🎙 Escucha el décimo episodio del podcast Catástrofe Ultravioleta, en exclusiva para socios Si aún no eres socio y quieres escuchar este nuevo episodio, primero hazte socio con descuento en este enlace Los biólogos Jaime Martínez Valderrama, Gerardo Valenzuela, Javier Rodríguez y José María Gil se propusieron avistar a todas las especies felinas del mundo, especialmente las más difíciles de localizar. Determinados linces, guepardos o panteras que los humanos llevaban años sin ver. Para ello, estos cuatro investigadores españoles viajaron hasta lugares como el Himalaya, donde pasaron meses en busca de los peculiares linces de la zona. De esa aventura nos hablaron en 2014, en el episodio Lince , de la primera temporada de Catástrofe Ultravioleta . ¿Pero cómo continuó su viaje? ¿Han logrado su hazaña en 2026? Después de aquello, se embarcaron en una nueva expedición para vislumbrar al gato andino, en el Parque Nacional Sajama, en Bolivia. Algunos de ellos se propusieron también observar al último guepardo sahariano, en el Sáhara occidental. Una misión a la que han dedicado más de una década, de momento. Y entre viaje y viaje, han ido enlazando y solapando todo tipo de expediciones para ver y estudiar a distintos animales en peligro de extinción, han hecho tesis y estudios reconocidos internacionalmente por la comunidad científica y hasta han localizado especies prácticamente desconocidas hasta entonces. Doce años después de los primeros episodios de Catástrofe Ultravioleta, Antonio Martínez Ron y Javier Peláez vuelven sobre sus pasos para reencontrarse con los protagonistas de algunas de las mejores aventuras científicas narradas en el podcast en temporadas anteriores. Además de averiguar qué hallazgos han hecho estos investigadores españoles que buscaban felinos en peligro de extinción, descubrimos también qué pasó con los expedicionarios atrapados en Siberia durante la pandemia, qué fue de la sorda e inteligente orca Morgan o qué ha pasado con el legado de Ramón y Cajal, entre otras aventuras. No te pierdas el episodio completo de Catástrofe Ultravioleta en nuestra web . Si no eres socio, puedes suscribirte en este enlace . Agradecimientos: Miguel Ángel Julián y Agustín Amaro (Siberia); Alberto Relancio y la Fundación Canaria Orotava de Historia de la Ciencia (Olvidos); Reynaldo Fernández Manzano y el Proyecto SON-BIO ; Diego Pablo Ruiz , del departamento de Física Aplicada de la Facultad de Ciencias de la UGR (Alhambra); Jaime Martínez Valderrama, Gerardo Valenzuela, José María Gil (el indio) y Javier Rodríguez (Linces). *** ¿Qué es Catástrofe Ultravioleta ? Catástrofe Ultravioleta es un podcast de Antonio Martínez Ron, Javier Peláez y Javi Álvarez que trata de acercar el mundo de la ciencia a través de los más diversos ámbitos de conocimiento. El programa de ciencia ganador de un Ondas regresa con 10 episodios monotemáticos que se publicarán los jueves, cada dos semanas. Cada episodio es una experiencia sonora que ofrece una aproximación a la realidad desde perspectivas inesperadas y una buena dosis de humor.
No pocas empresas, al sospechar que una multinacional les ha copiado, llaman inmediatamente a los abogados. Claro, a ver cómo litigas con Nvidia, la cual, t ras su sorpaso a Apple , se ha tirado más de un año siendo la marca más valiosa del planeta. Así que una pequeña firma gallega de cerámica ha elegido otra postura: publicar la comparación en su propia web y que sean los clientes quienes opinen. Sargadelos colgó en su blog de noticias una pregunta: ¿se parece el logotipo de Nvidia a la forma P de sus vajillas, un diseño que, asegura, crea y comercializa desde hace más de cincuenta años? La marca ya ha emitido su veredicto, que es que sí, que a su juicio es una copia, pero se lo toman con humor: “Que nos copien, nos prestigia y, en el fondo, nos gusta”. Pero ahora mismo bastante tendrá Jensen Huang tras su dimisión , a quien le crecen los amantes con cada nueva declaración. Su renuncia forzada como CEO nos recuerda que nadie es intocable. Y eso aplica tanto para Nvidia como para Sarfadelos: ambas han estado a punto de morir un montón de veces. Un ilustrado entre hierro y caolín. La empresa, lo que se dice gallega, no es del todo. Porque todo empieza con Antonio Raimundo Ibáñez, un asturiano de Oscos nacido en 1749 en una familia noble sin fortuna que se instaló en Ribadeo y prosperó con el comercio marítimo. Entretanto, la mítica “n” de nVidia data de 1993, el mismo año de la fundación, la cual se mantuvo sin alterar hasta 2006 , cuando llegó el rediseño actual: el ojo perdió el negro, la tipografía se volvió más gruesa y la cursiva se sustituyó por una N mayúscula . Sigamos con nuestro relato: en 1791 levantó con un socio la siderurgia de Sargadelos , que tras un contrato de munición en 1794 acabó fabricando desde cañerías hasta fuentes y barandillas. Con la protección de Godoy, el negocio creció, y en 1806 abrió la primera fábrica de loza de Galicia, aprovechando el caolín de la zona y el hueco que dejó la falta de cerámica inglesa. Carlos IV lo hizo marqués en 1808. Pero en 1809, en plena guerra de la Independencia, lo asesinaron. Esplendor y ruina. La fábrica sobrevivió al marqués, pero a duras penas: cerró en 1832 y renació con nuevos socios. Su gran momento llegó en 1845, cuando una sociedad de Santiago asumió la gestión y trajo ceramistas ingleses de Staffordshire. En 1849 daba trabajo a más de mil familias y repartía su producción con 205 carros y 22 barcos de cabotaje. Eran los años de la célebre serie de la góndola y de las vajillas para Isabel II. Pero el regreso de la familia Ibáñez al mando en 1862, un puñado de pleitos y la falta de inversión la hundieron. En 1875 cerró para siempre. ¿Para siempre? En Xataka Un militar australiano subió a la gran fragata española y se quedó a cuadros: era un calco del diseño de su propio destructor Un pintor, un exilio y un laboratorio. Durante casi un siglo, Sargadelos fue un recuerdo local. Hasta que Isaac Díaz Pardo, pintor, ceramista e intelectual galleguista, dio en los años cuarenta con un libro de 1922 sobre las antiguas fábricas. De las ruinas, en 1949 abrió un taller en O Castro de Samoedo, en Sada. Aquí ya se empieza a gestar una idea. En 1955 viajó a Argentina, donde coincidió con exiliados gallegos como Luis Seoane, y de aquellas conversaciones nació en 1963 el Laboratorio de Formas, una iniciativa sin ánimo de lucro para rescatar, a través del diseño, la memoria artística de Galicia. Todo muy arty. En 1970 se inauguró una nueva fábrica circular en Cervo, junto a las ruinas de la original. Dos años después fue declaradas Conjunto Histórico-Artístico. Azul cobalto y muchos libros. El nuevo Sargadelos combinó el blanco y el azul cobalto con motivos prerrománicos y medievales, cruceiros, figuras mitológicas y series de retratos, de Rosalía de Castro a Picasso. De hecho, este rincón fue mucho más que una fábrica: tuvo editorial propia, un museo de arte contemporáneo en Sada y galerías que funcionan a la vez como tiendas y librerías de literatura gallega y portuguesa. Quiebras, plantes y desplantes. Pero aquí no acaba la historia. Díaz Pardo dirigió el grupo hasta que, a comienzos de los 2000, otros accionistas lo apartaron. Murió en 2012, a los 91 años. Y, con una crisis en ciernes, la empresa volvió a tambalearse: en 2004 tomó el mando Segismundo García, y en 2013 la empresa pidió protección ante sus acreedores y despidió a 70 trabajadores. En 