Tengo dos cosas en común con Álvaro Rivas, cantante y hierofante de Alcalá Norte . Eché los dientes en el mismo barrio que él, en las inmediaciones de la calle Elfo, y mi libro favorito de Ernst Jünger es 'Eumeswil', que resulta ser el que más gusta a Rivas. La primera coincidencia carece de mucho misterio, pues de niños de Ciudad Lineal está el mundo lleno, pero la segunda tiene más miga, porque lectores de 'Eumeswil' no hay ni para llenar el autobús. Por magnífica que sea la reciente edición de Página Indómita, dicho libro no es 'El principito' , por citar una de esas obras que proliferan en las mesillas de noche de nuestros niños de cuarenta años, Miliki dixit, de modo que la coincidencia me produjo la alegría un poco boba del contrabandista que descubre que otro colega lleva en el zurrón la misma mercancía. De Jünger salió una de las mejores canciones del grupo, 'Langemarck', que es como ponerle a sus diarios de guerra el bajo de Peter Hook y las guitarras de los primeros Comsat Angels. Claro que no solo de Jünger vive el hombre. En su primer disco, los Alcalá Norte envolvieron a Léon Bloy en teclados y guitarras de shoegaze, refutaron la predestinación supralapsaria de los calvinistas y mandaron a Dioniso a comprar hielo para el botellón, lo que me indujo a concluir que Alcalá Norte se había fundado solo para mí . ¿Qué decir entonces de 'Dejémoslo como estaba', su segundo disco? Por lo pronto, han desenterrado a los pitagóricos, que llevaban sin dejarse oír casi tanto tiempo como el grupo francés Icare (al que rescatan para versionar 'Les Fils de Lucifer') y han puesto a Nietzsche a correr por Ciudad Lineal con riñonera y chándal de táctel; han puesto a Arturo Soria de guía turístico de los dominios de Saurón y han confiado a Goya la decoración de Mordor. Han hecho, en efecto, muchas cosas, pero por fortuna no han escrito una sola canción de desamor, contraviniendo la preceptiva poética del gemebundo pop nacional. Rivas ha confesado que se siente como el Anarca. Aunque Martin Venator, el Anarca de 'Eumeswil, sirve en la alcazaba del tirano y hasta le pone los calcetines, conserva intacta una soberanía personal que no depende de soltarle cuatro frescas o derrocarlo. Siempre a contrapelo, el Anarca de hoy hace pospunk y no tiene empacho en que los críticos le afeen meter referencias cultas, por lo que lleva a Raskolnikov a un campo de golf para que pegue un hachazo a la casera y fuerza a Hamlet a contar el asesinato de un pinchadiscos. Ignoro cuántos leemos a Kojève y escuchamos a Slowdive, pero este grupo es para gente de nuestra laya.
El PP usa al trapero Anuel como referencia estética de Feijóo para su campaña de redes, en la que quieren demostrar que su candidato tiene "aura" Jordi Wild denuncia que Abascal cancele su entrevista para “minimizar riesgos” tras su participación en 'La Revuelta' Solo queda un día para que se publiquen las esperadas entrevistas del youtuber Jordi Wild a los candidatos a la presidencia del Gobierno. Pero hay una ausencia: tras su intervención en La Revuelta, Santiago Abascal rechazó ir al podcast después de pedir tener “los derechos audiovisuales” de la entrevista. Tras eso, la juventud del PP han intentado aprovechar la coyuntura para aupar a Alberto Núñez Feijóo y ganar voto entre los más jóvenes... aunque no les está saliendo todo lo bien que pensaban. “No es guay chicos, da vergüenza ajena”, dicen algunos de los usuarios. Las redes sociales se han llenado de montajes generados por inteligencia artificial del candidato en diferentes poses y vestimentas en las que, según ellos, Feijóo estaría “farmeando aura”, una expresión muy popular entre la generación Z que significa que alguien tiene o acumula carisma. El tuit que empezó esta ola fue uno de Nuevas Generaciones posteado en la noche del miércoles en el que aparecía una foto del trapero Anuel AA con la cara de Feijóo sustituyendo a la del cantante. En esa publicación, la organización juvenil del PP respondía al vídeo en el que Jordi Wild anunciaba el rechazo de Abascal asegurando que “Llega EL JEFE”, refiriéndose a Feijóo. Al mensaje añadían “EL MANUAL/💙”, una referencia a los tuits del exdirector de Gabinete de la Presidencia del Gobierno de Pedro Sánchez, Iván Redondo, que siempre incluye esta coletilla en sus tuits para promocionar su libro, aunque con un corazón rojo en vez de azul. Las reacciones al montaje no se hicieron esperar: “Quien os está aconsejando son gente del PSOE infiltrada; no tengo pruebas pero tampoco dudas”, decía un usuario. Otro, criticaba el intento del candidato del PP por mostrarse joven con un GIF de la serie 30 Rock en la que uno de los protagonistas se infiltraba en un instituto vistiéndose con una gorra hacia atrás y llevando un patinete para tratar de pasar desapercibido. Además del tuit de NNGG, el PP ha creado otra foto de Feijóo caracterizado como el exjugador de la NBA Kobe Bryant, fallecido en 2020, en una de sus icónicas fotos tras ser campeón en las finales de 2001 y que Anuel también usó como portada en uno de sus discos. El partido ha usado esta imagen como foto de su perfil oficial en TikTok. Los símiles deportivos han sido, de hecho, otra de las constantes. Nuevas Generaciones ha vuelto a la carga con un vídeo generado con IA en el que en un vídeo de una celebración de la Champions del Real Madrid, Feijóo sustituye, bandera de España a la espalda, a Cristiano Ronaldo. En el vídeo original, el jugador luso contaba sus cinco Copas de Europa con los dedos de la mano. En este caso, Feijóo contaría las cinco elecciones que ha ganado hasta ahora. “🔥 PALMARÉS 🔥2009, 2012, 2016, 2020, 2023, 2026 🔜. La sexta mayoría es inevitable”, escriben en la publicación. También relacionado con el fútbol, han aparecido montajes en los que el candidato aparece con, por ejemplo, la Copa del Mundo de fútbol y vestido con la camiseta de la selección española, una estética que también recuerda al disco de Anuel. La ofensiva también ha llegado a Instagram, donde el PP ha republicado en sus stories la foto que ha subido Feijóo con Jordi Wild añadiendo: “Real hasta la muerte, brrrrrsidente”, y con la canción Amanece de Anuel y Haze. Storie del PP de Feijóo con Jordi Wild. Los tuiteros del PP también están tratando de resignificar el “anotop at”, el lapsus que tuvo Feijóo en uno de sus cara a caras contra Pedro Sánchez en el Congreso de los Diputados y que fue carne de memes en las redes casi de forma inmediata. En uno de los montajes, el candidato apartece en una gran pantalla de la sede del PP con el cuerpo hipermusculado y con “anotop at bitches” a su lado. El tuitero incluye el hashtag “AuraFeijóo”, uno de los que se han usado para compartir este tipo de publicaciones. Hasta Ester Muñoz, la portavoz del PP en el Congreso de los Diputados durante la pasada legislatura, ha participado de esta tendencia de convertir a Feijóo en el candidato de la juventud. La política leonesa ha retuiteado este montaje de “anotop at” incluyendo también la coletilla “El Manual /💙”. “La matriz de transferencias es clara: todo el aura se concentra en un gallego”, le contesta a Muñoz el tuitero que realizó el montaje original. Otros también han usado el “anotop at” como si fuera el título de un disco de trap. Por ejemplo, uno de ellos ha hecho un montaje otra vez con Feijóo con estética de este tipo de cantantes y la canción Soldado y Profeta de Anuel. Para terminar, el PP ha decidido enseñarle una de las canciones generadas por IA que han hecho sobre él a Feijóo. El partido ha publicado un vídeo en el que el candidato conservador está viendo uno de estos vídeos compartidos en redes sociales mientras va en coche acompañado del texto “primeras reacciones”. Feijóo no dice nada ante lo que está viendo y se remite a sonreir.
Correos dedicará un sello postal al músico placentino Roberto Iniesta, Robe, el próximo 23 de noviembre. La emisión, incluida en la serie filatélica dedicada a la música, rendirá homenaje al artista a través de una hoja bloque que incorpora referencias visuales a dos de sus trabajos más destacados: 'Deltoya' (1992), de Extremoduro, y 'Mayéutica' (2021), de Robe.
