que participó en la misma tenía entre nueve y 12 años. El PP también pone la mira en el corto Susurros que abordaba el tema del aborto y la escasez de clínicas para practicarlo y donde la protagonista intentaba provocarse uno insertándose agujas en su cuerpo. El PP pide al Ayuntamiento explicaciones sobre ?quién no hizo su trabajo? y es que, señalan los populares, el ?bochorno? podría haberse evitado con un simple visionado de las obras o con mirar la calificación oficial de las mismas. El PP pide también ?responsabilidades políticas? al concejal de turno, Eder García , quien además de Juventud lleva también el área de personal ?y la tiene manga por hombro?, relatan los populares. Izquierdo recuerda también que García cuenta con dedicación exclusiva. Eder García rechaza dimitir El propio festival de Cortos pidió disculpas a los padres mediante un correo electrónico y esta mañana hacía público un comunicado señalando un ?error de programación? y pidiendo nuevamente disculpas. Tras la publicación de la noticia y de la petición de dimisión por parte del Partido Popular, Eder García ha rechazado su dimisión. García señalaba que ahora la prioridad inmediata de la organización consiste en revisar los contenidos para evitar repeticiones en el ciclo Escuela y Cine. Así, el comité de selección asume la autoría del fallo al haber incluido obras calificadas para mayores de 12 años en un pase de nueve a 12, además ha señalado que los ocho miembros del comité de selección han puesto sus cargos a disposición de la organización del certamen.
El Casino de Numancia de Soria acogerá el sábado 14 de noviembre un recital a cargo del pianista y compositor argentino Laureano Bruno . La cita musical dará comienzo a las 20.00 horas , presentando ante el público local una propuesta que une la música con la literatura de un autor español emigrado a Argentina. Según ha explicado el propio intérprete, la velada cuenta con una singularidad de especial relevancia emocional e histórica, toda vez que su bisabuelo, Pedro Herreros , fue un poeta riojano que emigró a tierras argentinas a comienzos del siglo XX para desarrollar allí su trayectoria literaria. De este modo, el programa incluye una composición original del músico titulada Suite Poeta de la Boca , la cual está inspirada en tres poemas de su antepasado. A través de esta pieza de su autoría, el artista busca poner en diálogo con la música la obra de un escritor español cuya labor creativa tuvo lugar principalmente en el país sudamericano. Para aquellos interesados en asistir al evento, las entradas tienen un precio de 10 euros tanto para los socios de la entidad como en la modalidad de venta anticipada, mientras que el coste en puerta ascenderá a 15 euros . En lo que respecta al repertorio completo que sonará durante la tarde del sábado, la audición se abrirá con la Sonata Op. 47 de M. Clementi, estructurada en los movimientos Allegro ma con grazia, Adagio molto e con anima y Allegro molto vivace. Tras ello, el pianista abordará las Reminiscencias de Norma de Bellini-Liszt, dando paso posteriormente a la Bachiana Brasileira N. 4 de H. Villa-Lobos, que comprende las partes Prelúdio (Introdução), Coral (Canto do Sertão), Ária (Cantiga) y Dansa (Miudinho), antes de concluir con la mencionada obra dedicada a los versos de Herreros. Trayectoria internacional y formación Nacido en la localidad de Victoria, en la provincia argentina de Entre Ríos, Laureano Bruno desarrolla su labor profesional como pianista, compositor, gestor cultural y docente universitario. Licenciado y profesor tanto en Piano como en Composición por la Universidad Nacional de Rosario , institución donde imparte clases de Música de Cámara, forjó su formación pianística con Graciela Reca en Paraná y junto a Aldo Antognazzi en Buenos Aires. En el año 2014 recibió una beca de la Cancillería Argentina para perfeccionarse con el maestro polaco Andrzej Jasi?ski en la Internationale Sommerakademie de la Universidad Mozarteum de Salzburgo, en Austria, habiendo participado igualmente en cursos y clases magistrales con figuras