2014 se declaró insolvente, con unos cinco millones de deuda. Lo lógico era cerrar. Hasta que las aguas volvieron a su cauce y en 2016 volvieron a anunciar beneficios. En Xataka Hace 90 años una empresa vasca decidió fabricar el "Rolls-Royce de las grapadoras". No le ha ido especialmente bien El último susto llegó en abril de 2025: la Inspección de Trabajo detectó 36 deficiencias de seguridad en Cervo, entre ellas la exposición a polvo de sílice, que había causado silicosis a, al menos, dos empleados. García respondió a una multa de 5.000 euros anunciando el cierre inmediato de la fábrica. El ERTE y el cierre fantasma . Si Huang salvó seis veces a Nvidia , la supervivencia de Sargadelos esta vez dependió de la Xunta. Intervino, aflojaron la cartera ante una factoría de tanto valor histórico y se reanudó la producción. Pero (sí, este artículo tiene más giros que una novela de García Márquez), y este pero es importante, en noviembre se repitió la sombra de una muerte anunciada con un ERTE para 86 trabajadores. Fue entonces cuando Segismundo García dimitió como consejero delegado y, si bien sigue como administrador único , ahora es un consejo asesor quien toma las decisiones. Marca incombustible. Con todo, Sargadelos vive uno de los mejores momentos en cuanto a imagen pública. Hoy día producen joyería, perfumes y hasta juguetes infantiles. Sus diseños han aparecido en películas de Almodóvar, ha colaborado con Chipperfield o Jasper Morrison y este verano Estrella Galicia lo eligió para un casco de Marc Márquez inspirado en sus grifos de cerveza. El grupo mantiene abiertas las dos fábricas, de Cervo y Sada, donde suma unos 245 empleados aproximadamente. La ironía de la copia. Por eso la pulla a Nvidia tiene su gracia. Ibáñez montó su fábrica imitando la loza inglesa, con técnicas importadas de Bristol y jarrones inspirados en Wedgwood. Más de dos siglos después, Sargadelos disfruta del otro lado de la historia, de ser la casa a la que, dicen, le han copiado. El patrón artístico al que aducen se ha visto en decenas de cuadros y composiciones arquitectónicas, pero aquí queda la duda, en el aire. Y que Nvidia conteste es lo de menos: ya ha logrado que se hable de una vajilla en la que es la mejor campaña de marketing en el peor momento de Nvidia del último lustro. Imágenes | Sargadelos / Composición propia a partir un prompt de ChatGPT En Xataka | Nvidia busca CEO tras la salida de Jensen Huang: estos son los candidatos que suenan para el puesto - La noticia La empresa gallega Sargadelos cree que Nvidia copió su logotipo de uno de sus diseños: "En el fondo, nos gusta" fue publicada originalmente en Xataka por Isra Fdez .
Tal y como contábamos en abril, Ryanair ha cambiado el límite de tiempo para entregar el equipaje facturado en el aeropuerto. Desde este martes 10 de noviembre, los mostradores de entrega de maletas y facturación cierran una hora antes de la salida programada, en lugar de 40 minutos como antes. Te contamos en qué cambia todo y en qué te puede influir. Hay que facturar antes . El cambio solo afecta a los pasajeros que quieren facturar una maleta en el aeropuerto y deben acercarse a los mostradores de la aerolínea. En este caso, llegar tarde puede significar que se les deniegue el embarque y, según las condiciones de la tarifa, perder el valor del billete, tal y como apuntan desde El Confidencial. Básicamente, para tenerlo claro, para un vuelo que sale a las 12:00, la maleta debe entregarse antes de las 11:00. En detalle. La aerolínea anunció la medida en abril y volvió a recordárselo a los pasajeros a finales de octubre . Dara Brady, directora de marketing de Ryanair, declaraba que el cambio dará a los pasajeros que facturan una maleta "más tiempo" para pasar el control de seguridad y de pasaportes y llegar a la puerta antes de que empiece el embarque, especialmente en las horas punta, cuando las colas son más largas. En Xataka EEUU lleva años intentando modernizar su control aéreo. Ahora probará una solución distinta: poner a trabajar a una IA Quiénes están afectados. Ryanair afirma que alrededor del 20 % de sus pasajeros factura una maleta. El 80 % restante viaja únicamente con equipaje de mano y mantiene su rutina habitual, según las propias cifras de la aerolínea. Qué no cambia. La facturación online sigue cerrando dos horas antes de la salida, y que la regla no altera ni las dimensiones del equipaje ni las tarifas. Solo cambia el plazo límite para la entrega de las maletas. Esto se aplica a todos los aeropuertos en los que opera Ryanair. El argumento de la aerolínea. Ryanair presenta la norma como una forma de proteger a los pasajeros. Afirma que el nuevo plazo debería reducir el pequeño número de viajeros que pierden sus vuelos tras quedarse atascados en las colas de seguridad o de pasaportes. Ya tuvimos el caso de Milán o el de Tenerife Sur y East Midlands , donde muchos pasajeros no pudieron embarcar por las largas colas en el control de pasaportes. Entre líneas. Igual 20 minutos no es mucho sobre el papel, pero cabe destacar que la carga al final recae sobre el pasajero. Y es que las colas del aeropuerto siguen siendo las mismas, mientras que el tiempo disponible para cumplir con el plazo de entrega de equipaje se reduce. La medida también pone el foco en la minoría que factura maletas, un grupo al que Ryanair lleva tiempo empujando a viajar ligero a través de su estricta política de equipaje. Kioscos de autoservicio. Paralelamente al nuevo plazo, Ryanair está desplegando kioscos de autoservicio para la entrega de equipaje integrados en su app, donde los pasajeros pueden facturar sus maletas e imprimir sus propias etiquetas de equipaje. La aerolínea tenía previsto disponer de ellos en más del 95 % de sus aeropuertos antes de octubre. Imagen de portada | Niels Baars En Xataka | Sevilla tiene un pique con la ciudad polaca de Sosnowiec: ambas quieren ser la sede del gran centro de motores de Ryanair - La noticia Ryanair adelanta a 60 minutos el cierre del equipaje facturado en todos sus aeropuertos fue publicada originalmente en Xataka por Antonio Vallejo .
El conjunto se compone de saya y manto para la Virgen También comprende una túnica para la imagen del Niño Jesús Antonio y Carlos Villanueva, nuevos capataces de Santa Cruz
MURCIA. La calle Pío XII, una de las principales vías de Santiago el Mayor y conexión directa hacia la avenida de Ronda Sur, ya cuenta con el asfalto completamente renovado. Los trabajos se han ejecutado en dos noches consecutivas para evitar cortes de tráfico durante el día y reducir las molestias a los vecinos y conductores de la zona. La actuación, impulsada por la Junta Municipal con un presupuesto de 42.869 euros , ha permitido renovar el pavimento a lo largo de los 320 metros de la calle, lo que supone una superficie total de 2.685 metros cuadrados. Fresado, nivelación y nueva pintura vial Las máquinas han retirado la capa antigua para extender un nuevo firme asfáltico en caliente. Además, los operarios han nivelado las tapas de alcantarillado, imbornales y registros de servicios, y han vuelto a pintar toda la señalización horizontal de la calzada para mejorar la seguridad vial en este acceso clave de la pedanía. El concejal de Pedanías, Marco Antonio Fernández, y el presidente de la Junta Municipal, Manuel Martínez, han supervisado el resultado de una obra diseñada para alargar la vida útil de una arteria por la que circulan miles de vehículos a diario.