The Legend of Zelda: Ocarina of Time Remake ha vendido en Jap�n much�simo m�s en formato f�sico que en digital. Casi dos tercios del total han sido copias f�sicas. Por si hab�a alguna duda de lo importante que sigue siendo el formato f�sico en los videojuegos, The Legend of Zelda: Ocarina of Time Remake es un nuevo ejemplo de lo mucho que los jugadores siguen apreciando esta forma de consumir sus t�tulos favoritos. No en vano, las �ltimas cifras de ventas de Jap�n han desvelado que casi dos tercios del total de unidades que se han vendido de este t�tulo en el Pa�s del Sol Naciente han sido en formato f�sico. Jap�n apuesta por lo f�sico Para ser un poco m�s concretos, ayer os informamos de que The Legend of Zelda: Ocarina of Time Remake hab�a sido el juego en formato f�sico m�s vendido de la semana en Jap�n con 537.041 unidades vendidas . Si a esto le sumamos el hecho de que Nintendo ha confirmado que las ventas totales del juego en Jap�n superan las 810.000 copias , esto nos deja que sus ventas digitales son de aproximadamente 272.959 unidades , una cifra muy inferior a las alcanzadas por la versi�n en f�sico. Si bien Sony ha anunciado que en 2028 dejar� de producir discos para nuevos juegos de PlayStation , sentenciando as� el formato f�sico en esta plataforma, Nintendo ha declarado recientemente que no tiene pensado abandonar esta forma de distribuci�n de videojuegos, ya que saben "lo mucho que les gusta a los aficionados". The Legend of Zelda: Ocarina of Time Remake ya est� disponible en exclusiva para Nintendo Switch 2 y nos ofrece una recreaci�n de esta importante obra maestra de Nintendo 64 actualiz�ndola con un apartado audiovisual completamente nuevo y diversas mejoras de calidad de vida y de control. En Vandal disponemos de una complet�sima gu�a en espa�ol .
La retrocompatibilidad de XBOX en Windows 11 ya suma 25 juegos. Los dos Star Wars: Caballeros de la Antigua Rep�blica, BLiNX y Conker reciben logros por primera vez. Microsoft celebra el 25.� aniversario de XBOX con la incorporaci�n de 21 juegos de su primera consola al programa de retrocompatibilidad en PC . La nueva tanda ya est� disponible en los mercados compatibles e incluye TimeSplitters 2 , The Elder Scrolls III: Morrowind y nada menos que 11 juegos de Star Wars , entre ellos los dos Battlefront originales y los dos Knights of the Old Republic . Con estas incorporaciones, el cat�logo pasa de cuatro a 25 juegos . Todos admiten ya teclado y rat�n, y Microsoft ha mejorado el rendimiento y la estabilidad de los cuatro que llegaron en julio: BLiNX: The Time Sweeper , Conker: Live and Reloaded , Crimson Skies: High Road to Revenge y Fuzion Frenzy . Para instalarlos hace falta Windows 11 y la aplicaci�n de XBOX , tambi�n disponible en port�tiles compatibles como las ROG XBOX Ally. Los 21 juegos de la XBOX original que se suman a la retrocompatibilidad en PC Armed and Dangerous Disney�s Chicken Little Grabbed by the Ghoulies (tambi�n en XBOX Game Pass) Indiana Jones and the Emperor�s Tomb Red Faction II Secret Weapons Over Normandy Star Wars Battlefront Star Wars Battlefront II Star Wars Episode III: Revenge of the Sith Star Wars Jedi Knight: Jedi Academy Star Wars Jedi Knight II: Jedi Outcast Star Wars: Jedi Starfighter Star Wars: Knights of the Old Republic Star Wars: Knights of the Old Republic II � The Sith Lords Star Wars: Republic Commando Star Wars: Starfighter � Special Edition Star Wars: The Clone Wars The Elder Scrolls III: Morrowind (tambi�n en XBOX Game Pass) Thrillville TimeSplitters 2 TimeSplitters: Future Perfect Los dos KOTOR reciben logros tambi�n en consola Los dos Knights of the Old Republic ( Caballeros de la Antigua Rep�blica ), BLiNX y Conker tienen logros por primera vez . Se pueden desbloquear tanto en PC como en XBOX One y XBOX Series X|S , aunque en consola hay que instalar la �ltima actualizaci�n del sistema. En algunos casos, el progreso de una partida anterior puede servir para desbloquearlos. Si ya tienes una copia digital de un juego que figura como compatible con XBOX Play Anywhere , no tienes que volver a comprarlo para jugar en PC. Los discos de la primera XBOX no sirven para acceder a estas versiones. Microsoft prev� seguir ampliando el cat�logo y a�adir logros a m�s cl�sicos.
La estrella española Rosalía ha sido la gran triunfadora de la 27ª edición de los Grammy Latinos, la noche más importante de la música en español y portugués que se ha celebrado en Las Vegas. La artista catalana ha conquistado seis de las siete nominaciones con las que llegaba a la ceremonia. Una gala que ha abierto ella misma con un popurrí que juntó sus éxitos 'La perla', 'Dios es un stalker' y 'La rumba del perdón'. En concreto, Rosalía ha ganado el álbum del año con su 'Lux (Complete Works)' siendo esta la tercera vez que obtiene el máximo galardón de la noche, lo cual la lleva a hacer historia una vez más al ser la primera mujer en ganar el premio tres veces, un logro que solo han alcanzado dos hombres: Alejandro Sanz y Juanes. Además, en el caso de la artista catalana el hito es doble, porque ella lo consigue de forma consecutiva con sus tres últimos discos: en 2019 por 'El Mal Querer', en 2022 con 'Motomami' y ahora con su último y aclamado trabajo. Algo que nadie ha podido alcanzar en toda la historia de los Latin Grammy. Fue una velada a pedir de boca para Rosalía, ya que además, la Academia Latina de la Grabación le ha reconocido con los galardones a la canción del año con 'La perla', que canta junto al trío Yahritza y Su Esencia, mejor canción pop, mejor ingeniería de grabación, mejor álbum alternativo y mejor video en formato corto con 'Sauvignon Blanc'. La cantante ha destacado muy emocionada que 'Lux' ha sido para ella un «salto al vacío». «Creo que es muy importante decir la verdad y que todos los demás puedan compartir la suya. Este álbum ha sido mío. Gracias, mamá, por hacerme así. Voy a llevarte este Grammy a tu casa. No sé si otro cabrá, pero te lo traeré de todos modos y veremos si le haces un hueco. Siempre encuentras la manera de hacer las cosas. Para todas las personas que me dijeron que no valía, o que mi música era demasiado rara, gracias a no haberlos escuchado un carajo ahora estoy ganando estos premios», ha remarcado en un discurso en el que ha reconocido que era «un honor» recibir estos premios. El argentino Milo J, con su 'Niño', ha sorprendido y se ha impuesto con la Grabación del año, dejando en el camino a favoritos como Rosalía y CA7RIEL & Paco Amoroso. «Creo que 'Niño' vamos a decir que es la canción hoy en día que más orgulloso estoy de las que hice», ha remarcado el artista de 20 años. «¡Aguante el folklore argentino!», ha agregado el compositor que ha triunfado en categorías como mejor interpretación urbana, en la que competía con grandes como Daddy Yankee, mejor álbum de música folclórica y mejor diseño de empaque para un total de cuatro premios. CA7RIEL & Paco Amoroso, que han llegado a los premios de la Academia Latina de la Grabación empatados con Rosalía y Karol G con siete nominaciones, han capitalizado tres premios en las categorías de mejor interpretación electrónica, mejor video largo para su 'FREE SPIRITS' (que cuenta con la participación de Sting), y mejor canción pop/rock con 'Hasta Jesús tuvo un mal día'. Por su parte la reguetonera Karol G, que se ha subido a la tarima para cantar junto a un mariachi 'Ese hombre es malo', se ha llevado el premio al mejor álbum de música urbana con su 'Tropicoqueta', y el galardón a mejor interpretación de reguetón. «Voy a ser muy honesta porque, si Dios quiere, he estado aquí arriba un par de veces, pero esta es especial», dijo la superestrella colombiana en su discurso. «La gente siempre escucha el resultado final, pero hacer Tropicoqueta significó mucho para mí, algo que la gente ni siquiera puede imaginar. Lo más importante es tener un álbum con el que pueda salir de gira porque siento que cuando lo canto, la gente se siente orgullosa de ser latina y de llevar sus banderas con orgullo. Esa es la parte más hermosa. ¡Latina para siempre!». Su compatriota, la colombiana Aria Vega, se ha alzado como mejor nueva artista, un reconocimiento que en ediciones previas catapultó la carrera de talentos como Juanes, Calle 13 y Karol G. «Estoy muy agradecida por la confianza», ha dicho la colombiana a medios tras llevarse su gramófono. Además, ha comentado que su música conectó con las personas de la Academia. El productor Edgar Barrera lideraba las nominaciones de este año con 13 candidaturas, y fue reconocido en la categoría de Productor del Año y en categorías importantes como Álbum del Año y Canción del Año por su trabajo en álbumes como 'Tropicoqueta' de Karol G y 'Muda' de Carín León, así como por la potente colaboración anti-ICE de Becky G y Santana, 'Mi gran amor'.