como el ruso Boris Giltburg, el japonés Kotaro Fukuma, Pía Sebastiani, Eduardo Delgado, Daniel Rivera y Alexander Panizza. Su recorrido artístico ha sido respaldado por numerosos galardones, destacando en su país natal el Primer Premio del Concurso Nacional para Jóvenes Intérpretes de Mozarteum Santa Fe , el Primer Premio del Concurso de Piano de la Universidad Provincial de Córdoba y el Primer Premio del Concurso de Intérpretes de Música Clásica "Dr. Tilo Rajneri", organizado por el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón y la Fundación Cultural Patagonia, además de lograr en tres ocasiones el primer lugar en el Orden de Mérito del Concurso de Becas Estímulo para Intérpretes Destacados de la Universidad Nacional de Rosario. En el ámbito europeo, desarrolló durante 2025 una gira por Italia, Francia y España en la que obtuvo el Primer Premio del Concorso Internazionale di Esecuzione Musicale Clara Wieck Schumann en Marina di Massa, siendo también finalista en los certámenes italianos de Ischia y Città di Cascina, al tiempo que ofrecía recitales en Barcelona, Galicia, La Rioja y la Embajada Argentina en París. Más recientemente, a lo largo de este 2026, ha protagonizado una gira nacional de música de cámara en su país junto a la soprano francesa Johanne Cassar y al violonchelista Jérémie Maillard , miembro de la Orquesta Filarmónica de Radio France, actuando en Paraná, Victoria, Buenos Aires, Mar del Plata y Bariloche. Como solista ha interpretado conciertos de Mozart y Edvard Grieg acompañado por la Orquesta Sinfónica de Entre Ríos, la Orquesta Sinfónica de la Fundación Cultural Patagonia, la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil "Libertador San Martín", la Camerata de la Escuela de Música de la Universidad Nacional de Rosario y la Camerata Eleutheria, compartiendo además escenario en el ámbito camerístico con músicos como Horacio Lavandera, Graciela Reca, Aldo Antognazzi, Ricardo Bugallo, Costanza Goldenberg, Siro Bellisomi, Gustavo Mulé y Pablo Labanda. Sus actuaciones han recorrido escenarios de primer orden en Argentina, tales como el Palacio Libertad ?antiguo CCK?, la Usina del Arte, la Biblioteca Nacional Mariano Moreno, el Museo Fernández Blanco, el Teatro El Círculo de Rosario, el Centro Cultural Parque de España, el Teatro Municipal de Santa Fe y el Teatro 3 de Febrero de Paraná, además del Festival Música Clásica por los Caminos del Vino en Mendoza y la Sala Bösendorfer de la Universidad Mozarteum de Salzburgo. En paralelo, mantiene una intensa actividad de divulgación impartiendo seminarios y conferencias, como las dictadas en el Festival de Piano de Chilecito junto a la Universidad Nacional de La Rioja, y dirige desde hace más de 15 años el ciclo independiente Victoria al Piano , iniciativa que logró la restauración integral del único piano de concierto Steinway & Sons de su ciudad natal, perteneciente a la Agrupación Cultural Victoria.
Hasta no hace mucho, estar enfermo se llevaba resignadamente y con discreción. Pero las cosas han cambiado un poco porque las distintas reivindicaciones colectivas y el tráfico de las redes sociales han transformado el victimismo en un hábito de vida. Así que la enfermedad se vive ahora como una distinción personal que se difunde con orgullo , es el combustible que alimenta un obsceno narcisismo de la debilidad, cuando no una narración autónoma a los procesos infecciosos o tumorales. En lo literario, la enfermedad aparecía en el pasado en ficciones bien delimitadas: Thomas Mann y (no) muchos otros intentaron una ficción del dolor en la creencia de que ésta no sólo evitaba personalizaciones poco edificantes, sino que abría, en su independencia respecto de la realidad, un interesante campo de conocimiento universal. La empatía por el nombre y apellido de la cubierta del libro estaba ausente de las intenciones autoriales. Bastaba con que el memento mori –“recuerda que enfermarás”, sería mejor– quedara suficientemente expresado para que cada lector abstrajera su propia carga mortal y sufriente. Lo de menos eran las radiografías