La junta de gobierno de la hermandad de Santa Cruz, en el primer cabildo de oficiales de la nueva junta de gobierno, ha designado a Carlos Villanueva Villarín y a Antonio Villanueva Tirado, como los nuevos capataces de la cofradía. Carlos Villanueva ha sido nombrado como el encargado de comandar la cuadrilla de costaleros del Cristo de las Misericordias y Antonio Villanueva hará lo propio en el paso de palio de la Virgen de los Dolores. De este modo, la familia Villanueva contará con una nueva cofradía en su cargo, en este caso en la jornada del Martes Santo. Actualmente, esta importante saga de capataces está presente en la hermandad de San Roque, la Amargura, Santa Genoveva, Santa Marta, Santa Cruz, San Bernardo, las Cigarreras, el Gran Poder, Montserrat y los Servitas. Por su parte, es la tercera cofradía donde Carlos Villanueva Villarín ejercerá como titular, tras Santa Genoveva, que está junto a su padre, y el Cristo de la Conversión de Montserrat, cuyo martillo está junto a su familia. En lo que respecta Antonio Villanueva, actualmente es titular del paso del Señor del Silencio de la Amargura, de la hermandad de Santa Marta, del Cristo de la Conversión de Montserrat junto a su familia y de la Virgen de los Dolores de los Servitas. El pasado 30 de octubre, la nueva junta de gobierno de la corporación, sin haber tomado aún posesión de sus cargos, como así adelantó ABC de Sevilla, la no continuidad de Fernando Fernández Goncer y Carlos Yruela al frente de las cuadrillas de costaleros de Santa Cruz.
No es difícil imaginar las dificultades a las que hubo de enfrentarse esa primera memoria subterránea colectiva y oral, estigmatizadas sus protagonistas supervivientes -tras largos años de encarcelamiento- como “rojas” y “expresas”-, no solo a lo largo del franquismo sino también después, en los años de la Transición El pasado 30 de mayo de 2026, en la Córdoba de la República Argentina, fue encontrado el cuerpo desmembrado de la adolescente Agostina Vega en un descampado de las afueras de la ciudad. Se trataba de un nuevo caso de feminicidio, una de las cerca de 150 niñas y mujeres asesinadas hasta agosto, según el Observatorio de las violencias de género Ahora Que Sí Nos Ven, que, precisamente, había denunciado el “escenario de desprotección” que había supuesto el vaciamiento de programas contra la violencia de género promovido por el gobierno del presidente Javier Milei . El asesinato de la joven Agostina impactó de manera especial en el país. En las principales ciudades se convocaron marchas, empezando por Córdoba. La del 3 de junio en Buenos Aires, frente al Congreso de la Nación, fue multitudinaria. Una de las pancartas llamó mi atención por el nombre de la asociación que la portaba: “Trece Rosas”. Cuando me acerqué a preguntar por el mismo a las jóvenes que la sostenían, me respondieron sin dudar: “Obvio que sabemos quiénes fueron las Trece Rosas. Eran comunistas. Lucharon contra Franco”. En seguida me vino a la cabeza una de las primeras veces que oí hablar de ellas. Fue a la altura de 2001, un cuarto de siglo atrás, cuando escuché de los labios de Josefina Amalia Villa, antigua presa de la superpoblada cárcel de Ventas de la posguerra, el relato de la saca de tres de las Trece Rosas en la madrugada del 5 de agosto de 1939: Martina Barroso, Anita López Gallego y Victoria Muñoz. Jose Amalia había estado con ellas en la misma sala de menores de la cárcel, y de aquella noche, entre otros muchos recuerdos, había atesorado este recuerdo concreto: “Se vistieron ayudadas por las demás, nuestras manos temblaban mucho más que las suyas. Anita, al terminar, nos preguntó con voz serena, un poco baja: '¿Llevo las medias derechas?'. Le dijimos que sí, pero, ¿quién las miró? Las abrazamos una y otra vez. Qué horrible mezcla de gritos y de silencio” . Imaginar el largo viaje que había trazado en el tiempo aquel recuerdo, de Madrid a Buenos Aires, a cuatro generaciones de distancia, es algo que me produjo una sensación de vértigo. Cuando Josefina Amalia me concedió aquella entrevista, los recuerdos que sobre las Trece Rosas habían conservado sus antiguas compañeras de prisión, como ella, las testigos directos de la saca, todavía no se habían convertido en “memoria cultural”, pero estaban a punto de recorrer esa nueva etapa de su largo camino. Justo al año siguiente, Dulce Chacón publicó una novela -'La voz dormida'- sobre la primera generación de presas del franquismo que conocería múltiples ediciones, y cuya aparición coincidió con la publicación de 'Las trece rosas', de Jesús Ferrero. Y es que, comenzando el siglo, el interés de la “generación de los nietos” por conocer el pasado traumático de la dictadura, lo ocurrido con los vencidos y vencidas de la Guerra Civil, tuvo su expresión en la producción y circulación de productos culturales diversos sobre aquel episodio en concreto, desde documentales como 'Que mi nombre no se borre de la historia' (Vigil y Almela, 2006) hasta películas como 'Las Trece Rosas', de Martínez-Lázaro, de 2007, basada por cierto en otro libro -reportaje histórico bien documentado- publicado el año anterior por el periodista Carlos Fonseca. Todavía seguirían más libros y películas -como 'La voz dormida', de Zambrano, en 2011- y obras de teatro, con lo que andando el tiempo y traspasando fronteras, el propio tratamiento del episodio histórico se convirtió en una suerte de topos de los estudios culturales, en el marco del desarrollo de un feminismo de tercera o incluso cuarta ola. El último eslabón de esta larga cadena es precisamente una ópera, la primera sobre el tema histórico: 'Las Trece Rosas Rojas', como producción del Teatro de la Zarzuela en Madrid, que se estrenará este 25 de noviembre. Dos memorias Lo sucedido hasta la fecha, con esa producción de “memoria cultural” acelerada a lo largo de estas dos últimas dos décadas, podría hacer creer que el episodio histórico de aquel asesinato estuvo destinado a popularizarse desde un principio, como una suerte de justicia poética. No fue así en absoluto. En realidad dio pie a dos tipos de memorias que, en las difíciles condiciones de la dictadura, siguieron caminos más bien distintos. Con algo de retraso, a partir de 1946, las publicaciones del exilio comunista elaboraron una memoria de carácter escrito fuertemente estereotipada, parca en detalles y politizada, según la fórmula del “mártir político” de lejanas resonancias religiosas. Publicaciones como 'Mujeres Antifascistas' (1946-1950), primero en Francia y luego en México, repitieron la fórmula de las rosas como mártires de la fe (política) a partir de las exiguas noticias de mujeres fugadas de la cárcel franquista como Mercedes Núñez o Adelaida Abarca, al objeto de denunciar la dictadura y provocar la movilización política. La segunda memoria, en cambio, fue esencialmente oral y se elaboró en el interior del país y desde el minuto uno: la tejida -como si se tratara de un tapiz de voces- por las propias compañeras de las Trece Rosas en la prisión madrileña de Ventas y sus familiares. Fue una memoria oral, colectiva y esencialmente subterránea, elaborada y conservada en el mismo centro del ecosistema represivo del franquismo, que, frente a la memoria del exilio, se caracterizó por la precisión y “visualidad” de sus recuerdos -como el de Josefina Amalia sobre Anita López Gallego- así como por su voluntad de credibilidad. Testigos supervivientes como Josefina Amalia Villa, Antonia García Alonso o Mari Carmen Cuesta se empeñaron en la consignación escrupulosa del dato concreto, del detalle vivido, y lo repitieron, se lo recontaron a sí mismas y a quienes quisieran escucharlas con el afán de ser creídas, de combatir la incredulidad de los demás; “creedme porque yo viví esto, yo estuve aquí, esto ocurrió realmente”. De alguna manera quisieron cumplir con aquel mandato moral de Julia Conesa, una de las Trece Rosas, en la carta de despedida a su familia, milagrosamente conservada: “que mi nombre no se borre en la historia”. Eso y no otra cosa es el tan debatido término de “memoria histórica”, como relato de sucesos que nunca o con muchas dificultades -durante el franquismo y la Transición- llegaron a ser públicamente reconocidos, validados como “verdad histórica” al modo de