Mi hija pequeña lleva tiempo afanada en coleccionar cajas con diferentes objetos de sus cantantes favoritos. No sólo vienen libros de fotos y tarjetas fotográficas aleatorias con sus rostros (los llamados photocards ), sino también discos con las canciones de un álbum. Yo me sorprendía y me preguntaba para qué querría esos discos que estamos pagando pero que no puede reproducir en plena era de la música enlatada en plataformas. A ella, sin embargo, casi es lo que más ilusión le hace. La simple presencia física del CD decorando una estantería le transmite tanta ilusión o más que los pósteres que decoran las paredes de su cuarto. Veo algo paradójico en esta anécdota. Mientras seguimos desarrollando tecnologías capaces de realizar tareas que hasta hace poco considerábamos exclusivamente humanas, seguimos dando valor a lo físico, lo corpóreo, lo táctil . Conversamos diariamente con máquinas, generamos imágenes de lugares que no existen, delegamos casi todas nuestras decisiones en algoritmos. Todo a una velocidad que desborda nuestra capacidad para asimilarlo. Y sin embargo, seguimos necesitando algo tan elemental como lo físico. La tecnología parece avanzar hacia un mundo en el que el cuerpo será cada vez menos necesario para hacer cosas. ¿Significa eso que será menos necesario para vivir? Quizá una de las grandes preguntas de nuestro tiempo sea qué sucede con nuestra condición humana cuando una parte creciente de nuestra actividad deja de requerir nuestra intervención física. En 2009, el biólogo Edward O. Wilson formuló un diagnóstico aún vigente: "Tenemos emociones del Paleolítico, instituciones medievales y tecnología propia de dioses". La frase apuntaba al desajuste entre evolución biológica, estructuras sociales y nuestra capacidad tecnológica . Habíamos desarrollado herramientas extraordinariamente poderosas sin adquirir necesariamente la madurez para utilizarlas. Percibo hoy otra preocupación: estamos construyendo un mundo cada vez más sofisticado mientras nuestra relación con la experiencia corporal lucha por no debilitarse. La digitalización ha transformado nuestra relación con la realidad. Trabajamos sin desplazarnos, conversamos sin encontrarnos, consumimos imágenes de parajes que nunca visitaremos y acumulamos información sobre experiencias que no hemos vivido. La representación parece haber adquirido más protagonismo que la presencia. Todo está disponible, pero ¿está verdaderamente experimentado? En Una teoría crítica de la inteligencia artificial , Daniel Innerarity asume que la inteligencia artificial no va a salvarnos ni a destruirnos, pero sí que va a condicionar nuestras sociedades y modificar nuestra manera de comprender el mundo. Su propuesta me parece interesante: no basta con preguntarnos qué pueden hacer las máquinas; necesitamos comprender qué hacemos nosotros con ellas y cómo transforman nuestras capacidades. Esta reflexión adquiere una dimensión especial cuando pensamos en el cuerpo. ¿Qué significa la inteligencia cuando dejamos de identificarla exclusivamente con la capacidad de procesar información? La inteligencia humana no es una operación abstracta , separada de nuestra existencia. Está vinculada a nuestra biografía, emociones y relación física con el entorno. Pensamos desde un cuerpo, interpretamos desde una historia y comprendemos muchas cosas porque antes las hemos sentido con un contacto físico similar al de mi hija cuando maneja en sus pequeñas manos los discos de sus cantantes preferidos, aunque no pueda escucharlos. Lo corpóreo viene a ser nuestra manera de estar en el mundo . No tenemos un cuerpo como quien tiene una herramienta: somos cuerpo. Nuestra relación con la realidad comienza mucho antes de que podamos explicarla mediante conceptos. El mundo no es primero una información que procesamos después, sino algo que habitamos, que nos afecta y nos transforma. Algo, en definitiva, que tocamos. Una inteligencia artificial puede analizar millones de imágenes de nuestro lugar favorito. Puede generar una descripción extraordinariamente evocadora de ese paisaje al que volvemos como refugio una y otra vez en la mente. Pero ninguna de esas operaciones equivale a caminar entre sus rincones, sentir la humedad de la tierra, el silencio o la brisa marina en la piel. No se trata de establecer una competición entre inteligencias humanas y artificiales, sino de reconocer que nunca serán formas de conocimiento intercambiables. El cuerpo nos proporciona una forma de conocimiento que no siempre puede traducirse en datos. Nos permite percibir matices, reconocer contextos y establecer conexiones en nuestra memoria. Por ejemplo con recuerdos de nuestra infancia. También nos avisa de algo simple pero fascinante a la vez: la vida no funciona como un sistema perfectamente optimizable. Tenemos hambre, necesitamos descansar, enfermamos y dependemos de los demás. Nuestra existencia está atravesada por la vulnerabilidad y la interdependencia. Creo que ahí reside una parte esencial de nuestra humanidad , que nos lleva a seguir siempre buscando contacto físico en momentos de flaqueza. Es verdad que nuestra sociedad tiende a sustituir la contemplación por el estímulo digital y la presencia por la necesidad de conexión permanente. Imaginemos quedarnos un día sin cobertura. Si seguimos dejándonos arrastrar por esta nueva ansiedad vital, corremos el riesgo de perder nuestra capacidad de demorarnos en las cosas, dejarnos afectar por ellas y establecer relaciones que no estén subordinadas a la utilidad inmediata. Que esté aquí reivindicando el cuerpo no significa que idealice un pasado supuestamente más auténtico. El cuerpo no es el contrario de la tecnología , sino el lugar desde el que podemos comprender sus posibilidades y límites. Desde nuestra condición corporal podemos decidir qué necesitamos de las máquinas, qué podemos delegar en ellas y qué no deberíamos dejar de hacer. Quédense con esta idea. No dudo que la inteligencia artificial nos amplíe ciertas posibilidades vitales. Pero esa liberación sólo tendrá sentido si sabemos qué queremos hacer con el tiempo recuperado. De poco sirve automatizar el trabajo si terminamos sometiendo también el descanso, las relaciones, la creatividad y el ocio a la lógica de la productividad. No es preocupante que las máquinas se parezcan cada vez más a nosotros. Me parece peor que nosotros terminemos pareciéndonos demasiado a ellas. Por eso vuelvo al cuerpo. Vuelvo al disco de mi hija pequeña que ahora veo de otra forma, aunque casi no quepa en sus repletas estanterías. Vuelvo a imaginar un futuro que no confunda progreso tecnológico con progreso humano, aunque lo artificial sustituya definitivamente a la mayoría de nuestros objetos. Espero que entonces, cuando no existan discos ni en tiendas de curiosidades, no desaparezca la capacidad de preguntarnos qué queremos hacer con el tiempo y nuestros cuerpos cuando ya no necesitemos hacer tantas cosas por nosotros mismos, porque las hace una máquina. _____________________________ Albano de Alonso Paz es catedrático de Lengua y Literatura, profesor y Cruz al Mérito Civil por su labor en el campo de la enseñanza.
Esta es la selección que han hecho los críticos de ABC de los últimos discos que se han publicado. Algún día habrá que hacer un estudio de por qué en «big 2026», como dicen los Z, muchos grupos 'mainstream' han decidido que las intros vuelven a estar de moda. En el caso del nuevo disco de los Leon, como en muchos otros, 57 segundos innecesarios que, en fin, no te dejan traumatizado y pasan rápido y se olvidan de golpe al escuchar la voz en gracia de Caleb en el décimo trabajo de la familia Followill. Con esta banda siempre da la sensación de que están a punto de explotar sin terminar de hacerlo, hits puntuales aparte, y, por primera vez en 20 años, parece que aquí no lo buscan. Desde el 'My Whole World' que abre hasta el 'Get You Down' que lo cierra (aunque un poco bajonera para acabar, en la tónica del disco), inspira una paz y tranquilidad que solo puede darte un disco hecho sin ansia ni ambiciones exageradas. Y, supongo, ahí es donde encuentra la belleza que hace que funcione. Canciones pausadas, bonitas, de guitarras melosas, voces casi susurradas, melodías redondas, bajos respetados (y protagonistas, como en 'Koysar') que, pese a lo monótono de la propuesta en tanto que son TODAS tirando a lentas, no cae en la repetición ni te arruina el día abrazado a la tristeza. Tampoco es que hayan sido nunca los más movidos del lugar, vaya, pero en su décimo 'hijo' suenan a que disfrutan de su ritmo pausado y logran una agradable escucha a la que volver. 