del autor. Hoy día, la literatura del yo surte a las librerías de procesos de enfermedad que, de acuerdo, no todos vamos a experimentar y por eso incluso interesa conocer, pero que adolecen de escasa excepcionalidad literaria. Las narraciones de enfermedades mentales o físicas proliferan bajo el formato de la autoficción o de la autobiografía , y no todas arreglan cuentas con un propósito bien definido. Si algo distingue el buen realismo literario es que hace emerger algo profundo de los hechos cotidianos de la vida. El realismo no nos cuenta lo que no sabemos sobre la realidad –que también–. Nos cuenta lo que ya sabemos pero no somos capaces de tener en cuenta, de asumir o de recordar. Esta ganancia tan valiosa no la obtiene el lector siempre que un enfermo cuenta sus padecimientos, porque en los tiempos actuales puede ocurrir que éste traspapele su muy notorio padecimiento en una introspección bastante superficial. Torpe, incluso. ¿A qué se debe esto? Ya hemos apuntado que una posible causa de los males actuales es la extimidad digital ( extimidad : exhibición de la intimidad) que tanto nos ofusca a los mortales hoy día. Pero, aunque el abuso de este impudor ha convertido la explotación del yo de autores y figuras públicas en una suerte de marca comercial, quizás también hay otros factores en juego. El crítico del The New York Times Review of Books Anatole Broyard reflexionó sobre cómo se testimonia el padecimiento. Su libro Ebrio de enfermedad está inacabado porque la muerte siempre desmantela el utópico proyecto del animal literario de relatar su propio fallecimiento. Sin embargo, sus páginas ofrecen alguna idea sobre cómo se contó la enfermedad antes de su libro, y también sobre qué necesitan tanto la comunidad lectora como el autor enfermo: “Me parece que cualquier persona seriamente enferma ha de desarrollar un estilo propio de cara a su enfermedad. Creo que sólo si insiste uno en su estilo podrá salvarse del momento en que se desenamore de sí mismo cuando la enfermedad pretenda disminuirlo o desfigurarlo”. El estilo. Quizás, en lo que se refiere a cómo se soporta el padecimiento, la buena enfermedad no se logra solamente a través de esas virtudes clásicas que despliega un carácter bien forjado (resistencia, paciencia, realismo y resignación). Quizás también se precisa algo estético. Broyard no fue un enfermo apático que aceptara cualquier consejo. Fue un enfermo que sintió euforia en el comienzo de su cáncer y, quizás porque su trabajo era juzgar literatura, creyó a pies juntillas su dogma principal: que ésta trata menos de un argumento –una historia, una trama– que dé una forma de contarlo. La literatura es un cómo más que un qué, y eso Broyard quiso aplicarlo a su padecimiento. De tal modo que intentó en sus propias carnes, y nos recomendó a los demás, sostener su enfermedad sobre algunas de las marcas de su viejo yo (sus ideas, sus modos de expresión, sus manías). O, al menos, sobre un yo renovado que aún conservara identidad suficiente (palabra complicada, pero ya me entienden) para no perderse en la despersonalización que sin duda le infligieron los laberintos del dolor, los tratamientos médicos, la incertidumbre respecto a las expectativas o el aislamiento hospitalario (la “emigración al reino de los enfermos”, en palabras de Susan Sontag). Creo que, leída en 2026, su propuesta trataría de no tomarse demasiado en serio los discursos que hoy día gravitan en torno a toda convalecencia : el estoicismo simplificado en un Power Point, la autoayuda de los libros mal escritos, la candidez de la autosuperación garantizada, el pensamiento positivo que todo lo arregla o, peor aún, la creencia de que la visibilización en Instagram del viacrucis de un famoso ayuda en algo. La propuesta de Broyard rechazaría los osos de peluche y se resistiría en lo posible a que la enfermedad nos despoje de nuestro propio modo de hablar y de habitar el mundo. En España, el escritor Juan Gracia Armendáriz ha expresado un intento similar. En Diario de la frontera , publicado por la editorial Demipage, el cómo de su testimonio