las expuestos en los estudios académicos o los libros de texto. No es difícil imaginar las dificultades a las que hubo de enfrentarse esa primera memoria subterránea colectiva y oral, estigmatizadas sus protagonistas supervivientes -tras largos años de encarcelamiento- como “rojas” y “expresas”-, no solo a lo largo del franquismo sino también después, en los años de la Transición. Quizá la imagen más gráfica de ello sea la que aportó a la altura de los años ochenta una de las compañeras de las Trece Rosas, Mari Carmen Cuesta, citando el filme 'Fahrenheit 451', de Truffaut. Mari Carmen se vio entonces a sí misma y a sus compañeras supervivientes como aquellos “hombres-libro” que, refugiados en los bosques, memorizaban fielmente las obras de la literatura universal que estaban siendo quemadas por el régimen opresor, con la esperanza de que algún día pudieran editarse de nuevo: “(…) Yo cuando vi esta película me causó un impacto tremendo porque pensé que éramos cientos, más que cientos, miles de mujeres que, como en esa película, guardábamos también en nuestras mentes unos profundos testimonios; unos testimonios que también esperábamos que pudieran salir en un momento determinado y poder llenar todas las páginas de la historia, de esa historia que fue la época más larga, más negra y más brutal de nuestro país: la historia del fascismo” . Justamente por entonces, ese momento que tanto esperaba Mari Carmen ya estaba empezando a llegar gracias a la feliz coincidencia de dos factores. El primero fue la emergencia de una conciencia femenina entre las propias militantes antifranquistas -las supervivientes de la primera generación de presas políticas- sobre la importancia de su propia historia, todo ello en el contexto del feminismo de segunda ola de los años sesenta y setenta, que dio como resultado los primeros “textos memorialísticos” de Juana Doña (1978), Ángeles García-Madrid y Tomasa Cuevas (1982). El segundo factor no fue otro que el concurso de investigadoras de esta misma ola feminista -Giuliana di Febo, Fernanda Romeu, Shirley Mangini- que hicieron de “solicitadoras de testimonios” -al decir del sociólogo Michel Pollak-, con trabajos que en buena medida coincidieron con los de las militantes políticas de la generación siguiente -Carmen Alcalde, Lidia Falcón- tanto en libros como en revistas ( Vindicación Feminista , Poder y Libertad ). No podemos dejar de citar también aquí el importante reportaje del periodista Jacobo García Blanco-Cicerón de 1986, en la revista Historia 16, que hizo de solicitador de testimonios, cartas y fotografías no solamente de compañeras de las Trece Rosas, sino también de familiares suyos. El otro largo viaje de la documentación oficial El camino, pues, fue difícil: nada estuvo garantizado, y la construcción del relato propiamente histórico, a partir no solo de las voces, sino de los documentos, tampoco lo tuvo fácil. Cuesta creerlo, pero solo en los años noventa se abrió el acceso a la documentación oficial de la represión franquista: los sumarios judiciales de los archivos militares y la documentación penitenciaria. A principios de esa década fueron abiertos al público los sumarios del Tribunal Militar Territorial Primero de Madrid, depositados por aquel entonces en el gobierno militar de la capital. En condiciones muy difíciles, los historiadores Mirta Núñez Díaz-Balart y Antonio Rojas Friend pudieron, tras la consulta del sumario 30.426, publicar por primera vez la lista de los nombres y apellidos exactos de las Trece Rosas en 1993, como parte de una investigación patrocinada por la Fraternidad de Militares por la República sobre el número de personas ejecutadas en el Madrid de la posguerra (1939-1944), que vería la luz en 1997. Los autores averiguaron asimismo por la documentación consultada que las trece rosas habrían debido ser catorce. Antonia Torre Yela se libró aquella noche del fusilamiento porque equivocadamente fue consignada como “Antonio Torres Llera”: la posteriormente denominada “rosa número catorce” sería ejecutada el 19 de febrero de 1940 . Algo después, el examen de otra documentación también muy tardíamente abierta al público, los expedientes de cárcel depositados por entonces en el archivo del centro de inserción “Victoria Kent”, dependiente de la Dirección General de Instituciones Penitenciarias, permitió precisar asimismo nombres, fechas y demás detalles . Solo entonces se supo, por ejemplo, la edad exacta que tenían en el momento de su detención. De las trece, las menores de 23 años -el umbral de la edad legal, que no penal, que se cifraba en los 16- fueron nueve: Martina Barroso García, Julia Conesa Conesa, Adelina García Casillas, Elena Gil Olalla, Virtudes González García, Anita López Gallego, Dionisia Manzanero Salas, Victoria Muñoz García y Luisa Rodríguez de la Fuente. Por lo demás, solo en 2018 pudo aquilatarse con mayor precisión el número exacto del total de personas ejecutadas en la capital durante el periodo 1939-1944, gracias al estudio encargado por el Ayuntamiento de Madrid que permitió el acceso a los libros de enterramiento y órdenes de inhumación de la Necrópolis del Este. Habían pasado casi ochenta años de los asesinatos masivos cometidos durante el periodo 1939-1944 en las cercanías del cementerio del Este, y ni siquiera entonces -en 2019- el nuevo ayuntamiento del Partido Popular de la capital permitió la colocación de los 2.936 nombres en el monumento previsto. Como dato curioso, aproximadamente en 2004 todos aquellos expedientes penitenciarios -los de las cárceles de Madrid- fueron catalogados y pasaron a depender directamente de un archivo de carácter “no público” -el Archivo General del Ministerio del Interior (AGMI)-, donde merced a una instrucción especial de 12 de julio de 2006, tanto su consulta como su reproducción se vieron a partir de entonces seriamente limitados, con nombres anonimizados, como tuvimos ocasión de explicar hace algún tiempo en otro lugar . Como resultado, la propia investigación histórica, pero también el acceso de los familiares a unos datos fundamentales sobre las personas ejecutadas por la dictadura en Madrid, se vio y continúa viéndose gravemente frenada. Este mismo diario publicó en abril de este año un artículo de denuncia de la situación del AGMI firmado por el catedrático emérito Ángel Viñas y suscrito por prestigiosos profesionales nacionales e internacionales como Paul Preston y Carme Molinero. Poco después se hizo pública una carta abierta al ministro Fernando Grande-Marlaska firmada por la Asociación de Historia Contemporánea y 501 investigadores y docentes, reclamando la retirada de dicha instrucción especial y la transferencia de la documentación histórica del AGMI a los archivos pertinentes en condiciones de consulta equiparables al resto de los archivos estatales. Hasta la fecha, y contraviniendo disposiciones nacionales como la Ley 20/2022, de 19 de octubre, de Memoria Democrática, relativa al “derecho al acceso libre, gratuito y universal a los archivos públicos y privados” sobre la Guerra Civil y la represión franquista, el ministro Grande-Marlaska ha venido negando públicamente, contra viento y marea, que existan este tipo de restricciones. Visto lo visto, ¿ha servido tanta denuncia para algo? Parece ser que sí. Casualmente, y sin ninguna alharaca, el AGMI lleva ya unos meses ejecutando la transferencia de numerosas cajas de documentación al Archivo General de la Administración: entre otras, cerca de un millar de cajas procedentes del antiguo centro de inserción de Victoria Kent, las mismas que contenían los expedientes de todas las prisiones madrileñas, incluidos los de las Trece Rosas, y que hace más de un cuarto de siglo pudieron ser consultadas -por quien esto escribe- sin tachaduras ni censuras. Largo y complicado viaje también este, el de la documentación oficial… casi tanto como el de aquel lejano recuerdo que, nacido en la cárcel madrileña de Ventas del año 1939, continúa resonando hoy día. A través de fronteras y de océanos, en puentes invisibles que vinculan a Madrid con Buenos Aires, a cuatro generaciones de distancia. En libros, ensayos, novelas, documentales, dramaturgias, largometrajes.. y esta vez, en este año de 2026, también con música de ópera.
