Creció en un hogar humilde con su familia de origen argelino. Hoy es el actor francés más importante de su generación y acaba de estrenar ‘Los miserables’
Fred Cavayé recupera el clásico de clásicos de manera tan rigurosamente espectacular como difícilmente justificable Leer
Mozart consigue con 'Las bodas de Fígaro' algo casi milagroso: transformar una comedia de enredos en una de las obras más hermosas, ricas y profundas de la historia universal El cine francés presume de sus clásicos y reivindica ‘Los miserables’: “En EEUU preguntan si es la versión sin canciones” Una buena mañana, los presos de la Penitenciaría Estatal de Shawshank oyeron por los altavoces una melodía inesperada . “No tengo ni la más remota idea de qué coño cantaban aquellas dos italianas, y lo cierto es que no quiero saberlo: las cosas buenas no hace falta entenderlas”. De haber tenido el libreto en el talego, los amables reclusos de Cadena perpetua (1994) se habrían llevado un chasco; porque aquello “tan hermoso que no podía expresarse con palabras” era, más bien, una conspiración doméstica para cazar in fraganti a un marido pichabrava. Pero hay algo en lo que el personaje de Morgan Freeman sí tiene razón. Mozart consigue con Las bodas de Fígaro algo casi milagroso: transformar una comedia de enredos en una de las obras más hermosas, ricas y profundas de la historia universal. También, el no desdeñable logro de conseguir estrenar (¡en 1786!) una ópera en la que se junta la lucha de clases, la guerra de sexos, el travestismo, una admirable dosis de humor absurdo y una moral sexual descocada. De todo esto sabía mucho Lorenzo Da Ponte, su libretista: un sacerdote metido a poeta, al que la Inquisición había procesado por libertinaje y al que habían desterrado de Venecia —por entonces, la capital europea del vicio— por degenerado. Con estas credenciales, tiene aún más mérito que el tipo consiguiese que el emperador aprobase el tema de “Las bodas” para un libreto, considerando que el mismo monarca había ordenado que la novela de Beaumarchais de la que sale el argumento fuese censurada en todos sus dominios. La sinopsis se resuelve en un periquete. Es el día de la boda de Susanna y Fígaro, sirvientes en el palacio del conde de Almaviva. Todos celebran y festejan menos el señor de la casa, que está dispuesto a recuperar cierto derecho feudal —el de pernada, se entiende— con la susodicha. Para hacerle la puñeta, los prometidos conspiran con la condesa —la doña está hasta el moño de los desmanes de su cónyuge— para desbaratar sus planes; a estos dimes y diretes se irán apuntando el resto del servicio palaciego, que a veces va con unos y otras con los contrarios. Planos generales de 'Las bodas de Fígaro' Como Las bodas de Fígaro se han entendido como un anticipo de la Revolución francesa —la ópera se estrenó apenas tres años antes de la toma de la Bastilla—, no deja de tener su gracia que el Teatro Real haya estrenado esta nueva producción del título justo en la víspera de una huelga general. El nuevo montaje, una coproducción con la Metropolitan Opera de Nueva York —donde se verá una vez terminen las funciones en Madrid— es obra del canadiense Robert Carsen, que ubica la acción dramática en el Eliseo parisino en vez de en el palacio sevillano del original. Así, el conde pasa a primer ministro, la condesa a primera dama y los sirvientes a parte del staff . Al comienzo, sobre el escenario sucede la famosa “disputa habitacional”, en la que Fígaro trata de ver si le cabe una cama de matrimonio en la habitación que les han asignado. Los problemas del siglo XVIII, como ven, siguen sin solucionarse. Esta distinción entre los espacios que habitan “los de arriba” y “los de abajo” desaparece pronto de una escena en la que se imponen estancias de techos altísimos, gruesas molduras y ribeteados dorados. Lo mismo sucede con la tensión sexual legible entre los personajes. Sí, las acciones del conde son las de un agresor; pero Mozart y Da Ponte traman un complejo sistema de atracciones, curiosidades y tonteos entre la concurrencia que permite una dramaturgia más rica. El mejor ejemplo de este nudo lo encontramos en la relación que todos establecen con Cherubino, uno de los pajes de palacio. El adolescente, más hormona que persona, es un personaje masculino escrito para mezzosoprano; al que, en cierto momento (y rizando el rizo), Susanna y la condesa disfrazan de mujer. Al mozo le gustan todas ( “siento un afecto lleno de deseo” canta en su aria de presentación), lo que lo convierte en una presencia molesta y estimulante: la condesa quiere al conde, pero le gusta gustarle al chavalín. A Susanna le divierte, a Barbarina (otra sirvienta) le excita; a Fígaro le irrita y al conde le da de su propia medicina. Cecilia Molinari (Cherubino), Mattia Olivieri (El conde de Almaviva) Como decíamos, el asunto se apunta tímidamente sin desarrollarse con más enjundia. Podría hacerse y en este mismo teatro hemos tenido ejemplos elocuentes, como el Don Giovanni de Claus Guth y el Così fan tutte de Michael Haneke (títulos con los que, por cierto, se recorre toda la colaboración que establecieron Mozart y Da Ponte). Lo que sí quiso enfatizar Carsen, aunque con poco éxito, es el potencial revolucionario de la obra; pero, descartada la guillotina, toca el placebo en forma de proyecciones bélicas antes de que caiga el telón y un discreto telediario (¡arde París!) que mira el conde antes de seguir a lo suyo. Los personajes, tal como quiso Mozart, van vestidos como el público de su época, así que nos ahorramos el pelucón y el miriñaque. En el foso mandaba Stefano Montanari, director de querencias barrocas, que escogió para esta primera visita al Real unos tempos inexplicablemente veloces. Lo había advertido en la rueda de prensa: le gusta pisar el acelerador, por más que los cantantes y el director de escena se lo reprochen. El resultado es innecesariamente angustioso y asfixiante: las sutilezas de la partitura quedan aplanadas por las prisas, la expresividad de los cantantes se achica por exigencias del metrónomo y el auditorio termina por suponer que quieren liquidar el encargo pronto porque han quedado para cenar. La decisión resulta más incomprensible si consideramos que Montanari propuso desde el comienzo una interpretación decididamente expresiva, concretada en los acompañamientos de los recitativos que él mismo realiza floridamente al fortepiano (empieza siendo interesante y termina por resultar cargante). ¿Para qué tanto enriquecimiento de los diálogos para luego despachar las arias a velocidad de crucero? Raquel Lojendio (Marcellina), Gianluca Buratto (Bartolo), Luca Micheletti (Figaro), Sara Blanch (Susanna) Además del respetable y de los sufridos instrumentistas, los principales damnificados de esta urgencia fueron los cantantes del meritorio elenco que debutó en el estreno. Sara Blanch —de la que se nos advirtió que andaba griposa, pese a que no se le notó lo más mínimo— lo pasó regular en su excelente interpretación del “Deh vieni, non tardar”. Muy bien también Olga Kulchynska como la condesa: fue capaz de resolver el aria de presentación (“Porgi amor”) a matacaballo y lucirse con algo más de holgura en el “Dove sono”, uno de los momentos más tiernos y conmovedores de la ópera. (Algo debió pasar en el entreacto, porque la segunda parte discurrió bastante menos apresurada). Me gustó el Fígaro de Luca Micheletti, que canta bien y actúa mejor. La cavatina “Se vuol ballare” me resultó divertidísima (Mozart hace un chiste sobre el compás de minueto, que es la danza aristocrática por antonomasia) y los enredos del segundo acto arrancaron carcajadas entre los asistentes. ¡Qué apuros en el “Non più andrai”! Menos interesante me parece el conde de Mattia Olivieri, cuya voz carece de la redondez y profundidad que el personaje necesita. En el terceto del segundo acto, donde su personaje se torna en violento y terrible, languideció frente a sus contrapartes femeninas. Muy bien también el Cherubino de Cecilia Molinari (me gustaron mucho los adornos del da capo del “Voi che sapete”). Los secundarios (Raquel Lojendio como Marcelina, Juan Sancho como Basilio, Riccardo Novaro como Antonio, Gianluca Buratto como Bartolo y Pablo García-López como don Curzio) meramente correctos. La ópera termina con una redención . Pillado in fraganti , el conde asume sus culpas y se disculpa ante la condesa delante de todo el servicio. La belleza de esta música no conoce igual. Antes ha sucedido otra: Fígaro se ha disculpado con Susanna por su último arrebato de celos. Prosternados, los varones aceptan la magnanimidad (que ni es ingenua ni artificial) de sus parejas tras tres horas de machistadas entre estúpidas y violentas. La música se torna sacral y todos cantan con la esperanza de que lo sucedido cambie el estado de las cosas.
