José Zorrilla (1817-1893) ha pasado a la Historia, fundamentalmente, por ser el autor de ' Don Juan Tenorio' , pero de su pluma nació mucha más literatura, y entre ella figuran las varias decenas de leyendas que escribió. La leyenda es un género literario firmemente arraigado en la literatura española que alcanzó en el Romanticismo, con Bécquer y el propio Zorrilla como autores más destacados, su mayor esplendor. Y las leyendas de Zorrilla, precisamente, son el tronco del espectáculo que presenta a partir del viernes 13 (estará en cartel hasta el 6 de diciembre), el Teatro Fernán-Gómez : ' Leyendas nuevas de Zorrilla ' es el título de la propuesta de la compañía La Otra Arcadia , que en los últimos años ha presentado proyectos muy atractivos con la poesía y la música como columna vertebral. La dramaturgia es de Raúl Losánez , la dirección de Ana Contreras y los intérpretes son Jorge Basanta, Alba Recondo y José Ramón Arredondo . Los tres hablan, cantan y tocan instrumentos; las canciones las ha compuesto Raquel Riaño . «Somos una compañía que solemos hacer cosas que se salen un poco de lo habitual», sonríe Losánez, que se fijó en Zorrilla porque sus leyendas son en verso. «Escribió muchísimas y es el género del que él se sentía más orgulloso como escritor; con todo el resto de su producción se mostraba inmisericorde. Las escribió, además, durante toda su vida, no como el teatro, que le ocupó poco más de diez años». Confiesa Raúl Losánez que seleccionar las leyendas que iba a llevar a escena ha supuesto un quebradero de cabeza. «Mi intención inicial era coger alguna como base e ir incorporando elementos y personajes de otras, pero había que hacer muchos malabares y se perdía el sentido del ritmo de thriller que tiene Zorrilla. Así que decidí reescribir, argumentalmente, una leyenda nueva aprovechando situaciones, personajes, ideas, líneas de pensamiento…» La historia escrita por Losánez tiene como protagonista a Inés de Alvarado, una joven conocida por su belleza, inteligencia y determinación que intenta abrirse camino en una sociedad dominada por los hombres. Su padre pretende controlar su vida, los rufianes la acechan y quienes la idealizan tampoco parecen dispuestos a reconocer su voluntad. «La historia viene a subvertir los argumentos de las leyendas de aquel tiempo, que tienen todas, no solo las de Zorrilla, una perspectiva muy androcentrista», dice Losánez. El dramaturgo no sabe de cuántos textos ha extraído material. «Le diría que de muchas; he sacado aunque sea una pinceladita casi de todas: ' A buen juez, mejor testigo', 'Margarita la tornera', 'El capitán Montoya ', 'Justicias del Rey don Pedro', 'Para verdades el tiempo y para justicias Dios', 'Historia de un español y dos francesas'… He incluido también algo de su poesía lírica, y hay también mucha cosa mía. Queríamos rendir homenaje a esta género e incluir todo lo que le nutría habitual o tradicionalmente: la acción, la lucha de espadas, las venganzas, el amor puro, la traición, la superstición, la brujería, el fervor religioso, los milagros, las apariciones…» Todo ello, añade, desde la perspectiva súper irónica que tiene Zorrilla: «Lo recordamos como un autor muy serio pero es muy irónico y divertido , y en las leyendas más que en su teatro, porque en ellas, al tener la figura del narrador, le permite intervenir en la propia trama: la corta, la para, reflexiona, se mete, quita, hace... Y todo con una ironía maravillosa. Hay mucha metaliteratura en las leyendas de Zorrilla, y nosotros la hemos transformado y la hemos potenciado en metateatralidad… Y llena de humor». El espectáculo sigue la línea de los anteriores trabajos de la compañía, pero matiza Losánez que «en ellos habíamos tocado con frecuencia la poesía lírica, pero ahora queríamos tocar la poesía narrativa, la poesía épica . Sigue habiendo una vigilancia y un cuidado por la palabra, por la expresión poética, pero al estar tan atravesada por el humor, la metateatralidad y el juego permanente, tiene otro envoltorio mucho más festivo y popular». Y es que en los ensayos no paran de reírse. «Los actores proponen, son muy creativos, juegan… Es un espectáculo que lo permite, porque quiere dinamitar un poco el género a través del juego. No se trata de tirar a Zorrilla por los suelos, a mí me gusta muchísimo cómo escribe. Se trata de reírnos un poco del género, pero al mismo tiempo de poner en valor todas sus virtudes». Gustavo Adolfo Bécquer es el otro gran autor español de este género. El sevillano tenía, distingue Losánez, «un aliento mucho más novelesco. Las de Zorrilla, al ser en verso, son otra cosa; es una poesía muy narrativa que tiene que ver más con la tradición anterior, con el Romancero. Se mueve entre dos aguas; hay un desarrollo narrativo, pero con un ritmo y una manera de versificar, una vivacidad, que lo convierten en otras cosa».