El bogotano dedica una sala al disputado Tesoro Quimbaya, en poder del Museo de América en Madrid, y pide su restitución: “Está en buenas manos, pero podría estar en mejores" La censura ultra en Colombia decide qué es arte y qué no: de la violencia política a los encuentros en un cine gay “No se puede mirar el arte desde un lado apolítico”, afirma el artista colombiano Miguel Ángel Rojas (Bogotá, 1946) conversando con elDiario.es durante la inauguración de su exposición en Madrid. Por eso La noche , la muestra que el Museo Reina Sofía acaba de inaugurar, mantiene un compromiso político y ético firme con el arte que vive en los márgenes: desde la reivindicación de la homosexualidad hasta la crítica al extractivismo, la guerra del narco, la codicia colonial o el impacto del cambio climático. La exposición reúne en seis salas medio siglo de carrera y la profunda relación del artista con su país. Llega apenas unas semanas después de que el gobierno del presidente Abelardo de la Espriella ordenara retirar del Museo Nacional de Colombia Fanny (1978), un aguafuerte de Rojas, junto a decenas de piezas sobre luchas feministas, LGBTIQ+ y memoria de la violencia. Una decisión incomprensible para el artista, aunque, explica, “ha conseguido unir tanto a artistas de izquierdas como de derechas contra la censura”, y ha logrado destacar el humanismo con el que Rojas se define. Lo mismo piensa el director del museo, Manuel Segade: “Hacemos este tipo de exposiciones para que estas acciones no ocurran”, comentó a la prensa. Por su parte María Wills Londoño, recuerda que el arte de Rojas siempre ha tenido muy buena acogida en su país, y que la retirada de la obra del artista es una acción residual en su larga carrera. La obra de Rojas está profundamente ligada a la tierra, y eso se nota en los materiales, en los que a menudo incluye hojas de coca en distintos formatos. “A lo mejor está mal que lo diga aquí, pero yo soy una persona materialista”, bromea el artista. En El nuevo Dorado (2012), el trazo pixelado del Amazonas, hecho en oro, atraviesa un paisaje verde de mambe (hoja de coca en polvo), arcilla y pigmentos minerales: una denuncia del saqueo de los recursos naturales. Y, sin embargo, Rojas no quiere que se le encierre en un solo contexto. “Pienso que mis obras se ensanchan, adquieren nuevos significados”, dice. Autoconocimiento, oro, sed y restitución El recorrido empieza con Autorretrato con luz de luna (1968), una fotografía hecha con una Kodak 1A en la que el artista aparece de perfil, apenas rozado por un haz de luz. Para él es una obra fundacional: parte de la experiencia personal para hablar de un país atravesado por el duelo, donde la noche parece no acabar. Muy cerca, La Cosecha (2012) alinea 147 pequeñas cabezas precolombinas de la cultura Tumaco, hechas con maíz, cal y cemento: otro autorretrato simbólico con el que asume su vínculo con los pueblos indígenas. Y en la antesala aguarda la pieza que da título a la muestra, La noche (1980): Rojas aplicó cocaína sobre una fotografía y la selló con resina para declarar el fin de su adicción. Miguel Ángel Rojas: 'Autorretrato con luz de luna' (1964) La primera sala, El nuevo Dorado, se sumerge en las violencias del extractivismo heredado de la colonia. Aquí se estrena Carbón carbón (2026), dieciséis módulos de frottage con carbón que dibujan un territorio erosionado por los incendios y la destrucción del Amazonas, pero del que brotan, en oro, especies vivas que garantizarán su supervivencia, como son las celdas de panal de la abeja meliponina, que es la encargada de polinizar todo el Amazonas, y que Rojas menciona como el reverso optimista, la búsqueda de soluciones al desastre climático. Miguel Ángel Rojas: ''Restitución' (2009) La segunda, Sed , gira en torno al Tesoro Quimbaya , hallado en Colombia en 1890 y regalado en 1892 por el presidente Carlos Holguín Mallarino a la monarquía española. Rojas lo resume con ironía: “Está en buenas manos, pero podría estar en mejores manos en Colombia”. Para la ocasión ha producido un vídeo inédito en el que las sombras del tesoro, sobre un fondo dorado, se van desvaneciendo. Alrededor, Restitución (2009) reflexiona sobre la devolución de piezas y la importancia de reconocer a las comunidades de origen, mientras que en Las Tablas de la Ley (2018) el cobre y el oro chapado forman “In gold we trust” y una frase atribuida al boxeador Pambelé: “It is better to be rich than poor”. Mestizaje, coca y minas: el cuerpo como territorio “Yo soy el Tumaco viviente” es una de las salas más importantes, según la comisaria Wills Londoño. Rojas recuerda y se interroga por su origen mestizo y por el vínculo con la tierra heredado de su madre campesina, así, trabaja el barro, trenza fibras vegetales, procesa hojas de coca en su taller. En Buritaca (1992) la planta aparece junto al poporo, objeto ceremonial de la Sierra Nevada de Santa Marta, no como mercancía sino como un vehículo ancestral de pensamiento. En Broadway (1996/2012), las hojas de coca que sostienen las hormigas simulan el tránsito del narcotráfico. Después llega Quiebramales , la sala más dura, donde cuelga una de sus obras más míticas: David (2004), diez fotografías a gran escala hechas con José Antonio Ramos, un soldado mutilado por una mina antipersona. Se ha convertido en emblema del sufrimiento de las víctimas del conflicto armado. A su lado, la palabra Quiebramales , escrita con lapiceros de colores, se opone a “quiebrapatas”, como se conoce popularmente a esas minas. Miguel Ángel Rojas: 'David' (2004) “Es una obra que habla de la guerra, de las víctimas de la guerra, de las poblaciones que sufren las decisiones que se toman desde los altos gobiernos, e incluyen también a los soldados, la milicia”, cuenta Rojas. “A esos muchachos los reclutan jóvenes, les ponen un fusil, les dan un entrenamiento y los mandan a la guerra sin que sepan para quién están luchando ni por qué. Es lo más injusto de la guerra en general”. Es, añade, una imagen antibélica con un fundamento, como es el de las diferencias culturales. “La mente humana, más que el color de la piel, hace que las personas se distancien, se enfrenten y se creen enemigos”. Esas diferencias, insiste, tienen que ver con la educación. Ramos, que según el artista desciende de aquellos antioqueños que llegaron huyendo de la Inquisición, no tuvo acceso a ella y acabó de soldado raso, expuesto a los peligros de la guerra hasta que un quiebrapatas lo mutiló. “Yo uso ese cuerpo para hablar de situaciones específicas en Colombia, de esas diferencias radicadas en los niveles culturales”. De ahí que la polémica le toque de lleno. “El David es una pieza que está en la colección del museo desde hace varios años y no fue movida de su sitio, mientras otra que no es para nada explícita, pero se refería a encuentros gays en sitios en decadencia, en los que los asistentes éramos clase media o media baja, fue retirada”, explica. La oscuridad como refugio El final del recorrido es un descenso a la noche. En Cuarto oscuro , Rojas convierte la fotografía en pintura a golpe de químicos y pinceles, con pigmentos de plomo y hasta fluidos corporales, en los años del sida y del miedo, destacan sus obras Felicidad perdida (1987), Virosis (1986) y Cupido equivocado (1988). Y en Las tardes tensas regresa a los cines del centro de Bogotá, como Faenza, Imperio, Mogador, donde, entre 1975 y 1979, fotografiaba a escondidas con una Pentax en plena oscuridad, calculando la distancia contando filas de butacas y enfocando con una linterna, unas fotos que están marcadas por la rapidez, por la fugacidad, y por la experiencia. Miguel Ángel Rojas: 'Virosis' (1986) “Bajé a los sótanos más oscuros de mi experiencia”, escribe “con el firme propósito de mirar desde afuera y con distancia, a aquellas situaciones que viví, para encontrar en ellas renovación”. De ahí nacieron imágenes que son apenas insinuaciones, fantasmas de cuerpos una forma de resistir sin dejarse leer del todo. La muestra se cierra con Grano (1981) una instalación que constituye una vuelta a casa. Tan solo un suelo de baldosas hecho con tierras de colores, réplica de la intervención que Rojas hizo en 1980 en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, e inspirada en el patio de la casa de sus abuelos en Girardot. En el original, una gallina paseaba sobre el dibujo y lo iba deshaciendo. Con los años, escribe el artista, se ha convertido en símbolo de los desplazamientos forzados por la guerra o el hambre. Después de atravesar la noche el visitante sale pisando tierra.