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Creció en un hogar humilde con su familia de origen argelino. Hoy es el actor francés más importante de su generación y acaba de estrenar ‘Los miserables’
‘Scrooge y los fantasmas de la Navidad’ se ha promocionado como la vuelta del actor al cine de Hollywood tras su conflicto judicial con Amber Heard El cine francés presume de sus clásicos y reivindica ‘Los miserables’: “En EEUU preguntan si es la versión sin canciones” Realmente Johnny Depp siempre ha sido un actor bastante malo. Es decir, ateniéndonos a una definición de “actor” que apunte a interpretar a alguien más, una persona ajena a la propia. Depp solo hace bien de Depp y ha logrado convertir en espectáculo eso mismo: un espectáculo lo bastante carismático como para llegar a ser el actor favorito de una cierta generación de espectadores al tiempo que la mayor parte de sus películas se resignen a ser “películas de Johnny Depp”. No hay tal cosa como trabajo en equipo en la mayoría de sus filmes, al menos desde una percepción popular. La excepción es Tim Burton y únicamente porque su machacón discurso creativo en torno a la rareza y la vindicación individual frente a una sociedad genérica y aburrida encaja de maravilla con Depp. Depp devora todas las películas en las que participa. Suele disfrazarse no para desaparecer, sino para atraer la mirada del público con más intensidad, retroalimentando esa imagen burtoniana de rareza esquiva y, por qué no, adorable. Se disfraza, pero claro, mantiene sus tics como los mantienen todos los actores (sobre todo los malos). Bajo toneladas de maquillajes y prótesis pone morritos, abre mucho los ojos, camina de puntillas. Y así va acumulando personajes icónicos, incluso en la fase más tardía y acartonada de su carrera —aunque parezca mentira, hay quien considera su papel del Sombrerero Loco en las espantosas películas de acción real de Alicia en el país de las maravillas como algo de lo que merece la pena disfrazarse—, que ya viene durando 15 años por lo menos. Más años, en realidad, de lo que ha durado ese exilio de Hollywood que vendría a clausurar por todo lo alto Scrooge y los fantasmas de la Navidad . Se trata de la enésima adaptación del Cuento de Navidad de Charles Dickens y de un vehículo, en realidad, bastante adecuado para los requisitos de una estrella como Depp. En 1843 Dickens escribió una novela breve consagrada a un único personaje, Ebenezer Scrooge. Había sacado el nombre de la tumba de un cementerio de Edimburgo. Que el Ebenezer Scrogge original estuviera enterrado al lado de Adam Smith (padre fundador del capitalismo), pasando a inspirar la creación del hombre avaro por antonomasia, es el tipo de ocurrencia encantadora que está detrás de los grandes clásicos de la literatura universal. Pero antes de hablar de la codicia y el oportunismo —dejemos lo de la nueva y flamante Skydance sacando heroicamente a Depp de su aparente ostracismo para algo más adelante— nos interesa eso, que Scrooge sea un personaje-planeta. Todo debe girar en torno a él, a su redención y a su floreciente amor por la Navidad, así que por qué no van a caracterizarse como Scrooge figuras del estilo de Depp. Actores que no son tanto actores como centros gravitatorios. El gran referente de la película es 'Los fantasmas atacan al jefe' Antes de Depp ya vimos a Jim Carrey en su propio Cuento de Navidad . Aunque aquí Carrey —posible reverso luminoso del estilo Depp, pues al menos él acapara el protagonismo solo para hacernos reír y no tanto para forrar carpetas— estaba coartado por una rígida animación hiperrealista en tres dimensiones. A lo que más recuerda este Depp es al caso de Bill Murray en Los fantasmas atacan al jefe . Mira tú por dónde, otro actor acusado de “comportamiento inapropiado y acoso” contra las mujeres . Los fantasmas atacan a Johnny Depp Bill Murray protagonizó esta comedia a finales de los 80, en plena cúspide de su éxito. Llegaba de Cazafantasmas y El pelotón chiflado , y su máxima preocupación era que nadie olvidara que la película se reducía a una suerte de “Bill Murray presenta: Cuento de Navidad ”. Lo quiso recordar con tanta intensidad como para que el actor de Atrapado en el tiempo se pasara el metraje vociferando sin parar, dándole una vibración todavía más extraña a una propuesta que quería llevar a Dickens al terreno de la comedia negra sin aligerar por ello el arco de redención del protagonista. Los fantasmas atacan al jefe era una película ciertamente anómala, por no decir grotesca, así que a día de hoy ostenta cierto culto. Su extravagancia no es, ni por asomo, la de Scrooge y los fantasmas de la Navidad: por mucho que Depp pueda fagocitarlo todo a la medida de Murray, el Hollywood de hoy día puede amparar innumerables pedorretas, pero no así un desafío real al molde comercial en que se inserta, sepultado bajo un maquillaje anciano tan esperpéntico como lo era recientemente el de Tom Cruise en Digger . Solo que la película de Iñárritu, como sabemos, problematizaba la ridiculez inherente a esta clase de metamorfosis, mientras que Scrooge y los fantasmas de la Navidad chapotea en ella. “El hombre de las mil caras”, se le ha llamado a Depp en el tráiler. Merece la pena detenerse en dicho anuncio , el primer avance oficial de Scrooge . Fue publicado en abril de este año durante la CinemaCon, mientras Depp se infiltraba entre el público con su disfraz de Scrooge. Todo el tráiler pendía sobre él, con rótulos triunfales repasando los grandes personajes de su carrera e insistiendo en que, sí, volvía. “Da gusto volver”, remataba Scrooge entre risitas. La Paramount de David Ellison, ya gestionando entonces los últimos detalles de la adquisición de Warner Bros., solo nos permitía atender a este nuevo Cuento de Navidad desde esa narrativa: por fin regresaba a Hollywood, al lugar del que nunca debió irse, y todo gracias a ¿su descancelación? Scrooge recibe la visita de un espíritu Depp ya puede volver a hacer películas terribles de Piratas del Caribe y otros vehículos destinados a su expreso lucimiento como ejemplifican Scrooge o Sed de sangre , que pronto estrenará junto a Penélope Cruz. Y puede hacerlo porque salió victorioso de su proceso judicial con Amber Heard , espoleado por unas acusaciones que hicieron cundir la incomodidad en la industria hacia su figura alrededor de 2018. La misma Warner que ahora ha sido suprimida por la maquinaria de Ellison —millonario amigo de Trump al que, por supuesto, le encanta meterle goles a la sociedad woke — llegó a prescindir de sus servicios al frente de Animales fantásticos , y el pobre Depp tuvo que resignarse a años de cancelación… recibiendo premios en festivales europeos como San Sebastián, encabezando propuestas de autor, y contrayendo amistad con el príncipe de Arabia Saudí. En fin. Ahora que “vuelve” ya no habrá tantas ganas de recordar los lazos de Depp con el gobierno autoritario que mandó descuartizar al periodista Jamal Khashoggi ( algo que Mohammed Bin Salman llegó a confesarle al actor ), así que basten estas notas para subrayar el gran negocio que siempre ha sido la así llamada “cultura de la cancelación”. El gran evento, sobre todo, una maquinaria industrial perfectamente engrasada a través de decisiones simbólicas y compensaciones materiales donde quizá solo flaquee el cansancio de Depp: las pocas ganas de seguir trabajando que se hacen notar ostentosamente en Scrooge y los fantasmas de la Navidad . Si no le hubieran cancelado, lo mismo podría haberse jubilado tranquilamente. Una ingrata tesitura también extrapolable a Woody Allen . Un nombre al margen de las mil caras Scrooge y los fantasmas de la Navidad apenas puede permitirse lecturas al margen de la guerra cultural de los amigos del trumpismo o de la pereza con la que se adapta una y otra vez la historia de Dickens, engrosando ordenadamente la campaña navideña cada cierto tiempo. El carácter de acontecimiento que persigue se limita a la sobrada fama de la propiedad intelectual y de las ganas que hay de ver a Depp nuevamente maquillado como un espantajo (otra propiedad intelectual en sí misma), de modo que la película, en tanto a película, apenas pueda respirar por encima de estos condicionantes. Cuando lo hace, curiosamente, se debe a otro nombre propio que no es el de Depp. Nos referimos a quien firma la película, Ti West. Se trata de uno de tantos directores bregados en el cine independiente que, mediando el oportuno cheque, no dudan en ataviarse de mercenarios para legitimar el engrudo corporativo que haga falta. Ocurre no obstante que West, llegado del mumblegore —intersección del género de terror con el mumblecore , cine estadounidense de bajo presupuesto ceñido a treintañeros que “balbucean” ( mumble )—, tiene talento. Su House of the Devil es un título de culto y la trilogía que le ha dedicado a Mia Goth (formada por X, Pearl y MaXXXine ) es de lo más estimulante, dejando entrever una voluntad de estilo que se abre paso en Scrooge . ¿Cómo? Nuevamente, no de un modo que llegue a desafiar las servidumbres de Scrooge , pero sí acertando a darle solidez formal a la propuesta. El guion de Nathaniel Halpern ( Historias del bucle ) sigue linealmente la archiconocida historia, sin más disonancias que las que ofrece algún matiz anecdótico —el viejo amor de Scrooge, el apunte subrepticio de que su mezquindad va más allá de él para apelar a la sociedad que le rodea— o el refuerzo de algunas ideas de Dickens no tan atendidas en tratamientos anteriores, como su amistad con Morley (Ian McKellen) o el lado más siniestro del fantasma de las Navidades Presentes, interpretado por Tramell Tillman ( Severance ). Esto último apuntala toda la posible distinción que pueda reclamar Scrooge más allá de las cucamonas de Depp: hay un moderado esfuerzo por invocar el cuento gótico y enfatizar los aspectos terroríficos aprovechando que dirige quien dirige. Así que el tratamiento fotográfico es más que solvente y hay alguna imagen felizmente malsana, sin que por lo demás la película llegue a desviarse de su plantilla: transcurrida la Nochebuena, el pequeño Tim volverá a saltar con “Que Dios nos bendiga a todos”, y Depp habrá aprendido el verdadero significado de etcétera. Con lo que Scrooge y los fantasmas de la Navidad es otro Cuento de Navidad de Hollywood. Uno más. Con su llamamiento a la convivencia y a la generosidad, disimulando en lo posible unas condiciones de producción más bien cínicas que no tendrá por qué aguarle la fiesta a los espectadores que solo quieran reencontrarse con Jack Sparrow, con Eduardo Manostijeras o, en fin, hay gente para todo, con el Sombrerero Loco. Para otro tipo de espectadores, mejor volverse a ver ahora que llegan estas fechas Los teleñecos en Cuento de Navidad . Por ejemplo.