‘Scrooge y los fantasmas de la Navidad’ se ha promocionado como la vuelta del actor al cine de Hollywood tras su conflicto judicial con Amber Heard El cine francés presume de sus clásicos y reivindica ‘Los miserables’: “En EEUU preguntan si es la versión sin canciones” Realmente Johnny Depp siempre ha sido un actor bastante malo. Es decir, ateniéndonos a una definición de “actor” que apunte a interpretar a alguien más, una persona ajena a la propia. Depp solo hace bien de Depp y ha logrado convertir en espectáculo eso mismo: un espectáculo lo bastante carismático como para llegar a ser el actor favorito de una cierta generación de espectadores al tiempo que la mayor parte de sus películas se resignen a ser “películas de Johnny Depp”. No hay tal cosa como trabajo en equipo en la mayoría de sus filmes, al menos desde una percepción popular. La excepción es Tim Burton y únicamente porque su machacón discurso creativo en torno a la rareza y la vindicación individual frente a una sociedad genérica y aburrida encaja de maravilla con Depp. Depp devora todas las películas en las que participa. Suele disfrazarse no para desaparecer, sino para atraer la mirada del público con más intensidad, retroalimentando esa imagen burtoniana de rareza esquiva y, por qué no, adorable. Se disfraza, pero claro, mantiene sus tics como los mantienen todos los actores (sobre todo los malos). Bajo toneladas de maquillajes y prótesis pone morritos, abre mucho los ojos, camina de puntillas. Y así va acumulando personajes icónicos, incluso en la fase más tardía y acartonada de su carrera —aunque parezca mentira, hay quien considera su papel del Sombrerero Loco en las espantosas películas de acción real de Alicia en el país de las maravillas como algo de lo que merece la pena disfrazarse—, que ya viene durando 15 años por lo menos. Más años, en realidad, de lo que ha durado ese exilio de Hollywood que vendría a clausurar por todo lo alto Scrooge y los fantasmas de la Navidad . Se trata de la enésima adaptación del Cuento de Navidad de Charles Dickens y de un vehículo, en realidad, bastante adecuado para los requisitos de una estrella como Depp. En 1843 Dickens escribió una novela breve consagrada a un único personaje, Ebenezer Scrooge. Había sacado el nombre de la tumba de un cementerio de Edimburgo. Que el Ebenezer Scrogge original estuviera enterrado al lado de Adam Smith (padre fundador del capitalismo), pasando a inspirar la creación del hombre avaro por antonomasia, es el tipo de ocurrencia encantadora que está detrás de los grandes clásicos de la literatura universal. Pero antes de hablar de la codicia y el oportunismo —dejemos lo de la nueva y flamante Skydance sacando heroicamente a Depp de su aparente ostracismo para algo más adelante— nos interesa eso, que Scrooge sea un personaje-planeta. Todo debe girar en torno a él, a su redención y a su floreciente amor por la Navidad, así que por qué no van a caracterizarse como Scrooge figuras del estilo de Depp. Actores que no son tanto actores como centros gravitatorios. El gran referente de la película es 'Los fantasmas atacan al jefe' Antes de Depp ya vimos a Jim Carrey en su propio Cuento de Navidad . Aunque aquí Carrey —posible reverso luminoso del estilo Depp, pues al menos él acapara el protagonismo solo para hacernos reír y no tanto para forrar carpetas— estaba coartado por una rígida animación hiperrealista en tres dimensiones. A lo que más recuerda este Depp es al caso de Bill Murray en Los fantasmas atacan al jefe . Mira