'Cold Blue Down', 'Feel The Love' y 'Blue Jeans And Diamonds' (esta última con alguna reminiscencia de 'Use Somebody' en el estribillo) tienen muchas papeletas para quedarse en sus repertorio. Digno de escuchar. Alcalá Norte no ha inventado nada. Eso no es un problema, porque salvo Miles, Mozart, La Niña de los Peines, Pierre Schaeffer y algún que otro iluminado más, pocos lo han hecho. Lo que sí han conseguido los de la calle Elfo es hacer suyo un sonido ya viejuno al que imprimen tanta frescura y personalidad que parecen haberlo creado ellos. Los destinados a renovar el post-punk patrio –eso decían hace tres años con el inesperado éxito de su debut, grabado como «disco póstumo» porque «la formación ya había naufragado», según confesó la banda a ABC – han llevado su música al siguiente nivel. Los 11 nuevos temas siguen sonando a The Cure, Héroes del Silencio y Décima Víctima, eso no se puede negar, pero cada vez más a Alcalá Norte, con una dosis extra de desparpajo y originalidad. En 'En Valmy', de hecho, tienen el cuajo de comenzar el álbum con un órgano que parece sacado de 'Qué no daría yo', la increíble canción (cero ironía) que José Luis Perales compuso para Rocío Jurado en 1990. Y encaja, pero cuando gritan enseguida uno de sus estribillos arrebatadores («joder, me siento indiferente, ¡cómo me suda la frente! / Corriendo a través de las puertas de la muerte»), sabes al instante que lo han vuelto a hacer. Alguien les podría afear que no incluyan otro himno inmediato como 'La vida cañón', el que elogió Rosalía en público y convirtió a Alcalá Norte en el grupo del que todo el mundo hablaba. Para mí, sin embargo, eso es una bendición, no una condena. No hay una canción que destaque sobre las otras. 'Dejémoslo como estaba' es un elepé equilibrado en el que podrías cambiar el orden de los temas –sacando los títulos aleatoriamente de un saco con los ojos cerrados– y el conjunto sería igual de bueno. Pero lo más importante es que sus seguidores podrán seguir coreando sus estribillos. Ya lo comprobamos cuando tocaron por primera vez 'El hombre planeta', su primer sencillo, en un concierto gratuito en Madrid Río solo dos semanas después de presentarlo. Y lo confirmamos ahora con cortes como 'El endemoniado' («No creo en Dios, solo en el Sol, como las hojas. / Y sobre la Luna, tengo mis dudas»), 'Los llamados pitagóricos' o esos 'Campos de golf' con los que Álvaro Rivas, su vocalista, denuncia a su manera la maldita crisis de la vivienda que padecemos los del populacho: «Crecеn los campos de golf a mi alrededor, crecen los campos de golf en mi tierra». Si exceptuamos el pequeño capricho de versionar a Icare, una banda francesa de heavy metal, e incluir un tema propio en inglés, 'Oscar The Tiny One', que te sacan un poco del trance, Alcalá Norte logra cerrar el álbum por todo lo alto con 'La venta nueva', una especie de versión pop menos distorsionada y más oscura que, perdonen el atrevimiento, me recuerda un poco a 'Flexible Flyer' de Hüsker Dü. Y eso es un piropo. Ya me imagino a los 15.000 espectadores del Movistar Arena, que los madrileños asaltarán por primera vez el 20 de marzo, cantando «¡perros ladrando en la Venta Nueva / a la entrada de Madriiiiiiid» como si fuera «Take Me Ouuuuuut, Tonight». Palabras mayores. El futuro ha llegado, las máquinas dominan el mundo y las IA generativas campan a sus anchas entre los escombros de una civilización, la nuestra, a punto de desaparecer. Pues bien, ahí, en ese —no tan distante— futuro, bien podría servir la música de Twisted Teens como último baluarte para la supervivencia de la especie. Son un descubrimiento raro, inusual y fresco como el mejor sushi de lonja japonesa. Prueba evidente de ello son los, no 1, ni 2, ni 3, sino 3 discos que llevan publicados solo en lo que va de año. Y ¡ojo!, porque todavía les queda diciembre. Aquí hay consenso en que lo importante no es la cantidad, sino la calidad, pero es que esa certificación también se la lleva con creces este salmón flambeado. Se me ha ido de madre la metáfora del sushi y es de recibo recordar que esta banda no tiene nada que ver con Tokio, sino con el delta de los Estados Unidos, más concretamente con Nueva Orleans. Canciones como trenes bala (¡y dale!), de una frescura radical, guitarras abrasivas y una alucinante voz rasposa y seudoafónica, como la que se le queda a uno tras tres días en el festival de Matsuri 祭. Rock garagero, folk-punk y country alternativo para arropar al corazón maltrecho por el desamor de Caspian Hollywell, frontman del dúo. Suerte que a su lado se mantiene firme y fiel RJ 'Razor Ramone' Santos —la otra mitad—, parapetado siempre con su lap steel para vigilar sus espaldas. En 'The Holy Cross Tigers' volvemos a encontrar viejos trucos como los breaks de batería 'glitcheados' o los entremeses instrumentales que ya nos sorprendieron en sus dos entregas anteriores. Y, si bien es cierto que, si yo fuera tú, empezaría mejor por su disco anterior, 'Florida Water Blues' (el de julio), esta nueva katana sigue perfectamente afilada. Hay que tener ganas de escuchar black metal, pero es cierto que, pocas géneros entran igual si es lo que te pide el cuerpo. Dentro de los estilos extremos, este es de los más abrasivos y difíciles de escuchar para un profano, pero el grupo de Olympia, Washington, ha conseguido plantarle cara a los noruegos y mirarles de tú a tú, por más que los escandinavos prendan fuego a iglesias protestantes. En su octavo trabajo, Wolves In The Throne Room se vuelven más atmosféricos que en entregas anteriores, creando un ambiente gélido y mortal en el que perderse. Las voces ininteligibles y las guitarras, agudas y con ayudan, por supuesto. Aún así, aquí se pueden encontrar algunos elementos de doom metal, de death metal y de dungeon synth, para que luego digan que suenan todos igual.
La cinta magnética, la tecnología de los antiguos VHS, vuelve a crecer gracias a la inteligencia artificial. Si creciste entre los ochenta y los noventa, seguramente te acuerdas de rebobinar las VHS antes de devolverlas al videoclub, de las cintas que se enredaban dentro del vídeo o de meter un lápiz en una casete para recogerla. Y quizá pensabas que todo aquello había quedado enterrado por el CD, el DVD, la memoria flash, la nube y el streaming, pero resulta que están volviendo con fuerza, aunque no al ámbito doméstico.. Cinco veces más cinta . Fujifilm ha anunciado una inversión de unos 10.000 millones de yenes , 57 millones de euros al cambio, para multiplicar por cinco su capacidad de producción de cinta magnética para almacenar datos en el ejercicio fiscal 2028. Eso sí, no hay que esperar videocasetes para el salón, porque se trata de cartuchos profesionales cuyo uso, según el mismo comunicado, está creciendo sobre todo entre los grandes proveedores de servicios en la nube y los operadores de centros de datos. Una VHS muy evolucionada . El principio físico, de hecho, es pariente del de las viejas cintas de vídeo y de audio, ya que la información se graba como estados magnéticos sobre una capa de partículas pegada a una cinta muy larga, aunque los sistemas LTO (Linear Tape-Open) actuales son muchísimo más sofisticados. Según el comunicado de la inversión, la compañía japonesa lanzó en 2025 la generación LTO Ultrium 10, con unas partículas magnéticas híbridas muy finas, y desde enero de 2026 vende la versión que llega a los 40 terabytes sin comprimir. El viejo peaje del rebobinado . Pero la cinta arrastra el mismo problema que conocía cualquiera que haya utilizado una VHS: es un soporte secuencial. Vamos, que para llegar a un dato hay que hacer correr la cinta hasta el punto en el que está grabado, mientras que un disco duro accede en milisegundos a archivos repartidos en diferentes posiciones, tal y como explica la misma fuente. Por eso nadie se plantea instalar Windows o abrir documentos a diario desde un cartucho, aunque para datos que hay que guardar mucho tiempo y consultar pocas veces resulta ideal. En Xataka El legendario almacenamiento en cinta sigue muy vivo: por esta razón se están vendiendo cada vez más cartuchos LTO El hambre de datos de la IA . Y es que entrenar y utilizar grandes modelos implica acumular cantidades enormes de información, que se suman a las que genera la digitalización de las empresas y que, según Fujifilm, hay que poder guardar de forma segura y eficiente. Tenerlo todo disponible en discos duros obliga a mantener muchos equipos encendidos y refrigerados, porque los discos consumen energía de forma continua , según el fabricante de bibliotecas de cinta Spectra Logic. Un cartucho, en cambio, puede sacarse de la unidad una vez escrito y quedarse en una biblioteca automatizada, donde no necesita electricidad para conservar los datos hasta que vuelvan a hacer falta. Barata y desconectada . Además, la compañía defiende en su comunicado que la cinta permite guardar grandes volúmenes de datos durante mucho tiempo a bajo coste. También hay una ventaja de seguridad, porque un cartucho separado físicamente de la red crea lo que se conoce como “air gap”, un aislamiento que, según Fujifilm, sirve para proteger los datos frente a amenazas como el ransomware, un tipo de software malicioso. Se da así una curiosa vuelta en la historia de la tecnología. Fujifilm, que trabaja con cinta magnética desde 1954 y asegura tener la mayor cuota del mercado mundial, destinará la inversión, la mayor que ha hecho nunca en instalaciones dedicadas a LTO, sobre todo a la última generación. Las cintas VHS no van a volver, pero la IA ha acabado tirando de un soporte con décadas a sus espaldas. Foto | Josh Chiodo En Xataka | Cuando los discos duros no son suficientes: si necesitas teras y teras de datos, atento a las cintas LTO - La noticia La inteligencia artificial resucita las cintas magnéticas, la tecnología de las VHS fue publicada originalmente en Genbeta por Redacción de Genbeta .