Mozart consigue con 'Las bodas de Fígaro' algo casi milagroso: transformar una comedia de enredos en una de las obras más hermosas, ricas y profundas de la historia universal El cine francés presume de sus clásicos y reivindica ‘Los miserables’: “En EEUU preguntan si es la versión sin canciones” Una buena mañana, los presos de la Penitenciaría Estatal de Shawshank oyeron por los altavoces una melodía inesperada . “No tengo ni la más remota idea de qué coño cantaban aquellas dos italianas, y lo cierto es que no quiero saberlo: las cosas buenas no hace falta entenderlas”. De haber tenido el libreto en el talego, los amables reclusos de Cadena perpetua (1994) se habrían llevado un chasco; porque aquello “tan hermoso que no podía expresarse con palabras” era, más bien, una conspiración doméstica para cazar in fraganti a un marido pichabrava. Pero hay algo en lo que el personaje de Morgan Freeman sí tiene razón. Mozart consigue con Las bodas de Fígaro algo casi milagroso: transformar una comedia de enredos en una de las obras más hermosas, ricas y profundas de la historia universal. También, el no desdeñable logro de conseguir estrenar (¡en 1786!) una ópera en la que se junta la lucha de clases, la guerra de sexos, el travestismo, una admirable dosis de humor absurdo y una moral sexual descocada. De todo esto sabía mucho Lorenzo Da Ponte, su libretista: un sacerdote metido a poeta, al que la Inquisición había procesado por libertinaje y al que habían desterrado de Venecia —por entonces, la capital europea del vicio— por degenerado. Con estas credenciales, tiene aún más mérito que el tipo consiguiese que el emperador aprobase el tema de “Las bodas” para un libreto, considerando que el mismo monarca había ordenado que la novela de Beaumarchais de la que sale el argumento fuese censurada en todos sus dominios. La sinopsis se resuelve en un periquete. Es el día de la boda de Susanna y Fígaro, sirvientes en el palacio del conde de Almaviva. Todos celebran y festejan menos el señor de la casa, que está dispuesto a recuperar cierto derecho feudal —el de pernada, se entiende— con la susodicha. Para hacerle la puñeta, los prometidos conspiran con la condesa —la doña está hasta el moño de los desmanes de su cónyuge— para desbaratar sus planes; a estos dimes y diretes se irán apuntando el resto del servicio palaciego, que a veces va con unos y otras con los contrarios. Planos generales de 'Las bodas de Fígaro' Como Las bodas de Fígaro se han entendido como un anticipo de la Revolución francesa —la ópera se estrenó apenas tres años antes de la toma de la Bastilla—, no deja de tener su gracia que el Teatro Real haya estrenado esta nueva producción del título justo en la víspera de una huelga general. El nuevo montaje, una coproducción con la Metropolitan Opera de Nueva York —donde se verá una vez terminen las funciones en Madrid— es obra del canadiense Robert Carsen, que ubica la acción dramática en el Eliseo parisino en vez de en el palacio sevillano del original. Así, el conde pasa a primer ministro, la condesa a primera dama y los sirvientes a parte del staff . Al comienzo, sobre el escenario sucede la famosa “disputa habitacional”, en la que Fígaro trata de ver si le cabe una cama de matrimonio en la habitación que les han asignado. Los problemas del siglo XVIII, como ven, siguen sin solucionarse. Esta distinción entre los espacios que habitan “los de arriba” y “los de abajo” desaparece pronto de una escena en la que se imponen estancias de techos altísimos, gruesas molduras y ribeteados dorados. Lo mismo sucede con la tensión sexual legible entre los personajes. Sí, las acciones del conde son las de un agresor; pero Mozart y Da Ponte traman un complejo sistema de atracciones, curiosidades y tonteos entre la concurrencia que permite una dramaturgia más rica. El mejor ejemplo de este nudo lo encontramos en la relación que todos establecen con Cherubino, uno de los pajes de palacio. El adolescente, más hormona que persona, es un personaje masculino escrito para mezzosoprano; al que, en cierto momento (y rizando el rizo), Susanna y la condesa disfrazan de mujer. Al mozo le gustan todas ( “siento un afecto lleno de deseo” canta en su aria de presentación), lo que lo convierte en una presencia molesta y estimulante: la condesa quiere al conde, pero le gusta gustarle al chavalín. A Susanna le divierte, a Barbarina (otra sirvienta) le excita; a Fígaro le irrita y al conde le da de su propia medicina. Cecilia Molinari (Cherubino), Mattia Olivieri (El conde de Almaviva) Como decíamos, el asunto se apunta tímidamente sin desarrollarse con más enjundia. Podría hacerse y en este mismo teatro hemos tenido ejemplos elocuentes, como el Don Giovanni de Claus Guth y el Così fan tutte de Michael Haneke (títulos con los que, por cierto, se recorre toda la colaboración que establecieron Mozart y Da Ponte). Lo que sí quiso enfatizar Carsen, aunque con poco éxito, es el potencial revolucionario de la obra; pero, descartada la guillotina, toca el placebo en forma de proyecciones bélicas antes de que caiga el telón y un discreto telediario (¡arde París!) que mira el conde antes de seguir a lo suyo. Los personajes, tal como quiso Mozart, van vestidos como el público de su época, así que nos ahorramos el pelucón y el miriñaque. En el foso mandaba Stefano Montanari, director de querencias barrocas, que escogió para esta primera visita al Real unos tempos inexplicablemente veloces. Lo había advertido en la rueda de prensa: le gusta pisar el acelerador, por más que los cantantes y el director de escena se lo reprochen. El resultado es innecesariamente angustioso y asfixiante: las sutilezas de la partitura quedan aplanadas por las prisas, la expresividad de los cantantes se achica por exigencias del metrónomo y el auditorio termina por suponer que quieren liquidar el encargo pronto porque han quedado para cenar. La decisión resulta más incomprensible si consideramos que Montanari propuso desde el comienzo una interpretación decididamente expresiva, concretada en los acompañamientos de los recitativos que él mismo realiza floridamente al fortepiano (empieza siendo interesante y termina por resultar cargante). ¿Para qué tanto enriquecimiento de los diálogos para luego despachar las arias a velocidad de crucero? Raquel Lojendio (Marcellina), Gianluca Buratto (Bartolo), Luca Micheletti (Figaro), Sara Blanch (Susanna) Además del respetable y de los sufridos instrumentistas, los principales damnificados de esta urgencia fueron los cantantes del meritorio elenco que debutó en el estreno. Sara Blanch —de la que se nos advirtió que andaba griposa, pese a que no se le notó lo más mínimo— lo pasó regular en su excelente interpretación del “Deh vieni, non tardar”. Muy bien también Olga Kulchynska como la condesa: fue capaz de resolver el aria de presentación (“Porgi amor”) a matacaballo y lucirse con algo más de holgura en el “Dove sono”, uno de los momentos más tiernos y conmovedores de la ópera. (Algo debió pasar en el entreacto, porque la segunda parte discurrió bastante menos apresurada). Me gustó el Fígaro de Luca Micheletti, que canta bien y actúa mejor. La cavatina “Se vuol ballare” me resultó divertidísima (Mozart hace un chiste sobre el compás de minueto, que es la danza aristocrática por antonomasia) y los enredos del segundo acto arrancaron carcajadas entre los asistentes. ¡Qué apuros en el “Non più andrai”! Menos interesante me parece el conde de Mattia Olivieri, cuya voz carece de la redondez y profundidad que el personaje necesita. En el terceto del segundo acto, donde su personaje se torna en violento y terrible, languideció frente a sus contrapartes femeninas. Muy bien también el Cherubino de Cecilia Molinari (me gustaron mucho los adornos del da capo del “Voi che sapete”). Los secundarios (Raquel Lojendio como Marcelina, Juan Sancho como Basilio, Riccardo Novaro como Antonio, Gianluca Buratto como Bartolo y Pablo García-López como don Curzio) meramente correctos. La ópera termina con una redención . Pillado in fraganti , el conde asume sus culpas y se disculpa ante la condesa delante de todo el servicio. La belleza de esta música no conoce igual. Antes ha sucedido otra: Fígaro se ha disculpado con Susanna por su último arrebato de celos. Prosternados, los varones aceptan la magnanimidad (que ni es ingenua ni artificial) de sus parejas tras tres horas de machistadas entre estúpidas y violentas. La música se torna sacral y todos cantan con la esperanza de que lo sucedido cambie el estado de las cosas.