tú por dónde, otro actor acusado de “comportamiento inapropiado y acoso” contra las mujeres . Los fantasmas atacan a Johnny Depp Bill Murray protagonizó esta comedia a finales de los 80, en plena cúspide de su éxito. Llegaba de Cazafantasmas y El pelotón chiflado , y su máxima preocupación era que nadie olvidara que la película se reducía a una suerte de “Bill Murray presenta: Cuento de Navidad ”. Lo quiso recordar con tanta intensidad como para que el actor de Atrapado en el tiempo se pasara el metraje vociferando sin parar, dándole una vibración todavía más extraña a una propuesta que quería llevar a Dickens al terreno de la comedia negra sin aligerar por ello el arco de redención del protagonista. Los fantasmas atacan al jefe era una película ciertamente anómala, por no decir grotesca, así que a día de hoy ostenta cierto culto. Su extravagancia no es, ni por asomo, la de Scrooge y los fantasmas de la Navidad: por mucho que Depp pueda fagocitarlo todo a la medida de Murray, el Hollywood de hoy día puede amparar innumerables pedorretas, pero no así un desafío real al molde comercial en que se inserta, sepultado bajo un maquillaje anciano tan esperpéntico como lo era recientemente el de Tom Cruise en Digger . Solo que la película de Iñárritu, como sabemos, problematizaba la ridiculez inherente a esta clase de metamorfosis, mientras que Scrooge y los fantasmas de la Navidad chapotea en ella. “El hombre de las mil caras”, se le ha llamado a Depp en el tráiler. Merece la pena detenerse en dicho anuncio , el primer avance oficial de Scrooge . Fue publicado en abril de este año durante la CinemaCon, mientras Depp se infiltraba entre el público con su disfraz de Scrooge. Todo el tráiler pendía sobre él, con rótulos triunfales repasando los grandes personajes de su carrera e insistiendo en que, sí, volvía. “Da gusto volver”, remataba Scrooge entre risitas. La Paramount de David Ellison, ya gestionando entonces los últimos detalles de la adquisición de Warner Bros., solo nos permitía atender a este nuevo Cuento de Navidad desde esa narrativa: por fin regresaba a Hollywood, al lugar del que nunca debió irse, y todo gracias a ¿su descancelación? Scrooge recibe la visita de un espíritu Depp ya puede volver a hacer películas terribles de Piratas del Caribe y otros vehículos destinados a su expreso lucimiento como ejemplifican Scrooge o Sed de sangre , que pronto estrenará junto a Penélope Cruz. Y puede hacerlo porque salió victorioso de su proceso judicial con Amber Heard , espoleado por unas acusaciones que hicieron cundir la incomodidad en la industria hacia su figura alrededor de 2018. La misma Warner que ahora ha sido suprimida por la maquinaria de Ellison —millonario amigo de Trump al que, por supuesto, le encanta meterle goles a la sociedad woke — llegó a prescindir de sus servicios al frente de Animales fantásticos , y el pobre Depp tuvo que resignarse a años de cancelación… recibiendo premios en festivales europeos como San Sebastián, encabezando propuestas de autor, y contrayendo amistad con el príncipe de Arabia Saudí. En fin. Ahora que “vuelve” ya no habrá tantas ganas de recordar los lazos de Depp con el gobierno autoritario que mandó descuartizar al periodista Jamal Khashoggi ( algo que Mohammed Bin Salman llegó a confesarle al actor ), así que basten estas notas para subrayar el gran negocio que siempre ha sido la así llamada “cultura de la cancelación”. El gran evento, sobre todo, una maquinaria industrial perfectamente engrasada a través de