Antonio J. Caballero es una de esas figuras eclécticas que se asoman al panorama cultural desde una perspectiva aérea, como dominándolo todo, gracias a una intuición devoradora de lo artístico, que transforma en diferentes parcelas a modo de espacios para la contemplación y la dialéctica, domesticadas en sus diversas estructuras gracias a una técnica rigurosa y depurada, fruto generoso de una voraz pasión intelectual en todos sus órdenes. Si bien son la dirección de escena y la investigación académica sobre teoría teatral sus facetas más relevantes, no es menos cierto que han venido también marcando su trayectoria el ensayo filosófico en torno a figuras como las de Deleuze o Levinas , y una sostenida inquietud de carácter pedagógico. Para merecer la lluvia es, sin embargo, un libro de poesía. Este poemario se presenta como huella emocional de un vacío inmanente que se genera en el autor tras la muerte de su padre. La corporalidad que es presencia y es presente se ha convertido en vacío. Antonio J. Caballero sabe bien distinguir diversos modos de vacío. El vacío artístico de un escenario teatral se presenta como una posibilidad de florecimiento del arte en su llenado. Pero el vacío tras la muerte de su padre es otro vacío: uno cuya única posibilidad es la presentificación constante de la ausencia. El espacio cotidiano que circundaba al autor alcanza de repente la perspectiva semántica de la ausencia. Así, la presencia y el presente se desgarran de su propia conciencia temporal; y en el vacío ya solo domina el acontecimiento aflorado desde y con la memoria, hecho presente mediante la propia escritura. La escritura es planteada como oportunidad de presencia del padre, dado que, habiendo sido escritor también el propio padre, la escritura no es solo un instrumento emocional, sino un legado directo. La escritura es así el lenguaje de un legado que presentifica la ausencia al mismo tiempo que llena el vacío. Estamos ante un diario emocional de la memoria cotidiana, un intento de crear sentido mediante la vinculación fragmentada de sucesos de la memoria que alcanzan el grado de acontecimientos. El autor busca respuestas. Respuestas para evitar el caos. Para alcanzar un nuevo sentido de vida. Es esa búsqueda rigurosa dentro de la caótica temporalidad de la memoria lo que representa el merecimiento de la lluvia. Su mérito descansa en el orden emocional a través del legado de la escritura. Así, la lluvia se manifiesta también como legado de un símbolo activándose: la lluvia implica la posibilidad de un tránsito, la oportunidad de convertir el cotidiano gusto por su olor o su sonoridad en escritura que arrastre hasta fusionar las emociones dispersas de un padre y de un hijo en un solo acontecimiento que unirá para siempre sus memorias trascendiendo la corporalidad del tiempo cronológico. *Antonio César Morón es poeta y dramaturgo.
José Antonio Portillo ha asumido la dirección técnica del primer equipo de la Cultural y Deportiva Leonesa tras la destitución de Jandro Castro. La decisión de la directiva se tomó de forma fulminante tras el empate 1-1 en el derbi provincial contra la SD Ponferradina, un resultado que dejó al equipo en una preocupante decimocuarta posición, a solo un punto de los puestos de descenso en Primera Federación. José Portillo es el nuevo entrenador que bien se merece una oportunidad por su buena gestión de la plantilla y su rendimiento en el filial Júpiter, acompañado del preparador físico del segundo equipo culturalista, Saúl Seco. Leer más
El dúo barcelonés convierte la poesía de Álvaro Pombo en canciones con ‘Variaciones Pombo’, un proyecto en el que reivindica el poder de la cultura pop para acercar la literatura a los jóvenes Álvaro Pombo: “Espero con diversión las revelaciones estrambóticas y terribles que se publicarán en mi biografía” 33 años. Es la diferencia exacta que separa a Genís Segarra, integrante de Hidrogenesse, de Álvaro Pombo , pero también de la joven revelación Martin Urrutia . Una coincidencia de la que se ha dado cuenta el dúo barcelonés al trabajar durante este año con dos artistas de generaciones completamente distintas: un escritor de 87 y un cantante de 21. Entre ambos proyectos, Segarra y Carlos Ballesteros han encontrado tiempo para hacer lo que más les gusta: seguir explorando caminos que difícilmente encontrarían dentro de los márgenes de la industria musical. Su nuevo álbum, Variaciones Pombo , nació de la idea de dedicar un tema a alguno de los poemas del escritor, como ya habían hecho anteriormente con Góngora y Terenci Moix. Sin embargo, acabaron decantándose por un disco entero, que presentarán el 14 de noviembre en la Sala Villanos de Madrid. Se trata de un formato que les permite probar diferentes estilos y acercarse a distintas etapas de su obra. No son los primeros en hacerlo —Serrat, Albert Pla y Guillermina Motta también han dedicado trabajos a poetas—, pero para Hidrogenesse es la oportunidad de homenajear a un autor al que “igual no le interesa la música pop en sí misma, pero le interesa el mundo y es supercurioso”. Pombo les pidió que el disco tuviera lomo, como una novela; es decir, que sacaran todos los temas de golpe. “No le hicimos caso porque la industria de la música no es como la del libro, pero en la portada del disco nos hizo gracia hacerle ese guiño. Como la gente ya no compra música pero los libros son más populares, pensamos: 'A ver si la gente cree que está comprando un libro y así vendemos algún objeto físico'”, bromean. Para ellos, el éxito sería que funcione como un “caballo de Troya” que lleve la poesía de Pombo a quienes nunca se habrían acercado por su cuenta. ¿Qué encontraron en Álvaro Pombo para que se convirtiera en una persona tan importante en sus vidas? Genís Segarra: Lo descubrí en la tele cuando tenía 16 años, en una tertulia literaria. Me fasciné con la persona y con el personaje, haciendo bromas y hablando de cualquier cosa con Luis Antonio de Villena. Eran dos maricones extravagantes, listísimos y divertidos. Entonces empecé a leer todo lo que encontraba de Álvaro Pombo y me hice fan en la misma época en la que te haces fan de The Smiths , de esos grupos que ya son tus favoritos para toda la vida. Álvaro Pombo era como una rockstar para mí. ¿Es más difícil encontrar hoy a personajes así? G.S.: En las redes triunfa bastante la gente muy exagerada y extravagante, para bien y para mal. En 1988, ver a Álvaro Pombo y Luis Antonio de Villena hablar de sus cosas en la tele, por la tarde y en un horario en el que mi abuela estaba viéndola, era más extraño que para un chico de ahora ver una entrevista de Metrika en su móvil. En Yo no soy de esta ciudad aparece una persona que no acaba de pertenecer al lugar en el que está. ¿Se han sentido así? G.S.: Totalmente, sobre todo cuando eres un joven que todavía no sabe cuál es su lugar en el mundo. Por eso la poesía a veces te atrapa siendo muy joven, aunque la escriba un señor de 40 años, porque trata temas con una sensibilidad que se te mete en los poros. Todo lo que se hace en la ciudad es para que sea más atractiva para la gente de fuera Genís Segarra — Integrante de Hidrogenesse En una época de ciudades llenas de turistas, ¿el capitalismo está arrebatándonos el tejido vecinal y el sentido de pertenencia? G.S.: Nosotros vivimos muy cerca de la Sagrada Familia, así que este infierno lo llevamos con dignidad. Parece que no hay solución. Todo lo que se hace en la ciudad es para que sea más atractiva para la gente de fuera, por lo que lo único que consigues es que venga todavía más gente. Carlos Ballesteros: A lo mejor no se invierte en otras cosas, pero sí que hay dinero para ampliar el aeropuerto, cuando después nos quejamos del turismo y de que los vecinos no pueden vivir en los pisos porque están ocupados por apartamentos turísticos. Son contradicciones que, aunque parezcan claras desde fuera, resultan imposibles de atajar. A veces es desesperante. En el álbum Ciutat de sorra ya narraban cómo Barcelona se va destruyendo. ¿Han notado un eco de esa tristeza en Pombo? G.S.: La