Jugar a un título competitivo a altas tasas de fotogramas no exige necesariamente el mismo ordenador que disfrutar de una aventura gráfica en resolución 4K. Las diferencias entre videojuegos, pantallas y hábitos de uso explican por qué elegir un equipo únicamente por su potencia puede conducir a inversiones poco equilibradas. En este escenario, Aussar trabaja con configuraciones personalizadas para quienes buscan un PC gaming a medida . La elección de componentes permite adaptar las prestaciones del ordenador a las necesidades reales del usuario, en lugar de partir exclusivamente de equipos con características predeterminadas. El equilibrio entre componentes determina el rendimiento El procesador y la tarjeta gráfica desempeñan funciones diferentes, aunque complementarias. Mientras el primero interviene en el procesamiento general y los cálculos del juego, la segunda resulta especialmente importante para representar imágenes complejas a resoluciones elevadas. Su elección debe tener en cuenta el tipo de videojuegos, la resolución del monitor y los fotogramas por segundo que se desean alcanzar. Una configuración desequilibrada puede impedir aprovechar plenamente determinados componentes. La memoria RAM, el almacenamiento SSD y la refrigeración también influyen en la experiencia. Disponer de suficiente memoria facilita la ejecución de aplicaciones, mientras que las unidades SSD reducen los tiempos de carga frente a los discos duros tradicionales. Por su parte, una refrigeración adecuada ayuda a mantener temperaturas de funcionamiento apropiadas durante sesiones prolongadas. La personalización permite valorar estas decisiones conjuntamente y distribuir el presupuesto según las prioridades de cada jugador. Ordenadores adaptados a diferentes formas de jugar Las necesidades cambian considerablemente entre quienes utilizan videojuegos poco exigentes, participan en competiciones online o buscan disfrutar de títulos recientes con ajustes gráficos elevados. Un PC gaming a medida permite estudiar estas diferencias antes de seleccionar los componentes. También facilita considerar otros usos, como la edición de vídeo, la retransmisión de partidas o determinadas tareas profesionales. En el caso de Aussar, su actividad se orienta a la venta y configuración de equipos informáticos, con opciones para seleccionar componentes y adaptar las características del ordenador. Otro aspecto importante es la posibilidad de actualización. Elegir una placa base, una fuente de alimentación y una caja compatibles con futuras ampliaciones puede prolongar la utilidad del equipo, aunque ninguna configuración garantiza compatibilidad indefinida. La personalización tampoco implica necesariamente elegir los componentes más caros. Un ordenador bien planteado debe responder al uso previsto y mantener una relación razonable entre prestaciones y coste. El verdadero valor de configurar un equipo reside en comprender qué necesita cada usuario. En un mercado con múltiples combinaciones posibles, esa decisión resulta tan importante como la potencia final del ordenador.
La inauguración del Festival de Otoño de Madrid se realiza con el estreno en España de una de las últimas obra creadas por el genial director norteamericano Bob Wilson, 'PESSOA - Since I’ve Been Me' 'Yerma' vuelve al teatro en el que nació, bajo la influencia del asesinato de su autor y en el gran año de Lorca Bob Wilson, fallecido el año pasado, había prohibido la reposición de sus obras. Abominaba el repertorio. Pero el 6 y el 7 de noviembre, el Festival de Otoño de Madrid programó, para su inauguración, PESSOA - Since I’ve Been Me , protagonizada por María de Medeiros. Era una de las últimas obras levantadas por el director tejano pocos meses antes de morir de un cáncer a los 83 años. Había, por tanto, una gran expectación. La gran sala roja de los Teatros del Canal estaba a rebosar. Quien quisiera ver un montaje de Wilson, era ahora o nunca. Nadie se lo quería perder. Paradójicamente, la velada se cerró con uno de los aplausos más fríos que este certamen recuerda. PESSOA - Since I’ve Been Me comienza hermosa, pequeña, con el público todavía entrando y buscando asiento. En el borde del escenario María de Medeiros está sola, mirando al respetable. La gente no la reconoce con tanto maquillaje, su caracterización del poeta portugués Fernando Pessoa despista, parece un clown beckettiano. Medeiros interpela con la mirada a quienes llegan, sonríe, gesticula símbolos incomprensibles con las manos que luego ella misma destruye con furia en el aire. Una acuarela del artista portugués Paulino Libralato preside la escena como infinito marino. Poco a poco van surgiendo soles rojos en ese paisaje, hasta seis. Por el lateral superior queda suspendido un rayo también carmesí. La escena es tan artesana como precisa. Pura luz y símbolo. Bob Wilson es quizá la última vanguardia escénica que azotó el siglo XX. Fue un creador revolucionario, junto a Philipp Glass, con Einstein In The Beach en los setenta y montó un emporio escénico tan opulento como artísticamente rico por el que pasó lo más granado de la escena internacional. Lou Reed, Tom Waits, Willem Dafoe, Mijaíl Barýshnikov, Laurie Anderson o hasta la mismísima Lady Gaga son algunas de las figuras que pasaron por las manos de este creador. Con él el teatro y la ópera alcanzó un mundo en el que el director de escena llegaró a ser plenipotenciario, y también la constancia de que el teatro no es tan solo texto, que otro mundo es posible construyendo a través del espacio, la luz y el movimiento. Su historia es también la de una desmesura. Prueba de ello fue su proyecto llamado the CIVIL warS: a tree is best measured when it is down. Una obra de 14 horas realizada para los Juegos Olímpicos de Los Ángeles de 1984. La ópera constaba de seis partes, cada una ensayada en un país diferente (Alemania, Francia, Japón, Italia, Países Bajos y EEUU). Nunca llegó a representarse en su forma completa. El proyecto sufrió un colapso financiero de dimensiones nunca vistas en el mundo de la cultura. Pero su carrera está trufada de hitos que marcaron un antes y un después en la historia del teatro. Los más viejos del lugar recuerdan todavía su primera intervención en este mismo festival, nada menos que con Hamletmachine de Heiner Müller en 1987. Los más jóvenes todavía rememoran hoy en día su espectáculo con Marina Abramović , The life and death of Marina Abramović , en el Teatro Real en 2012 o alguno de sus últimos trabajos con Isabelle Huppert, como el monólogo Mary Said What She Said , sobre María de Escocia que en 2019 pudo verse en el Festival Grec. La obra 'PESSOA - Since I've Been Me' de Bob Wilson en el Festival de Otoño Con todo ese peso llegaba Pessoa - Since I’ve Been Me . Y no defraudó a los más wilsionianos. Todo su decálogo está presente en esta obra, las imágenes son de gran poder evocativo, los movimientos de otro mundo, pero por lo que sí sorprendió fue por la presencia de una palabra omnipresente. Algo inhabitual en este creador de grandes silencios donde la caja escénica se convierte en un espacio de luz y sueño. En la obra hay textos que funcionan como un metrónomo como ese relato kafkiano y platónico de los diarios de Pessoa en que el poeta es un insecto fútil y ciego que quiere ir hacia la luz que hay al otro lado de la ventana. También está trazado con geometría perfecta los textos de El guardador de rebaños , los 49 poemas que el poeta escribió de una tirada en 1914, sin parar, absorto en una antimetafísica naturalista que cambió la poesía europea. Pero Wilson acomete una misión casi imposible, escenificar la fragmentación de la conciencia del poeta a través de sus heterónimos, esos personajes (Bernardo Soares, Ricardo Reis, Álvaro de Campos o el mismo Alberto Caeiro) que Pessoa creó como partes de él mismo y a los que dio nombre, biografía y hálito poético. Los actores —Aline Belibi, Rodrigo Ferreira, Klaus Martini, Sofia Menci, Gianfranco Poddighe y Janaína Suaudeau y la misma Medeiros— son fragmentos de esa poliédrica identidad. Todos visten como espejos del mismo Pessoa, recitan y se mueven como clowns que van abandonando lo beckettiano para hundirse en la pantomima americana de principios del XX, aquella de Charles Chaplin y Buster Keaton. La escena, a través de los textos del poeta, se convierte en una indagación sobre la identidad, sobre su renuncia al amor, sobre su soledad y su lucha literaria, tan alejada del mundo. Una indagación que si escénicamente sigue los cánones de limpieza, geometría y repetición tan identificativos de este creador, se pierde en la multiplicación de textos de gran densidad que además son dichos indistintamente en italiano, francés y portugués. Algo que suma una mayor exigencia para el espectador que intenta seguir, abrumado y como puede, la densidad de los textos en las pantallas habilitadas en el teatro. Además, la elección políglota de esta obra parece deberse más a una necesidad mercantil que a algo artístico. La obra esta producida por teatros de Italia, Francia y Portugal. La obra 'PESSOA - Since I've Been Me' de Bob Wilson en el Festival de Otoño Entra así, el espectáculo, en una deriva que la maestría de Wilson para manejar la escena y crear poderosas imágenes no consigue salvar. La penúltima parte, con textos del Libro del desasosiego , aun con una escenificación de gran potencia donde vemos a esos Pessoas multiplicados sentados en una misma cena etílica donde manteles, sillas y mesas acaban suspendidas e ingrávidas, no consigue ir hacia lo sintético y acaba confusa. Además, la elección de Wilson por un humor de pantomima norteamericano en el gesto y el movimiento de los actores no casa demasiado con el universo de Pessoa. La idea puede ser buena, se entrevé que el director quiere aunar el universo del poeta con la capacidad vanguardista de la renovación de la mímica en Estados Unidos, pero la manera de llevarlo a cabo, con aires de vodevil ligero, no casa ni consigue sumar una semántica precisa al espectáculo. No es esta obra una de las más redondas del creador tejano. Pero, al mismo tiempo, cuenta con perlas susceptibles de quedar fijas en la red subcortical del espectador. Valgan dos ejemplos. El primero es María de Medeiros, entregada a ser herramienta del director, pero dotando su personaje de una liviandad aérea, frágil y conmovedora. Es un placer ver a esta actriz — Henry y June , Pulp Fiction o la reciente Una quinta portuguesa— a sus 61 años entregada a la rigidez del trabajo de Wilson, pero al mismo tiempo tan sabia y juguetona. El segundo es una pequeña escena justo antes del final. Dos personajes en traje de plata salen a escena. Una música, que es letanía, los acompaña. Se mueven con lentitud. Se miran. Uno saca un revolver y apunta a quien sabe que es él mismo. Dispara. Después se descerraja un balazo en la cabeza. Quizá en esa imagen está resumido todo el universo de la pieza, una imagen que recordaba en estética y espíritu a uno de los mejores discos de David Bowie, su gran epitafio Blackstar . Bowie y Wilson estuvieron a punto de colaborar en los noventa en un espectáculo sobre los discos del músico británico. No fraguó. La vida es larga y llena de posibilidades que nunca llegan a ser. Con ese aire de lo que ya nunca será se inauguró este festival que quiso rememorar tiempos pasados abriendo su certamen con una de la voces más subyugantes de la escena contemporánea ya ida.