decisiones simbólicas y compensaciones materiales donde quizá solo flaquee el cansancio de Depp: las pocas ganas de seguir trabajando que se hacen notar ostentosamente en Scrooge y los fantasmas de la Navidad . Si no le hubieran cancelado, lo mismo podría haberse jubilado tranquilamente. Una ingrata tesitura también extrapolable a Woody Allen . Un nombre al margen de las mil caras Scrooge y los fantasmas de la Navidad apenas puede permitirse lecturas al margen de la guerra cultural de los amigos del trumpismo o de la pereza con la que se adapta una y otra vez la historia de Dickens, engrosando ordenadamente la campaña navideña cada cierto tiempo. El carácter de acontecimiento que persigue se limita a la sobrada fama de la propiedad intelectual y de las ganas que hay de ver a Depp nuevamente maquillado como un espantajo (otra propiedad intelectual en sí misma), de modo que la película, en tanto a película, apenas pueda respirar por encima de estos condicionantes. Cuando lo hace, curiosamente, se debe a otro nombre propio que no es el de Depp. Nos referimos a quien firma la película, Ti West. Se trata de uno de tantos directores bregados en el cine independiente que, mediando el oportuno cheque, no dudan en ataviarse de mercenarios para legitimar el engrudo corporativo que haga falta. Ocurre no obstante que West, llegado del mumblegore —intersección del género de terror con el mumblecore , cine estadounidense de bajo presupuesto ceñido a treintañeros que “balbucean” ( mumble )—, tiene talento. Su House of the Devil es un título de culto y la trilogía que le ha dedicado a Mia Goth (formada por X, Pearl y MaXXXine ) es de lo más estimulante, dejando entrever una voluntad de estilo que se abre paso en Scrooge . ¿Cómo? Nuevamente, no de un modo que llegue a desafiar las servidumbres de Scrooge , pero sí acertando a darle solidez formal a la propuesta. El guion de Nathaniel Halpern ( Historias del bucle ) sigue linealmente la archiconocida historia, sin más disonancias que las que ofrece algún matiz anecdótico —el viejo amor de Scrooge, el apunte subrepticio de que su mezquindad va más allá de él para apelar a la sociedad que le rodea— o el refuerzo de algunas ideas de Dickens no tan atendidas en tratamientos anteriores, como su amistad con Morley (Ian McKellen) o el lado más siniestro del fantasma de las Navidades Presentes, interpretado por Tramell Tillman ( Severance ). Esto último apuntala toda la posible distinción que pueda reclamar Scrooge más allá de las cucamonas de Depp: hay un moderado esfuerzo por invocar el cuento gótico y enfatizar los aspectos terroríficos aprovechando que dirige quien dirige. Así que el tratamiento fotográfico es más que solvente y hay alguna imagen felizmente malsana, sin que por lo demás la película llegue a desviarse de su plantilla: transcurrida la Nochebuena, el pequeño Tim volverá a saltar con “Que Dios nos bendiga a todos”, y Depp habrá aprendido el verdadero significado de etcétera. Con lo que Scrooge y los fantasmas de la Navidad es otro Cuento de Navidad de Hollywood. Uno más. Con su llamamiento a la convivencia y a la generosidad, disimulando en lo posible unas condiciones de producción más bien cínicas que no tendrá por qué aguarle la fiesta a los espectadores que solo quieran reencontrarse con Jack Sparrow, con Eduardo Manostijeras o, en fin, hay gente para todo, con el Sombrerero Loco. Para otro tipo de espectadores, mejor volverse a ver ahora que llegan estas fechas Los teleñecos en Cuento de Navidad . Por ejemplo.