"Sin casa, sin locales y con el espacio público convertido en un escaparate, no quedan lugares donde viva la cultura", reivindican en su manifiesto ¿Tiene la cultura derecho a huelga? “El 11N, la cultura también para”, es el título del manifiesto que más de 800 agentes de la cultura, entre librerías, editoriales, espacios y trabajadores han firmado para apoyar la huelga general por la vivienda promovida para el próximo 11 de noviembre. Alana S. Portero , Rodrigo Sorogoyen , Andrea Abreu , Sabina Urraca , David Uclés , Nerea Pérez de las Heras e Inés Hernand son algunas de las figuras que se han unido al texto. En él reivindican una vivienda digna y estable; medidas efectivas para prevenir y sancionar en la discriminación racista en el acceso a la vivienda y a espacios comerciales o de producción artística; la regulación de los alquileres comerciales, el fin de la especulación inmobiliaria, y la protección efectiva de los espacios culturales independientes frente a la expulsión por espacios comerciales; condiciones dignas para quienes trabajan por cuenta propia, condiciones dignas para los trabajadores de la cultura; y garantizar la continuidad de las reformas legislativas del sector cultural. También el respeto al derecho a huelga y a los derechos sindicales en las instituciones culturales, algo que ha sido denunciado en Madrid, donde los sindicatos denunciaron la vulneración del derecho a huelga por parte de varios teatros, al haber trasladado las funciones del miércoles 11 al lunes 9, o directamente cancelado las del día 11. Stage Entertainment, productora de El rey león y El alma al aire rectificó para permitir a los trabajadores de sus musicales ejercer su derecho a huelga, pero en otros espacios como el Auditorio Nacional, las producciones de ATG Entertainment (Los Miserables, Querido Evan Hansen y Wicked) y el Teatro Real, no han llevado a cabo ningún cambio. CGT ha convocado una concentración el próximo lunes precisamente en el Real, para protestar contra esta vulneración de derechos que el comité de empresa ha denunciado ante Inspección de Trabajo. Entre los firmantes figuran igual, el filósofo Paul B. Preciado, la cineasta Laura Hojman, el actor y escritor Carlos Bardem, los dramaturgos Pablo Messiez y Lola Blasco, el músico Nacho Vegas, la cantante Rocío Saiz, las escritoras Marta Sanz, Elvira Navarro, Gabriela Wiener, Mónica Ojeda, Edurne Portela, Elena Medel, Beatriz Serrano, Lucía Lijtmaer, Aixa de la Cruz, Sara Barquinero y Elizabeth Duval, la poeta y editora Luna Miguel, el escritor José Ovejero, el filósofo Ernesto Castro, los periodistas Javier Gallego e Irantzu Varela y la viñetista Flavita Banana. También editoriales como Altamarea, Barlin Libros, consonni, Dos Bigotes, ediciones comisura, Barret, Hoja de Lata y Sexto Piso; librerías, asociaciones y más de 700 trabajadores entre escritores, figurinistas, productores, bibliotecarios, dramaturgos, editores, docentes, gestores culturales, diseñadores gráficos, fotógrafos, traductores, investigadores, caracterizadores, directores, etc. “Los trabajos de la cultura necesitan tiempo, pero también espacio: el de casas, talleres, librerías, escenarios o locales de ensayo”, explican en el manifiesto. En él recogen que según una encuesta de la Asociación de Librerías de Madrid, más de 8 de cada 10 librerías son inquilinas, y solo el 14,3% afirma tener garantías de continuidad en su local actual. “Si en las grandes ciudades las librerías cierran, en las pequeñas directamente no llegan a abrir. Esta misma dinámica se replica en otros espacios propios de la cultura”, inciden. “Toda la sociedad se entristece cuando cierra una librería, un local de ensayos, un teatro, un taller de lectura, una galería o un cine. Cada vez más barrios se convierten en decorados, la gentrificación expulsa a vecinas y liquida los pocos espacios de encuentro que nos quedan. Todo lo que nos aísla impide que emerjan comunidades culturales y mutila la riqueza artística”, añaden, “si algo contribuye al conservadurismo cultural, es la inflación de alquileres e hipotecas. Sin casa, sin locales y con el espacio público convertido en un escaparate, no quedan lugares donde viva la cultura”.
Algunas empresas promotoras de espectáculos teatrales han movido la función prevista para el miércoles 11 de noviembre al día libre de esa semana, para evitar coincidir con el paro de ese día Rodrigo Sorogoyen, Alana S. Portero, David Uclés y más de 750 firmas apoyan la huelga del 11N: “La cultura también para” Suscríbete - Este texto forma parte del boletín de Cultura, suscríbete para recibirlo antes junto a la agenda cultural todos los viernes ¿Que hay huelga general el día 11? No pasa nada, pasamos la función al 9 y arreglado. Y habrá a quien esta táctica en el sector escénico le parezca lógico. Pero no es así: los sindicatos CGT y CNT han denunciado que es una vulneración del derecho a huelga . El Teatro Real mandó un comunicado hace más de una semana anunciado que la función de Las bodas de Fígaro coincidente con la convocatoria del 11N se adelantaba al lunes “por razones de seguridad y para prevenir posibles incidencias en la movilidad del transporte público o eventuales cortes de circulación” que afectarían al público, artistas y trabajadores. “Con esta medida, el Teatro Real quiere garantizar y compaginar el derecho a la huelga de la plantilla con el compromiso con el público”, añade el comunicado. Pero es radicalmente lo contrario: si la empresa te da el día libre porque hay una huelga, te está impidiendo ejercer tu derecho a huelga, razonan los sindicatos. Y luego, esto ya es otro tema sobre el que también podemos pensar, habría que evaluar qué significa el compromiso con el público y desde qué punto de vista se entiende. Se me ocurren dos maneras de mirarlo. Desde un punto de vista ético, el compromiso con el público significa tratarle como un igual, ser honesto, transparente con las estructuras, devolverle, a cambio del precio pagado por su entrada, el mejor acto artístico que pueda tener lugar en esas condiciones. Desde un punto de vista comercial, el compromiso con el público significa vender entradas, siempre, a cualquier precio, a cualquier coste. Igual esto se queda corto para la gran complejidad del verbo comprometer. El Teatro Real, acaban de anunciar los sindicatos, va a recibir una protesta a sus puertas el lunes , justo a la hora de la representación movida de fecha. El lunes ya no es el día de descanso Esto ocurre en muchos otros sitios. En el Auditorio Nacional, el gran templo madrileño de la música clásica que depende del Ministerio de Cultura, ese día acoge programación externa, realizada por promotores privados. Estaba previsto así desde antes. Cultura ha dicho que no cancelará o aplazará ninguna función programada ese día, pero al haber alquilado el espacio se ve aquí sujeto a contratos con la Orquesta Sinfónica de la Universidad Complutense de Madrid y la Filarmónica Checa. (Hemos preguntado por las consecuencias de esto: si los promotores cancelan, el INAEM les penalizará, entre otras cosas, con no poder alquilar el Auditorio en tres años. Si finalmente no se realizan estas funciones por huelga de trabajadores del INAEM o de los promotores, el Ministerio les guardará la tasa de alquiler para otro día). Que sepamos, la única empresa que ha rectificado tras las denuncias de los representantes de los trabajadores es la compañía de producción de musicales Stage Entertainment, que tiene un importante peso en la capital. La promotora de El rey león y El alma al aire , que también había movido funciones para despejar el 11N, finalmente decidió que no habría función ni un día ni otro, pero además haciendo constar el 11 de noviembre como día laborable . Es decir, se pueden hacer las cosas bien si se quiere. Los sindicatos señalaron la misma mala práctica en las funciones de Six, Un Dios salvaje o Victoria (Grupo Smedia) o en Los miserables (ATG Entertainment), que ha cambiado la función del día 11 al 8. Aquí Laura García Higueras cuenta qué otros espectáculos de Madrid han reubicado los pases previstos en el día de huelga. Y en Barcelona, se ha denunciado a la Inspección de Trabajo al Liceu, por el traslado al 12 de noviembre de la representación de la ópera I Capuleti e i Montecchi, inicialmente prevista para el día de la huelga, y ha anunciado también la reprogramación de la función escolar de Trencanous-jazz que debía celebrarse aquella mañana. El compromiso entre público y artistas del que hablábamos antes es bidireccional, así que los espectadores también tienen alguna responsabilidad. Como señala medio centenar de organizaciones, entre ellas Facua, Justicia Alimentaria o Ecologistas en Acción, esta es también una huelga de consumo . Por ello, además de parar la producción como trabajadores, los consumidores pueden no demandar, ya que toda acción de consumo conlleva una necesidad de producción al otro lado. La ciudadanía se va a movilizar por el derecho a la vivienda y la vida digna quedándose quieta durante 24 horas la semana que viene, una estrategia de la clase trabajadora que por supuesto apela también al sector cultural. Con el lema “La cultura también para”, el sector ha presentado este viernes un manifiesto en el que aporta razones para la huelga que no son solo el derecho a la vivienda estable, sino también el respeto al derecho de huelga y a los derechos sindicales en las instituciones culturales. Además, señalan otras reivindicaciones más concretas como un régimen de autónomos y una fiscalidad adaptados a ingresos intermitentes y retomar las reformas legislativas paradas, con la Ley del Cine, bloqueada en 2023 y otra vez en 2026 con el abrupto fin de la legislatura.