se evidencia en su primera entrada: “Extirpar el tumor del didactismo. ¿Resiliencia, empatía? Abandonen la sala. Si las víctimas son los héroes de nuestro tiempo, hay que azufrar el victimismo. Estira el drama hasta convertirlo en comedia; en absurdo, aún mejor. Huir de libros que parecen escritos como quien organiza una carrera solidaria. ¿La historia de una superación? ¿Superación de qué, exactamente?” Juan Gracia sabe de lo que habla: tres trasplantes de riñón, algunos procesos médicos asociados y muchos años en diálisis han fraguado una convivencia nada amistosa con los hospitales. Si esto constituye un espanto, parece enunciar su proemio, al menos intentemos preservar la mayor amplitud posible del yo. Desde el punto de vista editorial, Diario de la frontera constituye un ejemplo valioso de literatura del yo porque la transferencia de la personalidad de su autor al texto resulta auténtica en el sufrimiento y sincera en su expresión . Con el paisaje de fondo de la insuficiencia renal crónica, apura un informe de emociones sumamente representativo de los días en el abismo. El trabajo que ofrece no lo perfila una prosa que se desentiende de la tradición literaria ni, menos aún, se viste con los nombres comunes de la compasión estereotipada. Por el contrario, expresa rabia y fastidio por tanta enfermedad, por la erosión, por las modificaciones del carácter y de la visión de la vida. También una ironía contra unas condiciones vitales que le permiten seguir aquí, sí, pero que le hacen ceder cada día un poco más de serenidad y alegría. Incluso ofrece algunos alivios –un par de subtramas biográficas que contrapuntean la aflicción–, pero, en general, no ahorra un despliegue íntimo de aristas, rugosidades y deseos. Sin subterfugios salvíficos, sin una pedagogía sobre cómo se camina hacia la santidad por medio de la queja, sin escapadas de fin de semana al refugio de la vanidad, este diario culmina una suerte de trilogía del autor sobre el tema. Yo creo que puede tomarse como una exploración de aquello que en tiempos de mayor humanismo cultural y menor tecnocracia fue objeto de nuestra atención y se llamó condición humana . Es decir, una incursión por los pasajes más desconcertantes de la existencia, que, entre otros asuntos, tanteaba las contradicciones pasionales, los inconvenientes de vivir en sociedad, y ahora también la enfermedad. Despedidas (Anagrama, 2026) ha sido el título escogido por Julian Barnes para abordar su literatura de la dolencia. Barnes ha anotado las primeras impresiones sobre su neoplasia mieloproliferativa, un cáncer de la sangre poco frecuente con el que lidia desde hace tiempo. Quien se asome a los libros de ambos autores, se percatará no solo de que los dos acompañan su dolencia con un perro de la misma raza –curiosa coincidencia: un Jack Russell en cada libro–, sino de que, al igual que el autor español, el inglés echa mano de un estilo propio para afrontar su enfermedad y traspasarla al papel . Esa oralidad escrita, a medio camino entre la levedad y una espontaneidad atenta, muy matizada, que ha caracterizado los últimos años de su literatura, genera un curioso claroscuro. Es una prosa ligera, lejana a la confidencia, prácticamente coloquial, que enuncia el informe médico en un tono que no parece concederle importancia a las restricciones e incomodidades de un cáncer incurable (aunque no mortal). Lo primero que el lector detecta es que Barnes puede haber enfermado gravemente, puede estar abandonando la escritura – Despedidas es su último libro–, pero no se ha desprendido de un estilo que, más que un ropaje formal, fija una posición ética para afrontar las vicisitudes de la vida. Se le atribuye al cantante estadounidense Tom Waits la preferencia por “las melodías hermosas que cuentan historias terribles”. Barnes alimenta un contraste similar: parece que su malestar se atenúa o, por lo menos, se despista, si se asume con el rodeo de la levedad. En realidad, es más que eso: las primeras pruebas médicas y los sentimientos desatados, así como los síntomas de un declive ya iniciado, los