Si te pones a revisar todas las series originales de Paramount+ y haces una lista con las cinco mejores, es posible que muchos de vosotros al menos metáis tres o cuatro creadas y/o impulsadas por la misma persona: Taylor Sheridan . El creador de 'Yellowstone' se ha convertido en uno de los mejores activos de la compañía propiedad de Skydance, en especial para su servicio de streaming, pero hace unos meses se confirmó que dejaría la empresa para buscar nuevos desafíos profesional en una compañía rival. ¿Por qué? En Espinof Pasamos la resaca de la huelga general entre agentes de la CIA, atracadores de bancos y Johnny Depp Lo ha querido explicar el también guionista de 'Sicario', de Denis Villeneuve , en una entrevista : "Nunca me han cancelado una serie, jamás he tenido un proyecto que no se haya rodado y cada ficción que he creado ha sido un éxito. Por lo tanto, me he ganado el derecho de ir a un lugar que confíe en mí para hacer exactamente lo mismo para ellos" , asegura. Luego explicó continuación lo que va a cambiar en su nueva etapa: "A diferencia de mi situación actual, en este nuevo acuerdo no tengo mínimos de entrega (output minimums). Esto me da total libertad creativa : puedo decidir cuánto quiero elaborar, cuántos títulos realizar, o si prefiero hacer una película y luego un programa. Ya no tengo la obligación de mantener un volumen masivo de proyectos", concluyó. 'La Odisea', como ejemplo de por qué ficha por Universal En este sentido, parece que Sheridan quiere dejar de ser un creador tan prolífico de series de televisión para centrarse en iniciativas concretas que no tienen por qué limitarse a la pequeña pantalla. ¿Lo conseguirá? De momento, afirma que en NBCUniversal hay alguien con quien le entusiasma especialmente trabajar: Donna Langley ."Su gusto y su comprensión de la industria son inigualables. Todo Hollywood estaba chismeando y entrando en pánico por 'La Odisea' , diciendo que era demasiado cara. Pero mira en quién apostó: Christopher Nolan es uno de los mejores cineastas vivos y funcionó a la perfección. Cumplió con creces tanto en el aspecto creativo como en el financiero. Fue un obstáculo enorme y lo superó. Ella apuesta por los ganadores ". Aunque ya ha firmado con NBCUniversal, Sheridan aún tiene bastantes cosas que hacer en Paramount, entre ellas la continuación de series como 'Dutton Ranch', 'Landman', 'Tulsa King' o 'Mayor of Kingstown', además de spin-offs como 'Frisco King' y futuros proyectos relacionados en desarrollo hasta que finalice oficialmente su contrato televisivo a finales de 2028 . En cines, además, se le encargó el guion del live-action de 'Call of Duty' , una tarea que, por lo visto en Lioness , podría hacer bastante bien. Imagen | Taylor Sheridan junto a Zoe Saldaña en Lioness En Espinof | Scarlett Johansson planta cara a Hollywood: "Hay películas que me parecen irresponsables" En Espinof | El videojuego de 'Buenafuente' que crearon en Holanda y que todos hemos hecho esfuerzo por olvidar - La noticia "Me he ganado el derecho": Taylor Sheridan, creador de 'Yellowstone', sobre qué le llevó a irse de Paramount a Universal fue publicada originalmente en Espinof por Marcos Yasif .