Takashi Yamazaki repite como director tras el éxito de ‘Godzilla Minus One’ en otro gozoso festival de monstruos y destrucción urbana con el que el cine japonés pueda sacar pecho El cine francés presume de sus clásicos y reivindica ‘Los miserables’: “En EEUU preguntan si es la versión sin canciones” En la gala de los Oscar de 2023 se palpaba una tensión extraña. Tanto Takashi Yamazaki como Christopher Nolan asistían como candidatos: Yamazaki optaba al premio a Mejores efectos visuales por su trabajo en Godzilla Minus One (que también dirigía), mientras Nolan firmaba la posible gran triunfadora de la noche, Oppenheimer . Y en efecto esta se llevó 7 estatuillas de las 13 a las que estaba nominada, mientras Yamazaki lograba el primer Oscar de una saga tan longeva como Godzilla . La tensión venía, por otra parte, del hecho de que Oppenheimer y Godzilla Minus One ofrecieran vistazos contrapuestos a lo mismo: el bombardeo de Hiroshima y Nagasaki en 1945. Una crítica recurrente a la película de Nolan había apuntado a la ausencia de la perspectiva japonesa: todo se narraba desde el punto de vista del susodicho Oppenheimer, padre de la bomba atómica. El filme había incomodado lo suyo a Japón por la frivolidad con la que Universal Pictures había compartido memes de Oppenheimer y Barbie durante la promoción —luego la major se disculparía—, pero sobre todo por la propia naturaleza de la trama, que imposibilitó inicialmente un estreno en el país nipón. Yamazaki solo pudo verla durante un viaje a Taiwán y, aunque aseguró que la película le había gustado, no pudo resistirse a hacer un comentario sobre la coincidencia que le había llevado a la misma gala de premios que al director estrella de Hollywood. “Como persona de ascendencia japonesa, mi respuesta a Oppenheimer es que me gustaría dedicarle una película propia algún día”, dijo . Y es que Godzilla nació en 1954 como respuesta al trauma de Hiroshima y Nagasaki: un monstruo generado en los despojos de la posguerra para seguir atormentando al conmocionado pueblo japonés. Puesto que la película de Yamazaki volvía al origen de todo casi parecía que Oppenheimer fuera una precuela de Godzilla Minus One , mientras la dialéctica se mantenía como siempre: el cine estadounidense hablando de remordimiento, el cine japonés regodeándose en la destrucción propia. La diferencia es que esta destrucción, ahora, podía rivalizar en espectacularidad con Hollywood. Godzilla Minus One le arrebató el Oscar a sagas como Misión imposible y Guardianes de la galaxia . Esa estatuilla contrastaba, de hecho, con cómo habían pasado prácticamente desapercibidas en esta categoría las películas estadounidenses de Godzilla , adscritas al llamado Monsterverso . Con algunos títulos disfrutables como Kong: La isla calavera o los dos crossovers de Godzilla vs. Kong , pero todos a muchísima distancia de la excelencia que había logrado Yamazaki. Tiempo después el tráiler de la secuela, Godzilla Minus Zero , mostraba al monstruo llegando a Nueva York y destruyendo la Estatua de la Libertad. ¿Había llegado la hora de la venganza? Hollywood bajo el terror del monstruo Resulta tentador leerlo así. Por mucho que la alianza de EEUU y Japón continúe tan boyante como siempre, o por mucho que Godzilla Minus Zero parezca seguir buscando ansiosamente el placer del público occidental. La cuestión es que aquel Oscar a Mejores efectos visuales que obtuvo en 2023 —en conjunto a la mayor taquilla que nunca haya logrado una película japonesa de Godzilla — es de lo más jugoso a efectos simbólicos y nos habla, como tantas otras cosas alrededor, del declive de la hegemonía hollywoodiense a la hora de proporcionar taquillazos globales. Todo empezó en la pandemia, cuando por primera vez la industria estadounidense no tuvo la mayor recaudación… en beneficio del mercado de China. Una potencia que años después, gracias a Ne Zha 2 , le arrebataría a Del revés 2 de Pixar la posición de película animada más taquillera de todos los tiempos. Podríamos sumarle a eso el creciente influjo de la superproducción india —con el fenómeno también traducido en Oscars que fue RRR en 2022 o las notables ambiciones depositadas en la inminente Ramayana , a estrenarse en España el mismo día que Godzilla Minus Zero —, y por supuesto el desempeño japonés, con otros hitos alrededor de la película de Yamazaki. No debemos obviar que en la misma ceremonia de Godzilla Minus One también ganó El chico y la garza de Miyazaki el Oscar a Mejor película de animación. Ni que dos años después otro anime, Guardianes de la noche: La fortaleza infinita , pudo colarse en el ránking de mayores recaudaciones. La potestad de producir blockbusters con opciones de arrasar a lo largo del mundo —o de, al menos, conseguir cifras enormes sin apenas moverse del sitio, como acostumbran China e India— se ha expandido, y por supuesto que Godzilla debía beneficiarse también. Es quien más se lo merece, además, por cómo Hollywood ha llegado a entorpecer directamente su trayectoria. Allá por 2016 Toho, el gran estudio japonés responsable de Godzilla , se había labrado otro gran éxito. La incorporación de efectos especiales por ordenador y de un autor tan inclasificable como Hideaki Anno ( Neon Genesis Evangelion ) dio forma a Shin Godzilla : una entrega que se atrevía a sustituir los bombardeos nucleares por la reciente explosión de Fukushima como génesis del monstruo. El resultado era un enfoque más frío que el que posteriormente seguiría Yamazaki, pero por bien que funcionara no hubo manera de darle continuidad. Y la culpa, al parecer, fue el trato que Toho acababa de hacer con Legendary Pictures para incluir a Godzilla en su Monsterverse. Hasta bien entrado 2020, que dieron luz verde a Yamazaki, no pudo empezar a desarrollarse otra entrega. Godzilla llega a Nueva York Es inevitable, entonces, no percibir todo lo que rodea a Godzilla Minus One y Godzilla Minus Zero —mejor no darle muchas vueltas a la absurdez de los títulos— desde un halo de justicia poética. Así como llamar la atención sobre las notables diferencias entre Shin Godzilla y las películas de Yamazaki, que van mucho más allá de la mejora (absolutamente categórica) de los efectos digitales. Frente al sarcasmo de Anno y su interés en darle a la población japonesa un protagonismo colectivo —aprovechando para burlarse de la burocracia y el sentimiento de inferioridad japonés—, Yamazaki se ha apegado a una narración más clásica y emocional, partiendo de una idea brillante que sigue explorando en Minus Zero : ahora el gran oponente del monstruo es un expiloto kamikaze, arrepentido por no haberse sacrificado durante la Segunda Guerra Mundial. Una secuela que gana complejidad y espectáculo La gracia está en que Koichi (Ryunosuke Kamiki) ha acabado formando una familia con Noriko (Minami Hamabe) y una niña huérfana a la que adoptan, Akiko (Sae Nagatani). Con lo que el imperativo de morir por la patria ha cambiado radicalmente: ahora ha de seguir vivo por su nueva familia, y enfrentarse a los monstruos que siguen amenazando a Japón a escasos años del fin de la Segunda Guerra Mundial. Otro detalle encantador de estos nuevos Godzilla es que hablamos de cine de época (seguimos anclados en la década de los 40), con un diseño de producción estupendo que además permite la fabulación histórica… con kaijus incorporados. El proyecto de Yamazaki busca seguir preguntándose por la identidad del Japón contemporáneo —que es, por supuesto, de lo que siempre han hablado Godzilla —, y sus preguntas ganan virulencia al toparnos en Godzilla Minus Zero con la introducción del profesor Murakami (Jun Kunimura). Superviviente de los bombardeos estadounidenses que concluyeron abruptamente la contienda, en los primeros minutos de esta secuela sobrevive a otra espantosa catástrofe: el ataque de King Ghidorah, otro monstruo clásico de Toho, poco después de la primera aparición de Godzilla. Como manda la lógica de este tipo de producciones, el incremento del espectáculo de Minus Zero con respecto a Minus One se cifra en que Godzilla ya no es el único monstruo (resucitado tras su aparente muerte en el film anterior), sino que ahora le tocará zurrarse con uno aún más grande y poderoso que él, un dragón de tres cabezas nada menos. Y en efecto todo está resuelto de