relata una inteligencia que parece rechazar para sí más importancia de la que le corresponde. No se puede ser más estoico o más sereno, no cabe ejercicio contra la tristeza más elegante que evaluar las nuevas condiciones de vida –la vida estropeada para siempre– desde una resignación sabia y paciente. Escribe: “ Todo ha sido interesante: las hemorragias, los análisis de sangre, el cauteloso compañerismo de los demás pacientes . Me encanta hablar con los médicos y las enfermeras, como también me encanta hablar con policías”. Su estilo es antagónico al de Juan Gracia, así como sus condiciones de salud, pero los dos escritores tratan de adelantarse a la vanidad empleando un tono muy concreto, seleccionando cuidadosamente las palabras para que no se descarríen y ensayen, siquiera precariamente, un ejercicio de virtud que por sí solas jamás lograrán. Resulta casi un lugar común recurrir al Aristóteles de la Poética , el que escribió que la tragedia –narración dominante en su época– “lleva a cabo la purgación de las afecciones” del ser humano mediante “el temor y la compasión”. La anticipación del sufrimiento nunca se purgará, pero, para hacernos plenamente humanos, hay un temor y una compasión cotidianas que necesitamos consumir en los reflejos existenciales que recibimos del prójimo. Este puede ser un familiar en la UCI pero, más placentero, también lo encarna el escritor honesto que rechaza el oportunismo comunicativo para abrirse en carne viva el cuerpo. Adelanto que, en mi opinión, su instrumental debería ser un lenguaje propio que nazca de la investigación literaria, el valor y el talento, porque de ningún modo se comprende la dimensión común del sufrimiento ajeno –y del propio– con mala literatura confesional, tutoriales de Youtube o esos términos técnicos del marketing psicológico tan alienantes. No se genera ese viejo dúo de reacciones nobles del temor y la compasión recomendando virtudes de plástico. En un artículo publicado en El País hace unos años, Anna Caballé elevaba una crítica al género de la autoficción, sospechando que en su proliferación despuntaba una cierta profesionalización literaria del yo. Insisto en que se refería a la autoficción y no a la autobiografía, pero es verdad que esa espectacularización literaria de la vida íntima hace tiempo que parece consolidada. El escritor no solo puede sino que además debe contarnos sus secretos y vergüenzas . Este supuesto mandato ha desplomado la autenticidad de la introversión y la ha edulcorado. Hay quien recurre al testimonio para sobrevalorar sus dolencias, produciendo documentos que se desvanecen en el lenguaje de la corrección política, la piedad pasajera o la introyección de los peores lemas de la autoayuda (defectos de estilo, como ya se ha explicado). Si seguimos creyendo en el inmenso potencial de la literatura, es porque sus mejores expresiones se fundamentan en un lenguaje inconfundible, el que aborda asuntos como la enfermedad con una modulación ni políticamente correcta ni tecnificada. La confesión de que ésta nos hace sufrir de modos intrínsecamente personales, realizada incluso con mal humor y rabia, como disimulando esa vieja creencia en la vida bella, nos eleva más sucia y humanamente sobre el tenebroso horizonte de la mortalidad. *El último libro de Roberto Valencia es ‘Palacios, hangares y cuevas. 12 museos de Europa’ (La navaja suiza, 2022).
El delegado territorial de Cultura, Patrimonio Histórico y Deporte, José Ayala, ha visitado la exposición fotográfica “Cazorla Siglo XX” en el Museo de Artes y Costumbres Populares del Alto Guadalquivir de Cazorla. Esta muestra da a conocer la colección particular del fotógrafo Pedro Gómez. 40 fotografías, la mayoría de autoría desconocida, que permiten hacer una comparativa entre la Cazorla antigua y la actual, centrándose especialmente en el costumbrismo o en trabajos ya desaparecidos, además de edificios y espacios físicos de la localidad cazorleña. Podrá visitarse hasta el mes de marzo de 2027. Ayala ha estado acompañado del propietario de los trabajos y del alcalde del municipio.