tristeza de Álvaro Pombo es más existencial. En sus primeros libros de poemas se percibe a una persona desconectada del mundo a la que le cuesta encontrar el sentido de su existencia y cómo relacionarse con las personas. No es como Ciutat de sorra , que era un retrato sobre la lucha constante entre las fuerzas rompedoras y las constructoras de la ciudad, creando una rueda que se aplasta a sí misma; esa era la tesis del artista David Bestué que nos encargó aquellas canciones. En Los días se viven entre sí se percibe cansancio y desconexión. ¿Pombo describe una realidad muy reconocible hoy día? G.S.: Curiosamente, ese es el único poema que escribió siendo ya anciano. Decía que estaba en su fase de “liquidación de existencias”, resumiendo lo que ha vivido y aprendido. Parece triste, pero encierra una especie de aceptación e incluso encuentra belleza en esos paisajes que ya no puede ver pero que recuerda hermosos. Hay una alabanza a las cosas pequeñas, a los detalles, y cierta esperanza en que la vida tenga sentido, aunque a veces no lo creas. En el disco cantan "Te rogamos, señor, que nos alcance el sueldo". G.S.: Al final la preocupación existencial es la precariedad. Cuando le enseñamos esta canción a una amiga, nos dijo: “Va de la precariedad en la que estamos, es muy actual”. Y es cierto. Cuando Pombo estaba en Londres sintiéndose aislado, anónimo y rechazando su biografía (a la que llamaba “mi basura autobiográfica”), igual simplemente estaba retratando su vida precaria. Lo que de verdad nos puede dar esperanza y ligarnos con la realidad es que nuestra vida deje de ser precaria. Si consigues tener la barriga llena y la cabeza tranquila, entonces sí que puedes disfrutar del olor de una flor o de un paisaje lejano. El álbum trata la muerte. ¿Es interesante abordarla desde el humor? C.B.: Pombo saca humor incluso de las cosas más dramáticas. En el último poema (La variación final) cuenta un episodio crítico que le ocurrió en Madrid en los años 60: paseando por la noche, se le acercaron dos policías y le preguntaron: “¿Usted es maricón?”. Él dijo: “Sí, señor”. Lo llevaron tres días al calabozo, perdió el empleo de maestro y fue un cataclismo tal que tuvo que hacer una maleta e irse de la manera más barata posible hasta Londres. Incluso ese episodio lo cuenta con coraje y con un tono tragicómico, ridículo y grotesco. Él incluso se ha autodenominado “pre-gay”. G.S.: Sí, porque es de una generación que no usaba esa palabra. Imagínate irte a Londres en los 60 y no volver a España hasta que estuvo instalada la democracia a finales de los 70. Llegas a un país distinto, como si hubieses viajado en el tiempo. Por eso él siempre hace ese comentario. Hacer un chiste o contar algo de manera entretenida requiere el mismo trabajo intelectual [que hacer un drama] Carlos Ballesteros — Integrante de Hidrogenesse A veces se les ha considerado más payasos o humoristas que músicos. ¿Cuesta tomarse en serio el humor? G.S.: Nos pasa a los de la música y les pasa a los del cine: siempre se quejan de que los premios van a los dramas. Si te dan el Oscar es porque has adelgazado 40 kilos, estás en la cárcel o has muerto en la película. Y a los escritores les ocurre igual. Quienes usan el humor como base de su trabajo nunca están en las listas de mejores libros, salvo raros casos y a veces post mortem , como ocurrió con La conjura de los necios . Es algo intrínseco de la cultura: es esnob y busca la gravedad. Parece que las cosas tienen que ser serias para tener importancia, pero el humor puede ser muy serio y trascendente. ¿No es un lastre que eso suceda? C.B.: Sí, porque hacer un chiste o contar algo de manera entretenida y chisposa requiere el mismo trabajo intelectual, o incluso más. Antes nos preocupaba más y nos daba rabia, pero ya aceptamos que es así y no pensamos en ello. ¿Fa lta más poesía en los jóvenes de hoy? G.S.: En nuestra propia generación la poesía tampoco ha sido muy leída. De hecho, veo por redes a mucha más gente joven interesada y escribiendo poesía que a gente de nuestra edad. Con este disco se nos ha acercado más público joven que no nos conocía que gente de nuestra propia generación. Han trabajado con Álvaro Pombo, pero también con Martin. ¿Esta versatilidad les ayuda a entender mejor la sociedad? C.B.: Cuando Martin nos proponía temas sobre ciertas añoranzas y nostalgias que sentía con solo 19 años, al principio no lo entendíamos. Yo a su edad solo pensaba en el futuro, no en el pasado. Pero luego le escuchas y aprendes, porque Martin es muy listo y te explica muy bien cómo siente sus cosas. En la obra de Pombo también abunda la nostalgia. G.S.: Es el tema pombiano que nos resulta más extraño y ajeno: la obsesión con la memoria y la infancia. Nosotros no somos nostálgicos, no nos interesan nada nuestras infancias ni las ajenas. Nos gusta la gente mayor, las vidas que ya han sido largas y los artistas con obras muy longevas. De hecho, el otro día nos dimos cuenta mirando nuestro Instagram de que somos más followers de muertos que de vivos. Aunque en Pombo hay mucha memoria, en el disco hay relativamente poca porque nosotros, como lectores, nos hemos decantado por otros temas. Cuando admiran tanto a un autor, ¿es posible no conectar con su forma de ver el mundo? G.S.: Es diferente cuando a ese artista le conoces de siempre que cuando es nuevo. Si un artista nuevo me presenta una canción preciosa, pero luego le oigo hablar y me parece un cretino, pues igual ya no me apetece escucharlo. Pero qué quieres que te diga, somos fans de Morrissey.
Los bomberos de Soria han intervenido alrededor de las cinco de la madrugada de este viernes para sofocar un nuevo incendio de contenedores en la calle Venerable Carabantes . Las grandes llamas, visibles desde distintos puntos de la céntrica vía, han obligado a movilizar a los servicios de emergencia, con presencia también de la Policía Local. El fuego ha afectado a varios depósitos de residuos situados junto a la acera . La intensidad de las llamas y la columna de humo han sido especialmente visibles durante la intervención de los bomberos, que han conseguido extinguir el incendio. Por el momento, no se han facilitado datos sobre las causas del suceso ni sobre una posible identificación de sus responsables. Dos han sido los contenedores dañados. El primero ha desaparecido casi por completo y el fuego ha saltado a un segundo que ha resultado también con daños de consideración. Los elementos han sido retirados a primera hora de esta mañana por los servicios de limpieza, acompañados por agentes de la policía local. El episodio vuelve a poner de actualidad un problema que se repite en Soria desde hace al menos dos años. La quema de contenedores ha dejado numerosos incidentes en distintos barrios de la ciudad, algunos de ellos con consecuencias que han ido mucho más allá de la pérdida de los propios depósitos. En diciembre de 2023 ya se produjo una oleada de incendios de estas características. Durante 2025 se contabilizaron al menos 10 episodios, mientras que 2026 también está dejando una sucesión de intervenciones. Uno de los incendios más graves de este año tuvo lugar durante la madrugada del 17 al 18 de mayo, cuando ardieron tres contenedores en una misma noche, en las calles Cortes de Soria, Santa Clara y Juan Antonio Simón. Aquella misma jornada, otro incendio en la calle Comuneros de Castilla, en la esquina con Cortes de Soria, afectó gravemente a una peluquería y provocó importantes daños en el establecimiento. La actuación de los servicios de emergencia evitó que las llamas se extendieran al resto del inmueble y a los vehículos y edificios próximos. La Policía Nacional identificó posteriormente a un presunto responsable de aquellos incendios , según informó Soria Noticias. La reiteración de estos incendios tiene un importante coste económico para las arcas municipales. La reposición de cada contenedor ronda los 1.000 euros, una cantidad a la que hay que sumar los daños que, en los episodios más graves, pueden sufrir vehículos, establecimientos y fachadas de edificios.