maravilla, con una contundente mejora del CGI con respecto al film anterior y una puesta en escena felizmente segura de sí misma por parte de Yamazaki, que garantiza secuencias tan apabullantes como el primer ataque de los aviones a King Ghidorah. O los guantazos monstruosos finales, claro. El protagonismo humano es tan importante como el monstruoso No obstante, y volviendo a los personajes, lo mejor de Godzilla Minus Zero es que mantiene intacta la virtud troncal del primer film en cuanto a la materialización de una ficción satisfactoria, con ambiciones sorprendentes. A través del profesor Murakami Godzilla Minus Zero plantea la posibilidad de una venganza japonesa contra los EEUU mientras estos son retratados como una potencia traicionera, seducidos por la posibilidad de usar a Godzilla para sus propios fines. Todo lo cual rinde estupendamente como metáfora —que volvemos a lo mismo, es lo que siempre ha sido este grandullón—, pero sobre todo favorece una narración honesta y transparente, según la furia de este biólogo se cruza con el remordimiento del profesor Noda (Hidetaka Yoshioka) tras haber comandado los batallones de kamikazes y las dudas de la pareja Koichi-Noriko. La gran debilidad de las películas hollywoodienses de Godzilla (aparte de unos efectos digitales sin fuste) suele pasar por una presencia humana bastante irritante que le estorba a los monstruos tanto como al espectador. Yamazaki, de forma sencilla a la vez que sólida, ha esquivado este problema —hasta el anecdótico personaje de la meteoróloga que interpreta Masami Nagasawa se hace querer— e incluso logra emocionar con las vivencias de esta pequeña sinécdoque de Japón, donde se cruzan y resuenan el amor familiar, el patriotismo y el deber. No es que todas estas inquietudes aterricen bien en Godzilla Minus Zero . El guion termina sucumbiendo a la necesidad de originar más secuelas echando a perder la opción de algo realmente desafiante, y depende mucho del subrayado cursi para asegurar el impacto. Lo que, por otra parte, no deja de redundar en la impresión que se concreta cada vez que suena el épico tema musical de Godzilla , compuesto por Akira Ifukube hace más de 70 años: este es el tipo de blockbuster tramposo e irresistible que Hollywood solía hacer, y que ya no hace. Larga vida al nuevo rey.
Fred Cavayé recupera el clásico de clásicos de manera tan rigurosamente espectacular como difícilmente justificable Leer
Haz frente al frío con esta propuesta de planes culturales, lecturas y canciones Recíbelo por mail - Esta agenda cultural forma parte del boletín de Cultura, suscríbete aquí para recibirlo íntegro y primero Ha llegado noviembre y te traemos una selección de planes culturales para el primer finde del mes: exposiciones, presentaciones, libros, películas de estreno en el cine y canciones. Pistoletto en el Musac (León). A partir del 7 de noviembre se puede visitar en el gran museo leonés una muestra dedicada al artista italiano Michelangelo Pistoletto , un recorrido por su trayectoria (de 1957 a 2025) de este genial representante del arte povera, a través de medio centenar de obras, muchas de ellas sorprenderán al visitante, como sus “cuadros espejantes”. Este sábado, con motivo de la apertura, hay una performance titulada Metrocubo dinfinito y una conversación entre Michelangelo Pistoletto y Álvaro Rodríguez Fominaya, director del MUSAC, con la presencia del artista por videoconferencia. Improvisando en Canarias (Tenerife). Improvisa reúne en Tenerife (del 6 al 15 de noviembre) a algunas de las compañías más destacadas del panorama de la improvisación teatral a nivel internacional, nacional y local. Desde el humor absurdo y los clásicos en verso hasta los espectáculos familiares, las jams y el formato de competición. Memoria en Espartinas (Sevilla). Este viernes 6 de noviembre a las seis de la tarde en el centro cultural Casa de las Monjas de Espartinas (Sevilla) se presenta el libro Las páginas arrancadas al olvido de José María García Márquez y Juan Miguel Baquero, con un prólogo de Paul Preston que nuestros compañeros de la redacción de Sevilla han adelantado , un relato de memoria histórica en esta localidad, donde hubo una matanza en julio de 1936. ¡Se obsequiará a las personas asistentes con un ejemplar del libro! Aurèlia Muñoz en el Macba (Barcelona). El centenario del nacimiento de Aurèlia Muñoz, gran renovadora del arte textil y figura esencial de la creación contemporánea, desembarca en el Macba con Entes , retrospectiva producida en colaboración con el Reina Sofía y generosa panorámica que abarca desde los primeros collages de influencia surrealista a sus icónicos pájaros-cometa. Del 5 de noviembre de 2026 al 29 de marzo de 2027. La exposición 'Aurèlia Muñoz. Entes' Festival Eñe (Madrid y Málaga). Una de las citas literarias de referencia. Este año, la poesía toma la palabra es el tema central, con Polonia como país invitado y autores como Roberto Saviano, Tatiana Țîbuleac, Piedad Bonnett, Lucía Solla Sobral, Alana S. Portero, Catherine Lacey o Agnieszka Holland. En Madrid, del 4 al 25 de noviembre y en Málaga, del 21 al 30 de este mes. Este fin de semana, el sábado, no te pierdas la conversación entre Tatiana Ţîbuleac, Ana Merino y Guillermo Roz bajo el título Poéticas de la identidad . Cine europeo (Sevilla). En el Festival de Sevilla se podrán ver 66 películas, 21 de ellas estrenos entre el 6 y el 14 de este mes. Y uno de esos es el documental Anguita. El hombre de los tres siglos , dirigido por Hugo Cabezas y coproducido por elDiario.es (lo puedes ver el 10 y el 14 de noviembre). Consulta aquí la programación y compra tu entrada. Bajar al infierno (Madrid). Se inauguró el mes pasado pero no hemos hablado de ella. La exposición El Infierno de Dante, en la Fundación Canal (Madrid) reúne reúne por primera vez las dos series completas que Gustave Doré y Robert Rauschenberg dedicaron al Infierno. Es gratis y se puede visitar hasta el 5 de enero. Descubrir artistas jóvenes (Zaragoza). La Exposición VI Call for artists. Premio de Arte Universidad San Jorge nos hace descubrir joven talento artístico de Aragón. Del 3 al 20 de noviembre de 2026 Inauguración en Edificio Grupo San Valero y posteriormente en la Galería Carmen Terreros. Festival medieval (Elche). El Festival Medieval d’Elx encara la recta final tras reactivar la agenda escénica tras el luto institucional. Con el nuevo calendario para las funciones suspendidas, la cita se extiende hasta el 8 de noviembre compartiendo protagonismo con el tradicional Mercado Medieval y conciertos en el Hort del Xocolater y Las Clarisas. Cine por el medio ambiente (Barcelona y Calafell). SUNCINE es el Festival Internacional de Cine del Medio Ambiente, que hasta el 22 de noviembre reúne 47 películas sobre los grandes desafíos ambientales de nuestro tiempo. Del 4 al 22 de noviembre de 2026 en Barcelona y Calafell, y online a través de CaixaForum+. Cultura por la huelga general (Málaga). Jornada festiva y reivindicativa el 7 de noviembre en La Casa Invisible en Málaga para ir preparando la huelga general. Una charla sobre memorias de la huelga, preparación de pancartas, comida popular y concierto de Ana Elei y la rapera Loa High, cerrando a los platos Perchel Norte y Lore Breaks. Cuatro libros, por Laura G. Higueras 'Atentamente', de Blanca Lacasa (Libros del K.O.) . La escritora y periodista Blanca Lacasa ('Las hijas horribles') publica este reivindicación de la escritura cotidiana frente a la considerada la “de verdad”, la que se publica en los libros. Para ello ha rebuscado en su propio archivo, escritos personales y de autores como Dickinson, Barthes, Ernaux y Rodari. También de personas anónimas, para reflexionar sobre nos relacionamos con nuestra escritura. Al final, cada día mandamos y recibimos docenas de correos electrónicos, dejamos notitas, hacemos listas, apuntamos en cuadernos y un larguísimo etc. 'Las páginas arrancadas al olvido', de José María Márquez y Juan Miguel Baquero . Este libro cuenta con un prólogo escrito por el reconocido historiador Paul Preston, y que será presentado en el Centro Cultural Casa de las Monjas del municipio andaluz Espartinas este sábado. Una obra sobre la memoria histórica y democrática española. Aborda una parte de la represión en Andalucía arrojando luz sobre la historia más amplia de la Guerra Civil, desde las dificultades para investigar sobre lo que sucedió hasta el dolor que siguen sufriendo los familiares de las víctimas de los crímenes que fueron cometidos en ella. 