VALÈNCIA. Hay quien dice que lo importante es llegar al destino. Pero cada vez más conductores descubren que el viaje empieza mucho antes: en el momento de ponerse al volante, arrancar el coche y elegir qué quieren escuchar. No hace tanto tiempo, viajar en coche significaba sintonizar la emisora que mejor se recibiera en cada tramo, esperar a que sonara nuestra canción favorita o preparar una selección de música antes de salir. Los más previsores llevaban una colección de CD en la guantera. Los demás, se conformaban con lo que ofrecía la radio. Hoy, el panorama es muy diferente. La música a la carta, los pódcast y los audiolibros han transformado el entretenimiento a bordo. Un atasco puede convertirse en una oportunidad para descubrir una historia fascinante, una escapada de fin de semana en el momento perfecto para terminar una novela y un viaje en familia en una sesión musical compartida. Y la tecnología de conectividad de Ford, con sistemas como SYNC 4, permite disfrutar de estos contenidos de una manera cómoda, intuitiva y adaptada a cada viaje. SYNC 4: la tecnología que conecta el coche con tus contenidos favoritos La experiencia comienza con una conexión. Los vehículos Ford equipados con SYNC 4 permiten integrar un teléfono compatible mediante Apple CarPlay y Android Auto inalámbricos, facilitando el acceso a aplicaciones de música, pódcast y otros contenidos de audio desde la pantalla del vehículo. Así, una lista de reproducción que estábamos escuchando en casa puede acompañarnos durante el viaje, o podemos retomar un pódcast justo donde lo dejamos. El sistema también incorpora funciones de reconocimiento de voz que permiten realizar determinadas operaciones sin manipular el teléfono. Además, según el modelo y el equipamiento, la navegación conectada ofrece información actualizada sobre el tráfico y ayuda a planificar los desplazamientos. Y para quienes valoran especialmente la calidad del sonido, algunos modelos Ford pueden incorporar equipos de audio B&O, desarrollados para ofrecer una experiencia de escucha de gran calidad dentro del habitáculo. Es el caso del Ford Kuga, que dispone, según versión y equipamiento, de un sistema B&O de 700 vatios. Porque escuchar una canción conocida con un buen equipo de sonido siempre puede deparar alguna sorpresa. Pódcast: la radio que tú programas Los pódcast han dejado de ser una curiosidad para convertirse en una forma habitual de entretenimiento. Según el Estudio de Audio Digital 2026 de IAB Spain, el 61 % de los internautas españoles ha escuchado pódcast durante el último año. Su principal atractivo es la libertad de elección. Hay programas de prácticamente cualquier temática y duración, desde episodios breves para acompañar el camino al trabajo hasta entrevistas de más de dos horas que pueden ocupar buena parte de un viaje. El coche resulta especialmente adecuado para este formato. Podemos descubrir una historia, aprender algo nuevo o disfrutar de una conversación mientras recorremos kilómetros. Y, a diferencia de la radio tradicional, decidimos qué escuchar, cuándo hacerlo y durante cuánto tiempo. Plataformas como iVoox y Spotify, junto con las aplicaciones de las principales emisoras, ofrecen una enorme variedad de contenidos. Además, su integración con Apple CarPlay y Android Auto, cuando está disponible, facilita gestionar la reproducción desde los controles compatibles del vehículo. Un consejo para los viajes largos: descargar los episodios antes de salir. Así, la historia puede continuar incluso cuando atravesamos una zona con poca cobertura. Audiolibros: leer sin soltar el volante El audiolibro es uno de los grandes aliados de los viajes largos. Permite descubrir una novela, escuchar una biografía o adentrarse en una historia sin necesidad de pasar una sola página. Plataformas como Audible han contribuido a popularizar este formato con catálogos que incluyen literatura, ensayo, divulgación y producciones originales interpretadas por actores y narradores profesionales. Pero el panorama acaba de incorporar una novedad importante: desde el 7 de octubre de 2026, Spotify también ofrece audiolibros en España. Su catálogo internacional supera los 350.000 títulos en más de 120 idiomas, y determinados planes Premium incluyen doce horas mensuales de escucha, con opciones para ampliar ese tiempo. Para quienes ya utilizan Spotify en el coche, esto significa poder alternar música, pódcast y literatura desde una misma aplicación, siempre que el contenido esté disponible en su modalidad de suscripción. La ventaja del audiolibro es que cada viaje puede convertirse en un nuevo capítulo. Y, en ocasiones, llegar al destino antes de conocer el desenlace puede ser el único inconveniente. Música: cuando cada carretera tiene su propia banda sonora Hay canciones que parecen escritas para escucharlas mientras conducimos. Algunas acompañan los primeros kilómetros de unas vacaciones; otras quedan asociadas para siempre a una carretera, un paisaje o una conversación. La música sigue siendo la gran protagonista del entretenimiento sonoro. Spotify, Apple Music, Amazon Music, Deezer o YouTube Music permiten crear listas personalizadas, descubrir artistas y recuperar canciones que creíamos olvidadas. En los Ford equipados con SYNC 4, las aplicaciones compatibles pueden utilizarse mediante Apple CarPlay o Android Auto, con las funciones de reproducción y control que permita cada servicio. Además, los mandos del volante y las órdenes de voz compatibles ayudan a gestionar la música reduciendo la necesidad de interactuar con las pantallas. Y para quienes viajan acompañados, siempre queda la posibilidad de nombrar a un copiloto responsable de la selección musical. Una decisión aparentemente sencilla que puede dar lugar a interesantes negociaciones familiares. Diez propuestas para ponerle sonido a cada viaje Si todavía no sabes qué escuchar en tu próxima escapada, aquí tienes diez propuestas que combinan popularidad y originalidad. Desde las grandes plataformas de audio hasta historias capaces de convertir cualquier trayecto en una pequeña aventura. Spotify. Para quienes quieren tenerlo todo. Música, pódcast y, desde octubre de 2026, audiolibros en una misma aplicación. Una de las plataformas de audio más populares en España. Nadie Sabe Nada. Para viajar entre carcajadas. Andreu Buenafuente y Berto Romero convierten la improvisación en un arte. Ideal para esos viajes en los que apetece desconectar. Audible. Para devorar libros sin pasar páginas. Novelas, biografías y producciones originales con narraciones profesionales. Una gran compañía para los trayectos largos. La Ruina. Para reírse de las desgracias ajenas. Tomàs Fuentes e Ignasi Taltavull convierten las anécdotas más vergonzosas de sus invitados en entretenimiento. SER Historia. Para viajar también en el tiempo. Nacho Ares nos acerca a grandes civilizaciones, personajes y misterios históricos. Cultura para sumar kilómetros. iVoox. Para exploradores del audio. Una plataforma española con miles de programas de historia, misterio, ciencia, humor y divulgación. Perfecta para descubrir nuevas voces. Un Libro Una Hora. Para los amantes de la literatura. Grandes obras de la literatura universal adaptadas a aproximadamente una hora de narración. Una novela clásica puede acompañarte durante toda una escapada. The Wild Project. Para los más curiosos. Conversaciones extensas con invitados del mundo de la ciencia, la cultura, el deporte y la actualidad. Especialmente adecuado para viajes de varias horas. Sofá Sonoro. Para descubrir la historia de la música. Alfonso Cardenal nos invita a conocer las historias detrás de discos y artistas legendarios. Una manera diferente de escuchar nuestras canciones favoritas. YouTube Music. Para quienes buscan su propia banda sonora. Canciones, versiones en directo, rarezas musicales y listas personalizadas para cada momento del viaje. Esta selección combina algunas de las plataformas más utilizadas con programas destacados por su audiencia en el Observatorio iVoox 2025 y en los estudios de audiencia del EGM 2026. El copiloto que nunca se cansa Pódcast para descubrir nuevas ideas de camino al trabajo. Audiolibros para acompañar las escapadas largas. Música para cantar en familia o disfrutar de esos momentos en los que la carretera parece tener su propio ritmo. La conectividad de Ford, con tecnologías como SYNC 4, Apple CarPlay, Android Auto y los sistemas de sonido B&O disponibles en determinados modelos, ayuda a convertir cada desplazamiento en una experiencia más personal. Eso sí, conviene preparar las listas de reproducción y descargar los contenidos antes de salir, utilizar los controles de voz cuando sea posible y recordar que la atención debe permanecer siempre en la conducción. Porque el mejor entretenimiento a bordo es aquel que acompaña sin distraer. El destino importa. Pero con el copiloto adecuado, el camino también.