La escritora chilena ganó el Premio Planeta por la continuación de 'La casa de los espíritus', seguida del finalista Sergio Hernández por 'La añoranza', ambas centradas en historias sobre la represión Entrevista - Alcalá Norte: “Mucha gente votará por miedo a vivir en un mundo peor, en vez de por el deseo de vivir en uno mejor” Isabel Allende arranca cada 8 de enero su particular 'curso escolar'. A partir de ahí, dedica ocho horas diarias a escribir la que será su siguiente novela, aunando las ideas y personajes que se le han ido ocurriendo durante el año. También los conflictos sociales y políticos que van marcando cada nuevo presente. El “coqueteo” con el autoritarismo, el populismo y la ultraderecha afirma que son los que prendieron la mecha de La hora antes del alba , continuación de La casa de los espíritus por la que ha ganado el Premio Planeta 2026 . Al contrario de lo que sucede habitualmente en la cobertura de estos galardones, esta edición ni la vencedora ni el finalista –Sergio Hernández por La añoranza– , van a conceder ninguna entrevista individual. Solamente un pequeño encuentro con varios medios, y la presentación de ambos libros. “En los 45 años que han pasado desde que escribí La casa de los espíritus , la idea de ampliar la historia de Alba estuvo mucho tiempo en el aire”, reconoce Isabel Allende, “pero nunca se concretó”. Hasta ahora, que ha convertido a aquel personaje que “apenas esbozó” en la protagonista de su nuevo volumen. Alba comienza la novela tras haber sido torturada y violada, y haber perdido a su abuelo. En este hostil contexto, debe enfrentarse a cómo partir de cero a pesar de las durísimas circunstancias. “Más que por el perdón, opta por no cargar con el rencor y la rabia, porque este es un saco de piedras que te llevas a la espalda, te arruina a la vida y que a los demás no les importa nada. Tu torturador no se va a ver afectado por el hecho de que tú tengas la vida destrozada”, valora la escritora, “decidir cuál es la narrativa es un trabajo tremendo interior, decidir si soy la víctima torturada y mutilada, o una mujer que sale adelante pase lo que pase”. En su revisión del feminismo que ya estuvo presente en la precuela que escribió hace 45 años, Allende celebra los avances producidos desde entonces, aunque recuerda que todavía que “mucho” por hacer. Y reivindica: “Que no hayamos podido reemplazar el patriarcado no significa que hayamos fracasado, sino que la lucha era mucho más larga y difícil de lo que yo creía cuando era joven”. Que no hayamos podido reemplazar el patriarcado no significa que hayamos fracasado Isabel Allende — Escritora y periodista En su nuevo libro, la autora chilena incluye una referencia a Franco. La novela está situada dos años después de su muerte, y uno de los personajes plantea: “¿Quién sabe cuánto más perdurará su presencia?”. Allende considera que lo que sucede con él es equiparable a Pinochet y Hitler, que “se quedan en el aire flotando, entre una mayoría de gente que tiene una idea completamente desvirtuada de lo que pasó, y además ignorancia”. La escritora lamenta que en Chile “nunca se hizo un verdadero ejercicio de llegar a la verdad o reparar todo lo que pasó”. La autora habla igualmente de Estados Unidos, donde reside, dado que considera que “las heridas de y las divisiones de la Guerra de Secesión todavía existen”. “Las heridas del pasado dejan cicatrices muy fuertes, a veces se necesita tiempo para resolverlas y hay que vivir con ellas, con la polarización”, reflexiona. A Allende, que comparte parentesco con Salvador Allende, primo de su padre; la llamaron “roja” en una de sus visitas a España para investigar sobre la Guerra civil. “Me insultó porque según esa persona todos éramos comunistas por estar hablando mal de Franco. Todavía hay una idealización de Franco, Pinochet y Hitler, por eso existen los neonazis y gana la ultraderecha”. El exilio, el “gran olvidado” de la Guerra Civil Tanto la novela ganadora de los Premios Planeta como la finalista, La añoranza , tienen en común narrar una historia sobre la represión, el amor, la memoria y las consecuencias de sus heridas. En el caso del libro de Sergio Hernández, de la posguerra española. Su libro arranca en la Barcelona de 1959, con una joven que huye de la Guardia Civil por participar en una manifestación contra el régimen franquista. Un desconocido le ofrece refugio. Se trata de un traductor francés que además de en su salvador de la detención, se transforma en su amante, mentor y una herida que el tiempo no conseguirá cerrar. Antonio Machado es el tercer protagonista de la obra, y en realidad germen de su galardonado texto: “Al estudiar su exilio supe que quería hablar de él”. Isabel Allende y Sergio Hernández, ganadora y finalista del Premio Planeta “El exilio es muchas veces el gran olvidado en la historia de la Guerra Civil”, apunta Sergio Hernández, “sobre todo porque en la figura del exilio recae la gente sin voz, la gente de los campos de concentración y muchas tragedias que quedaron en cunetas que ya nunca podremos rescatar”. “Ojalá sirva para contribuir a la libertad y que reflexionemos acerca del país en el que vivimos y lo que era hace tantos años”, espera el escritor de su libro. A la hora del mirar al pasado, el autor comparte la frase de Machado “la verdad también se inventa”, ya que sostiene que “aunque no hayamos vivido ciertas cosas, tenemos la capacidad de recurrir a ellas a través de la ficción”. Isabel Allende coincide con la postura de su compañero, porque sostiene que “a veces la ficción llega a la verdad más profunda”. La chilena comenta que muchas veces los medios tienen la posibilidad de “informar instantáneamente, pero no pueden entrar en profundidad en cada hecho porque no hay tiempo, eso se puede hacer desde la ficción”. En su caso, siendo la novela histórica el género que más ha cultivado, explica que para sus investigaciones, no le interesa “lo que dicen los textos de historia, porque lo escribieron los hombres blancos que ganaron la batalla. Me interesan las voces calladas, silenciadas”. Nuevas historias y miradas sobre la Guerra Civil En lo que respecta en la mirada hacia el futuro, ambos ganadores aportaran una mirada optimista. Sergio Hernández coincide con La bola negra , la película de los Javis que acaba de convertirse en la más vista del año en España, en la temática, por ahondar igualmente en las heridas de la Guerra Civil. “Existe este cliché de 'otra novela más' sobre la Guerra Civil. Pero es curioso, porque siempre aparecen enfoques diferentes para abordar temas nuevos, con miradas distintas, como es su caso y la mirada que yo he tratado de hacer en mi libro desde mi generación”, defiende. Además de la publicación de sus respectivas novelas, el premio Planeta está dotado de un millón de euros, y 200.000 para el finalista. Dentro de su trayectoria, para Isabel Allende uno de los más significativos de su trayectoria fue el Premio Nacional de Literatura en Chile: “Se discutió hasta la saciedad y costó mucho que me lo dieran porque mis colegas masculinos me detestan porque vendo más que ellos”.
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