'steve mcqueen: 66-76-26' (La Fábrica). ¿Qué puede unir a Nina Simone y David Bowie? El punto de partida es una canción, 'Wild is the Wind' que Simone hizo suya en 1966, Bowie grabó en 1976 y Steve McQueen rescata en 2026 en una instalación sonora concebida para el Museo Muggenheim de Bilbao. El libro es un viaje visual por estas dos figuras imprescindibles del siglo XXI, a través de más de 180 imágenes emblemáticas de ambos que dialogan página a página. Música, fotografía y mitos en un solo volumen. 'Estructuras invisibles S.L.', de Teodoro Jiménez Pozo (Periférica). Esta primera novela se ha propuesto narrar el trabajo, ese infierno de la repetición y de lo idéntico. Lo hace siguiendo a Bentor Marrero, un camionero que asiste entre alucinado y disociado a su propia vida. La muerte accidental de uno de sus compañeros actúa como engranaje que nos pone ante una realidad que normalmente preferimos ignorar: el hilo invisible que une el estatuto de los trabajadores con el código penal. Tres canciones, por Francisco Gámiz Alcalá Norte, en la redacción de elDiario.es Alcalá Norte ha publicado nuevo disco y hay algo que la banda quiere saber con todas sus fuerzas: si este segundo trabajo es mejor que el primero. No era tarea fácil, puesto que el grupo firmó uno de los debuts españoles más apasionantes de la década, pero sin duda sus integrantes han puesto esmero en ello. Para prueba, una de las canciones que te recomiendo esta semana y que ya puedes escuchar en nuestra playlist . 'Claudia' de Alcalá Norte. El segundo proyecto de la banda, Dejémoslo como estaba , juega con el pop-punk para mezclarlo con sus características letras llenas de referencias filosóficas, como cuentan en su entrevista en elDiario.es . Pero mucho más sencilla es la historia que narra el grupo en este tema, donde utilizan la figura de una mujer que se gana la vida limpiando casas para resaltar las consecuencias del privilegio. “Estuve viendo vídeos de genocidios hasta las seis / Hoy hay fútbol temprano”, canta. 'Milko Freestyle' de C. Tangana. Más de tres años ha tardado el artista en publicar nueva música , pero ha vuelto recurriendo al rap que lo caracterizó en sus orígenes. Lo hace junto a Agorazein, el grupo con el que comenzó su trayectoria, componiendo un tema que gira alrededor de la muerte de su amigo y colaborador mexicano Milkman, fallecido en febrero de 2026, y del nacimiento de su primer hijo. Incluso hay espacio para revisar el éxito de El Madrileño . 'Come Back' de Sunday,June. El quinteto hispano-suizo publica su segundo álbum, Cinema , y esta es una de las mejores canciones del mismo, en la que abordan la nostalgia y la tendencia a idealizar a quien ya no está. Con un sonido cercano al indie-rock, el grupo reflexiona sobre la dificultad de aceptar una despedida y sobre cómo, a veces, el recuerdo de una relación termina siendo más feliz que la propia realidad que la hizo fracasar. Cinema de Sunday,June Tres películas, por Javier Zurro Fotograma de 'Sacamantecas' 'Sacamantecas'. David Pérez Sañudo salta a una gran producción después de dos películas íntimas y estupendas ( Anne y Los últimos románticos ). Lo hace para abordar la historia del Sacamantecas, el primer asesino en serie de España. Pero lo hace desde el punto de vista de una mujer que investiga la muerte de su hermana, con una austeridad en la puesta en escena y elegancia en sus decisiones, y con un contexto histórico, las guerras carlistas, poco explorado en el cine español y que ofrece una violencia latente en cada plano. 'Los Miserables'. Qué envidia cómo el cine francés ha sabido ver en sus clásicos literarios la fuente perfecta para grandes producciones cinematográficas. Es una doble muestra de su poderío cultural y de su músculo industrial. Sacan pecho de sus obras maestras y las convierten en películas que arrasan en taquilla. Ojalá ver esto aquí, pero de momento nos quedamos con ver esta nueva versión del clásico de Víctor Hugo. Casi tres horas de cine clásico y académico de la mejor factura. 'Ruega por nosotras'. Las víctimas del patronato de la mujer se merecían una película, y Daniel Monzón se la ha dado. El director de Celda 211 abre las puertas de la institución que Franco creó para adoctrinar a las mujeres y hace un ejercicio de justicia y memoria histórica que cubre una cuenta pendiente del cine español.
Fred Cavayé dirige a un reparto lleno de estrellas francesas en una superproducción que ya arrasa en la taquilla y continúa la senda de 'El conde de Montecristo' hace dos años La indignación por el timo de las preferentes y el odio a los bancos como motores del primer thriller de Daniel Sánchez Arévalo En 2023, el cine francés vivió el estreno de una nueva versión de Los tres mosqueteros, el clásico de Alejandro Dumas. Aunque muchos cuestionaron que se revisitara de nuevo una historia mil veces contada, el público respondió más que favorablemente. 3,43 millones de personas pagaron una entrada para ver al star system francés dando vida a sus personajes favoritos. Evidentemente, y viendo el taquillazo, los productores se dieron cuenta de que la gente estaba deseosa de volver a sus clásicos. Quería verlos en pantalla grande. El pelotazo terminó de estallar un año después, cuando otra novela de Dumas, El conde de Montecristo , se convirtió en otra superproducción con el actor de moda, Pierre Niney, al frente. El resultado estuvo fuera de cualquier expectativa, casi 9,4 millones de tickets vendidos. Así se llega a un 2026 en donde las revisiones de los clásicos vuelven a reinar en la taquilla francesa gracias a Los miserables , que deja a Dumas de lado para traer de vuelta la historia de Victor Hugo que muchas generaciones solo conocen por el exitoso musical. En menos de un mes el filme ya ha pasado la barrera del millón de entradas vendidas, y todos esperan que pase con facilidad los dos millones. Otro éxito que muestra que, en tiempos de algoritmos , true crimes y series de adolescentes, los franceses quieren leer su presente con ayuda de los escritores que hablaron de su país hace siglos. La apuesta es fuerte, es una forma de mostrar músculo cinematográfico a la vez que literario. Francia saca su arsenal de obras maestras en forma de películas de grandes presupuestos, factura exquisita y un reparto de campanillas. Es lo que ocurre con esta nueva versión que ha dirigido Fred Cavayé y que tiene a Vincent Lindon, Tahar Rahim, Camille Cottin, Benjamin Lavernhe y Noemie Merlant. Una especie de Vengadores del cine francés que en vez de reunirse para una de superhéroes lo hacen para regresar al canto revolucionario, a Javert, Valjean y compañía. Para Fred Cavayé, “cada generación debe conocer la obra maestra de Victor Hugo”, y remarca que “sigue siendo terriblemente actual”. “Es una de las mayores novelas de la literatura universal, donde cada frase es una obra maestra. Hay tanto contenido en esta novela que se pueden seguir haciendo adaptaciones sin que se trate de un simple remake de la anterior; hay muchos aspectos que nunca se han abordado. Por eso, no creo que yo sea el último en adaptar Los miserables , ya que todavía quedan muchas cosas por contar al espectador. Y, en el fondo, por desgracia, sigue siendo terriblemente actual”, decía el cineasta desde el pasado Festival de Cine de San Sebastián, donde el filme compitió por la Concha de Oro en un guiño de José Luis Rebordinos al cine popular de gran presupuesto. En 'Los miserables' está todo: la ignorancia y la miseria siguen existiendo. El contexto es, por desgracia, equivalente al que describe Victor Hugo en su obra. Es algo atemporal y universal Fred Cavayé — Cineasta Que Los miserables sigue siendo terriblemente actual queda claro, según el cineasta, en su primera frase: “Mientras haya en la tierra ignorancia y miseria, historias como esta merecerán ser contadas”. “Es que ahí está todo: la ignorancia y la miseria siguen existiendo. El contexto es, por desgracia, equivalente al que describe Victor Hugo en su obra. Es algo atemporal y universal”, remarca. Traer a 2026 una nueva versión de