El artista, que publica su nuevo disco, ‘Precisamente’, reivindica la naturaleza frente a la tecnología y el papel de la cultura en una sociedad cada vez más alejada de la vida Alcalá Norte: “Mucha gente votará por miedo a vivir en un mundo peor, en vez de por el deseo de vivir en uno mejor” Vídeo - La entrevista completa a Kiko Veneno Kiko Veneno (Figueres, 74 años) ha aprendido a hablar con la naturaleza. El músico quiere sentarse delante de un árbol y preguntarle cómo ha dormido, qué edad tiene o cuáles son sus expectativas vitales. Después, él mismo responderá en su nombre, como si el árbol pudiera conversar con él. No se trata únicamente de una ocurrencia. “Nosotros somos la naturaleza”, declara el artista, que considera que nos estamos alejando de aquello que realmente nos conecta con la vida para convertirnos en esclavos de las macrociudades. Con esa misma voluntad de ir a contracorriente, el cantante publica Precisamente , un disco con el que busca combatir unos tiempos que considera “siniestros”. Lo hace, además, con esperanza, pues el autor de Veneno (1977) regresa a la rumba que tanto le ha caracterizado en el pasado para hacer un disco “alegre y luminoso”. Se trata de un proyecto que ha sido producido por Bronquio y que contiene colaboraciones con Estopa y Miquel Barceló, autor de la portada y cuya voz también aparece en una de las canciones. Su manera de entender la música y la vida también le lleva a cuestionar una sociedad cada vez más individualista, en la que se desprecia la cultura y se relega a quienes viven de ella a una situación de precariedad. No se deja seducir por la fascinación tecnológica y desconfía de una inteligencia artificial puesta al servicio de los intereses económicos de unos pocos. Frente a la idea de que las máquinas puedan sustituir a las personas, Kiko Veneno reivindica algo mucho más sencillo: volver a reconocernos como parte del medio ambiente. Kiko Veneno, durante su entrevista para elDiario.es A sus 74 años no deja de dar conciertos. ¿Qué le da la música que le hace mantenerse tan activo? La música es un gran bien social para el mundo. Todo el mundo, de una forma u otra, la necesita. También es un bien esencialmente público, como el agua o el aire, aunque esté privatizada en partes. Por tanto, es algo que nos comunica unos con otros y nos une. ¿Qué debe suceder para que quiera sacar un nuevo disco? Sacaría dos o tres discos nuevos al año. Si tuviera mercado y gente que lo pudiera y quisiera comprar, lo haría. Por lo que publica Precisamente . Como no puedo hacer tres o cuatro discos al año, que es lo que me gustaría, hago uno cada tres o cuatro años. Tocaba hacer un disco ya después del último, que fue Hambre , y hemos tenido un encuentro muy interesante con nuestro mánager, Carlos Mariño, la compañía, el productor El Bronquio y también Raúl de la Mina, para darle un contenido en contra de los tiempos. Los tiempos van de siniestros y nosotros queremos hacer un disco para contrarrestar; un disco alegre, con luz, luminoso. Ese ha sido el planteamiento y lo hemos cumplido bien. Vuelve a la rumba, pero siempre ha mezclado muchos géneros. Es mi modo de ver la música: ofrecer siempre una variedad de alternativas. Yo pertenezco a la generación pop, que es la generación de los 60 y los 70, la de los Beatles. Lo que más me gustaba de ellos, aparte de las canciones tan preciosas que hacían y lo bien que tocaban, era que podían hacer cualquier estilo. Hacían un vals, una canción psicodélica, rock progresivo, una canción estilo india o una balada romántica francesa. La grandeza del pop y de la revolución de la clase obrera que se expresa a través de chavales jóvenes como los Beatles y los Rolling era poder ofrecer esa variedad. No supeditarse necesariamente al estilo que se les daba mejor para no desconcertar tanto a la gente. ¿La guitarra le ayuda a sentirse menos solo? La guitarra no es el instrumento que acompaña mi soledad, es el instrumento que la rompe. A partir de aprender solo en tu casa a utilizarla, te permite conectar con los demás, porque te reúnes con los amigos, cogéis la guitarra y empiezan a sonar canciones. La soledad está en enfocar la vida en una sola dirección: meter a la gente en grandes ciudades, poner la tecnología como lo más importante, no dejar opciones como lo rural, la naturaleza, la filosofía, la humildad, el compañerismo o la familia. La unidireccionalidad es un carácter del capitalismo avanzado y monopolista. Crear ciudades de 40 millones de habitantes es crear ciudades de gente solitaria. Las líneas económicas donde el dinero renta están en la macrociudad y la supertecnología; en abandonar, despreciar, negar y ocultar la naturaleza. La naturaleza es lo que te conecta con la vida y con las demás personas; te sientes copartícipe, como un río de agua, y estás en la tierra con los árboles y las piedras. En el momento en que estás en un sitio donde solo ves casas, cemento y hormigón, te alejas del significado verdadero de la vida, trabajando mucho y conduciendo a un pozo de soledad. En el disco aborda el amor como resistencia. ¿Es la solución en tiempos de polarización? El amor es una respuesta al horror. Hay dos respuestas al horror: el amor y el humor. Las dos son muy válidas, pero el amor es más completa. La polarización es una cosa que se han inventado los ideólogos que nos mantienen en la miseria, un concepto vano que no implica nada. El concepto real es la soledad, el desprecio de la vida humana, la deshumanización, convertir a la gente en mercancías y despreciar lo más profundo y sagrado que tiene el ser humano. Eso es lo que me preocupa, pero la polarización no deja de ser un concepto publicitario en manos de cuatro ideólogos. En el pasado tuvo dificultad para vivir de la música. ¿Qué le enseñó esa etapa? Mucha gente dice ahora que la mayor parte de los músicos tienen que pagar por tocar o no pueden vivir de la música, pero esto lo decía yo hace 50 años. En Sevilla, por ejemplo, viven de la música en el flamenco una docena o treintena de personas. Me pareció que se estaba relegando a la cultura a un sitio donde pudiera ser dominada y despreciada convenientemente. La cultura y el arte dan mucha esperanza a la gente así que no conviene que sea así, vaya que la gente se crea que la vida es para disfrutarla. Preferían enseñarnos que la vida es, sobre todo, para trabajar, para consumir y para putear al vecino, aunque ahora la gente es más consciente de eso. ¿Teme lo que pueda pasarle a la cultura después de las elecciones del 29N? Totalmente, pero toda partida tiene su contrapartida. La gente que ama la cultura y el arte no se va a rendir porque vengan cuatro monigotes a decir pamplinas; todo lo contrario, eso le va a dar más fuerza y energía. Hitler era un mamarracho, un déspota y un genocida, pero El gran dictador de Chaplin es un gran canto a la humanidad y a la esperanza que no hubiera sido posible sin el mamarracho de Hitler. Tengo mucha fe en el corazón humano y en que la gente necesita de verdad el arte y la cultura, porque es la forma más bonita y positiva que tenemos de comunicarnos y compartir el mundo, y lo que estamos viviendo ahora parece un plan perverso de una película de malos. Si hubiéramos cuidado más la cultura, ¿tal vez no estaría sucediendo el auge de la ultraderecha? Piénsalo al revés. Si la gente que domina el mundo a través del dinero y la guerra quiere dominar y que el dinero se siga reproduciendo de forma vertiginosa, no les interesa para nada el arte y la cultura. ¿Cómo pueden partidos políticos como Vox tener tanto éxito entre los jóvenes? Hay dos factores. Lo primero, la ignorancia. Esta gente joven son una minoría, pero es una minoría muy expresiva donde la vitalidad de la juventud se une con la ignorancia, y eso es una bomba. No han tenido educación, sus padres trabajaban todo el día y se han criado con lo primero que han encontrado en internet. Esto ha sido lo que les ha parecido más llamativo para manifestar una personalidad prominente, y se han agarrado a ello. Después, la incapacidad de la socialdemocracia desde hace 50 años. En el momento en que los partidos de izquierda se relajan pensando que ya tienen al capitalismo comprometido con una vida digna, se equivocan, porque el capitalismo es un monstruo voraz e insaciable. ¿Le da esperanza la izquierda actual? Poquísima. Me da esperanza la gente, pero la izquierda actual, nada. El espectáculo que han dado cuando Rufián propuso su plan... Fue como si dijera: “Si todo el mundo da un paso atrás y es capaz de organizar una muralla unida de izquierdas de verdad, a través de los grupos territoriales, yo seré vuestro candidato”. Fue un poco petulante por su parte, pero era muy real. Lo que pasa es que, como le pasó a Jesucristo, los discípulos lo vendieron a los romanos y lo crucificaron. ¿No es sorprendente que ahora la música sea más accesible, pero a costa de precarizar todavía más a los músicos? Tiene lógica porque la música es muy poderosa. El sistema la utiliza para hacer feliz a la gente en sus múltiples variedades y para pagar lo menos posible. La operación es perfecta: meto música de consumo y en los supermercados, música techno para bailar con las pastillas o música indie en festivales de verano. Cubren todos los aspectos con poquísimos costes. El negocio es redondo. No es tan bueno como el de la guerra, pero es un buen negocio para ellos. ¿Siente que este individualismo tan feroz es una batalla perdida? Cuando estás solo, ¿qué es lo que te puede defender? Yo, yo y yo es lo primero. Como no hay un espíritu colectivo para compartir y satisfacer tus necesidades de comunicación y de ser feliz, te ofrecen la salvación del yoísmo. De ahí vienen los libros de autoayuda. La autoayuda llega cuando la sociedad no es capaz de darte ninguna ayuda, y eso es tristísimo. Aceptar la autoayuda es aceptar el fracaso de la sociedad, aceptar que el yo es lo más importante y que la vida es una mierda, y yo no estoy dispuesto a aceptar eso. Aceptar que la inteligencia artificial es más inteligente que la natural es aceptar que la inteligencia natural no es suficiente para vivir, y eso tampoco estoy dispuesto a aceptarlo. Se acerca el 50 aniversario de Veneno y La leyenda del tiempo . Ahora son álbumes icónicos. ¿Cómo hace para que no se le suba a la cabeza? Entonces no tenía zona de confort y estaba aprendiendo a vivir. De pronto me vi haciendo canciones con Raimundo Amador, que era un guitarrista flamenco que tocaba divinamente y que empezó a tocar cosas fuera de la tradición flamenca, lo cual fue extraordinario. Eso me dio el amor por mi profesión, y me indicó que ahí es donde iba a poder hacer algo importante en la vida. Tampoco te dan 100.000 euros cada mes por celebrar esa efeméride. La alegría es nuestra. Cuando hago una canción, más contento no puedo estar; la mejor satisfacción la tuve el día que la hice. Me alegra mucho que alegre la vida de la gente, y con eso me doy por superpagado, pero ya me di por superpagado el día que la hice. Vídeo de la entrevista completa
El grupo británico culmina su gira 'Free Love Tour' con un concierto en el Movistar Arena en Madrid Alcalá Norte: “Mucha gente votará por miedo a vivir en un mundo peor, en vez de por el deseo de vivir en uno mejor” ¡Piensa rápido! Escoge un país y un año al que volver siendo joven y como fan de la música pop. ¿No se te ocurre? Aquí va el mejor: Reino Unido, 1981. Ha habido pocos momentos en los que la historia de la música haya dado tantos grupos grandes y buenos a la vez. Los charts de los primeros años ochenta son un delirio: están conquistados por grupos que ahora no venderían más de dos mil entradas en su gira por capitales europeas. Pero el estilo New Romantic arrasó y, como un virus dotado de propagación masiva, maquilló los rostros, cardó los cabellos y cubrió de gasas, tules y volantes los cuerpos de incontables formaciones dentro y fuera de las islas británicas. Grandes canciones, producciones excelsas y kilos de carisma hicieron de Duran Duran, Spandau Ballet, Visage, Ultravox, Gary Numan, Culture Club, The Associates, A-ha, A Flock of Seagulls, China Crisis, Classix Nouveaux, Blancmange, The Human League, Japan, Ultravox, Talk Talk e incluso Depeche Mode algo mucho más grande que una corriente musical: el canon de la elegancia pop. Que cerca de cincuenta años después podamos ver a Duran Duran haciendo todavía buenas canciones y dando conciertos, es un privilegio. Según sus últimos discos, no es un grupo remember, ni una panda de aprovechados de la nostalgia, sino un conjunto de músicos que, aún fuera de su tiempo, consigue crear en los últimos años canciones memorables, como Last Night In the City (en 2015) o Invisible (en 2021). Además, hacía 21 años que no tocaban en Madrid. Duran Duran en directo en el Movistar Arena el 6 de noviembre de 2026 El concierto de este viernes en el Palacio de los Deportes - Madrid Arena no presenta su último disco, Danse Macabre (2023) sino que lleva por título Free to Love Tour, un single de este año y la canción que quiere ser central el show. Un precioso tema para la pista de baile, que se inscribe entre la música disco o el eurodance y que está producido por un genio del género, Nile Rodgers (74 años) de Chic. A Rodgers hay que atribuirle canciones que son monumentos bajo la bola de espejos, como Le freak. Pero en directo Free to Love no suena tan chic, ni de lejos, como en el videoclip. Simon Le Bon, Nick Rhodes, John Taylor y Roger Taylor salen al escenario con ganas y buena planta, pero hay algo artificial en la puesta en escena —acompañada de vídeos de muy baja calidad audiovisual—, un sonido sin alma, un aroma a comida precocinada, una frialdad disimulada en la repetición. Duran Duran es un grupo más que grande, grandioso, y tienen canciones para hacer set lists a la altura de su leyenda. En cambio, en este concierto, que marcaba el final de la gira Free to Love Tour, asomaban demasiadas versiones. ¿Por qué Duran Duran, con 16 discos a sus espaldas, introducen tantas versiones en el directo? Siguiendo la estela de su disco Thank You (1995), se podría decir que por generosidad y agradecimiento. Esto es loable, pero artísticamente castrante. La mejor de las versiones es la que realizan de los Yeah Yeah Yeahs, su tributo más reciente, de la canción del año 2008 Heads Will Roll. Desconozco si esta conexión es pura casualidad o malinterpretación, pero el álbum en el que está incluida, It's Blitz!, parece una alusión al club londinense en el que se fraguaron los nuevos románticos y que sin duda dio forma a los ochenta. Otra de las versiones interpretadas es el himno anticocaína White Lines (Don't Don't Do It), de Melle Mel, rapero de los míticos Grandmaster Flash and the Furious Five, una canción rap funk incorporada desde el Thank You al repertorio en directo y que abochorna más de lo que aporta, por no hablar de la lección moral, siempre poco creíble desde el mundo del espectáculo. Movistar Arena durante el concierto de Duran Duran Simon Le Bon se presenta como un gran frontman , con autoridad y decisión, como siempre ha sido, ya vista americana con palmeras de lentejuelas o camiseta. Su cara, con la que lucha contra la vejez aparente, sonríe y hace gestos propios de la flema británica, que enaltecen a la audiencia. Arranca con buena voz, pero la va perdiendo a lo largo de un set que dura algo más de dos horas, algo que quizá podrían haber reducido para cuidar las cuerdas vocales del cantante. “Beautiful España!” y “amazing Madrid!”, dice para halagar al personal, antes de tamborilear lo que podría ser un pasodoble (no está claro) y de anunciar que el batería Roger Taylor tiene una “Spanish connection” (una búsqueda en internet arroja resultados sobre su relación con Ibiza y su aprecio por el Madrid de los Austrias, pero Le Bon no acaba de aclararlo). John Taylor al bajo y Dominic 'Dom' Brown a la guitarra en Duran Duran Y, en un arranque fallido de la gran canción Ordinary World, Simon Le Bon celebra la victoria demócrata en las midterms de Estados Unidos , aunque de inmediato pregunta si no debería hablar de política, ante lo que recibe una ambigua respuesta desde la pista (algunos pitan, otros no entienden, otros callan). Como sin duda es ambigua la dedicatoria del cantante, “a toda esa gente que batalla por su vida ahora mismo”, “a todos en este mundo peleando por la vida, la paz, la felicidad y el amor en sus propios países”. Le Bon recibió un aplauso, pero su mensaje, lejos de estar comprometido, abrazaba el buenismo y lo mismo servía para Palestina que para Israel, para Ucrania que para Rusia. Sonaron los hits, por supuesto, porque para eso hemos venido. Un arranque potente con dos temazos como Is There Something I Should Know? y The WIld Boys. Un Hungry Like the Wolf , un The Reflex , un Notorius y un Rio para terminar. La fantástica Girls on Film, de lo mejor de su repertorio, en cambio, queda diluida al enlazarse con otra versión, Psycho Killer de Talking Heads, que estando hoy tan reivindicada suena del todo innecesaria. Con Girls On Film, Nick Rhodes —quien por cierto está espectacular, con sus sombreras en forma de asombro, a sus 64— saca su cámara de fotos y toma instantáneas del público, como este ha estado haciendo de él toda la noche —quizá de manera obsesiva, d ónde estás Placebo cuando se te necesita —, y el concierto va llegando a su fin. La pista, partida vergonzosamente en dos para sacar más dinero a los que están por delante (¿cuándo van a dejar los grupos de hacer esta práctica tan abusiva?) va notando que la noche se acaba. Antes de Save a Prayer, para el bis, pide Le Bon que brille el “movie star arena”, quizá la forma más bonita, a pesar del patrocinio, en la que nadie ha llamado a nuestro viejo Palacio de los Deportes del Barrio de Salamanca. Los asistentes sacan obedientes sus teléfonos y encienden las linternas, cantan “And the lights are flashing on your window sill / All alone ain't much fun”. Y así es, la vida en solitario no es tan divertida. Y los conciertos, aún cubiertos de retinol y nostalgia, hacen la vida más divertida cuando la ilusión de volver juntos a Reino Unido, 1981, es compartida.
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