Los miserables tiene algo de declaración de intenciones. Desde hace años la única versión que conocen los jóvenes es la musical que Broadway se sacó de la manga. Muchos de ellos no habrán leído el clásico de Víctor Hugo, y lo mismo ni saben que existe, algo que Cavayé reconoce. “De hecho, en EEUU me preguntan, '¿esto es una versión francesa sin las canciones?'”, dice con humor. “Es así, pero lo importante no es la forma, sino el fondo. El musical, en el fondo, contaba lo mismo que narra la novela. Aquí lo interesante ha sido profundizar aún más en los personajes y, como he dicho, contar cosas nuevas. Además, está bien mostrar a las nuevas generaciones que se puede hacer una película diferente, en la que no te aburres ni un segundo; una cinta que tiene el ritmo de una serie, con mucha fuerza y dinamismo. No hay canciones, pero en ningún momento resulta aburrida”, zanja. Vicent Lindon y Tahar Rahim, los nuevos Valjean y Javert de 'Los miserables' Para él, esta nueva moda del cine francés intenta darle un toque de modernidad para que los jóvenes no asocien lo clásico con lo aburrido. “Aportar un estilo y un sistema narrativos propios, de modo que la obra se asemeje al cine actual”, lo define el cineasta. En el caso de Los miserables ha querido “convertir la historia casi en un thriller, en una película de suspense”. “Me viene a la mente El fugitivo y hay algo de eso, de esa persecución entre Tommy Lee Jones y Harrison Ford... Se trata de construir secuencias que generen inquietud por el destino de los personajes, especialmente para las generaciones más jóvenes, que quizás no conozcan la historia original, que haya un suspense real”, apunta de una película para la que cree que lleva otras ocho anteriores preparándose. Una de las cosas más complicadas ha sido condensar toda la obra en un metraje que roza las tres horas. Mucho para una película, pero poco para todo el material y el fresco de personajes que despliega Víctor Hugo. De hecho, la primera versión de guion se iba hasta las seis horas, por lo que tuvo que sacrificar escenas que creía que “aportaban menos a lo sustancial de la obra”. También tuvo que recortar en montaje, donde la primera versión era “mucho más larga”. El mantra en la mesa de edición fue: “No traicionar la obra, pero que el espectador esté con nosotros todo el tiempo”. Fastidiarla con una obra tan querida y un proyecto tan ambicioso asusta. Y Cavayé lo sabe, pero está contento porque cree que han hecho el trabajo “lo mejor posible”. Lo que espera es que la gente encuentre en su versión “elementos nuevos”, que los que ya conocen la historia se interesen “porque habla de muchas cosas”. De momento, en Francia, su territorio natural, ha funcionado, ahora queda ver si, como le dicen en EEUU, fuera siguen pensando que Los miserables es un musical y esto su versión sin canciones.
La función que Stage Entertainment había trasladado del miércoles 11 de noviembre al lunes 9 ha sido finalmente cancelada, tras la demanda judicial del sindicato CGT a la empresa CGT y CNT denuncian la vulneración del derecho a huelga en espectáculos teatrales como 'El rey león' y 'Los Miserables' Los trabajadores de los musicales El rey león y El alma al aire , producidos por Stage Entertainment, podrán finalmente ejercer su derecho a huelga el próximo miércoles 11 de noviembre. La empresa, que había trasladado la función del día para el que está convocado el paro al lunes 9, ha rectificado tras la demanda judicial que el sindicato CGT interpuso a la empresa. elDiario.es se hizo eco de esta reclamación la semana pasada, tras las denuncias de CGT y CNT por vulnerar el derecho a huelga en otras obras como Six en el teatro Gran Vía, gestionada por el grupo Smedia, o las producidas ATG Entertainment, Los Miserables en el Nuevo Apolo, Querido Evan Hansen en el Rialto, Wicked en el Nuevo Teatro Alcalá y La función que sale mal en el Amaya. Por el momento, no ha habido cambios en el resto de recintos. Tanto El rey león en el Teatro Lope de Vega como El alma al aire en el Coliseum –y así queda patente en el calendario actualizado de su página web–, no habrá función ni el 9 de ni el 11 de noviembre. Según ha sabido este periódico, el 11 de noviembre sí que figura como laborable para los trabajadores, respetando a sí su derecho a huelga. Este medio ha intentado contactar con la productora, pero todavía no ha obtenido respuesta. Comparación entre el calendario publicado la semana pasada y esta En ambos casos, el primer cambio de fecha de la obra fue anunciado mediante un aviso en su página web, que posteriormente borraron, informando: “Debido a la huelga general, la función del 11 de noviembre ha sido cancelada. Sentimos mucho las molestias”. En el texto, al que tuvo acceso elDiario.es, indicaban igualmente que quien tuviera entradas para ese día, podría cambiarlas sin coste adicional por otra función disponible. Actualmente no existe ningún aviso público sobre la modificación en la programación, simplemente no figura la posibilidad de comprar entradas ni el día 9 ni el 11.
Varios teatros han desplazado las funciones de día o incluso cancelado su programación del 11 de noviembre, incluidos el Auditorio Nacional y el Teatro Real. "Son hechos muy graves que el público debe conocer", aseguran Paul Mescal, Susan Sarandon o Tilda Swinton apoyan a Sally Rooney tras su veto en Reino Unido por su apoyo a Palestina Los sindicatos CGT y CNT han denunciado que varios espectáculos de Madrid están vulnerando el derecho a huelga a sus trabajadores, tras haber cancelado o desplazado a fechas diferentes las funciones programadas para el 11 de noviembre. Tanto en El Rey León que se representa en el teatro Lope de Vega como El alma al aire que acoge el Coliseum, las funciones previstas para el miércoles 11 se han trasladado al lunes 9. Ambas están producidas por Stage Entertainment. En la página web de los dos musicales publicaron un aviso, que posteriormente borraron, en el que informaban: “Debido a la huelga general, la función del 11 de noviembre ha sido cancelada. Sentimos mucho las molestias”. En el texto, al que ha tenido acceso este periódico, indicaban igualmente que quien tuviera entradas para ese día, podría cambiarlas sin coste adicional por otra función disponible. Este periódico ha intentado contactar con la productora, pero todavía no ha obtenido respuesta. Captura del calendario de noviembre de 'El rey león' con el que se accede a la venta de entradas También se han desplazado los conciertos programados para el 11 en el Teatro Real y el Auditorio Nacional de Música, este último dependiente del Ministerio de Cultura. El Teatro Real ha enviado un comunicado a los medios de comunicación informando de la reprogramación. En él alegan que se ha acordado “por razones de seguridad y para prevenir posibles incidencias en la movilidad del transporte público o eventuales cortes de circulación que podrían dificultar la entrada y salida del público, los artistas, los trabajadores y el resto de profesionales relacionados con el Teatro Real, derivadas de la convocatoria de huelga general para esa jornada”. Añaden que con esta medida quieren “garantizar y compaginar el derecho a la huelga de la plantilla con el compromiso con el público”. Lo mismo ha ocurrido en el musical Six en el teatro Gran Vía, que gestiona el grupo Smedia y otros del mismo grupo, como Victoria en el Fígaro. En el caso de del Alcázar, han cancelado la función, pero sin reprogramarla. En los teatros Luchana se ha cancelado toda la programación, dando día libre al personal. Los sindicatos denuncian que se han producido igualmente irregularidades en el musical Los Miserables , regentado por ATG Entertainment, que ha cambiado la función del día 11 al 8. La misma productora ha cancelado Querido Evan Hansen en el Rialto, Wicked en el Nuevo Teatro Alcalá y La función que sale mal en el Amaya. Para los sindicatos, estos son hechos “muy graves que el público asistente a esos espectáculos debe conocer”. Además, indican que en las próximas semanas harán piquetes informativos en diferentes teatros madrileños y hacen un llamamiento al público que hubiera adquirido entradas para el día de la huelga general, para que rechacen el cambio de fecha y soliciten la devolución de los importes abonados.