El creador ovetense iba a viajar la semana que viene a Avilés para asistir a un desfile de su colección en el marco de la presentación de Pasarela Campoamor; ahora será su gran homenaje
El creador ovetense iba a viajar la semana que viene a Avilés para asistir a un desfile de su colección en el marco de la presentación de Pasarela Campoamor; ahora será su gran homenaje
El creador ovetense iba a viajar la semana que viene a Avilés para asistir a un desfile de su colección en el marco de la presentación de Pasarela Campoamor; ahora será su gran homenaje
Cada vez hay más estudios que señalan la importancia de combinar tanto ejercicio aeróbico como de resistencia para tener una buena salud. Dicho de una forma mucho más práctica, nuestros ejercicios deben contener tanto cardio como pesas. Sin embargo, según una investigación reciente , realizada por científicos de la Universidad Semmelweis, en Hungría, cuando el objetivo es cuidar de nuestros huesos deberíamos ir un poco más allá. Correr y levantar pesas se nos queda corto. Giros, cambios de dirección y aceleración. En realidad, la publicación en cuestión es una revisión de 24 estudios en los que se tuvieron en cuenta datos de 1.238 adultos sanos. El objetivo era comprobar cómo afecta a la salud ósea la práctica de distintos tipos de ejercicio. Esto podría medirse mediante el análisis de la densidad mineral ósea. Sin embargo, esta tarda mucho tiempo en modificarse, por lo que la investigación sería muy lenta y engorrosa. Para poder obtener muchos más resultados y mucho más deprisa, se analizó la sangre de los participantes, en busca de marcadores de formación ósea, como la osteocalcina, una proteína secretada por las células que fabrican hueso nuevo. Se vio que los niveles de dichos marcadores no se modificaron prácticamente en personas que practicaban running, step o levantamiento de pesas en el gimnasio. En cambio, sí que hubo un aumento significativo en aquellos participantes que realizaban deportes que implican aceleraciones, giros y cambios de dirección. Sobre todo hubo resultados muy positivos en el caso del balonmano y el fútbol recreativo, con los que los marcadores de formación ósea aumentaron entre un 45% y un 46% . A todas las edades . Puede parecer que lo de cuidar los huesos es solo cosa de personas mayores. Sin embargo, en este tipo de estudios se suele incluir a participantes de todas las edades, ya que la salud ósea es esencial durante toda nuestra vida. Es cierto que a medida que envejecemos se resiente, pero por eso es importante empezar a fortalecerla a tiempo. Bajo esta premisa, muchos investigadores han llevado a cabo estudios con un abanico de edades muy amplio. Es el caso del metaanálisis de 2022 sobre fútbol recreativo y salud ósea en el que se incluyeron participantes de 9 a 73 años. En Xataka Ni gimnasio ni 10.000 pasos: los que más viven solo se mueven todo el día No hay que elegir. Cabe destacar que esto no significa que debamos dejar de correr, caminar o levantar pesas. Cada uno de estos ejercicios sigue aportando beneficios distintos a nuestra salud. El objetivo debería ser obtener la mayor cantidad posible de dichos beneficios, por lo que lo ideal es combinar todos los tipos de entrenamiento. Los deportes con giros y cambios de dirección ayudan a cuidar los huesos, pero correr o caminar es muy beneficioso para prevenir enfermedades cardiovasculares y muertes prematuras . Por su parte, levantar peso también reduce la mortalidad y el desarrollo de algunas enfermedades crónicas, a la vez que mejora la postura y nos permite desempeñarnos mejor en los movimientos del día a día. Lo curioso es que muchas guías de salud recomiendan el ejercicio de fuerza como la regla de oro para cuidar los huesos y ahora vemos que parece haber una opción mejor. Ojo con las lesiones . Es importante destacar que precisamente esos deportes que implican movimientos explosivos, giros y cambio de dirección conllevan más riesgo de lesiones, especialmente en personas mayores o con riesgo de movilidad. Por eso, en esos casos o ante la más mínima duda, conviene preguntar a un médico antes de empezar a practicarlos. Combinaciones ideales. Todo esto puede parecer muy demandante, pero es cierto que con dedicar un poco de tiempo a cada una puede ser suficiente. Para empezar, olvídate de los 10.000 pasos . Hay estudios que demuestran que con solo 4.000 pasos al día ya podemos experimentar algunos beneficios. Además, para el ejercicio de fuerza tampoco hay que volverse loco. Según un estudio de 2022 , con solo 30 a 60 minutos semanales disminuye un 10-20 % el riesgo de morir por todas las causas. Lo importante es ejercitar todos los grandes grupos musculares. Si a eso le añadimos uno o dos partidos semanales de balonmano o fútbol ya estaríamos listos. Si no podemos por el motivo que sea, debemos recordar la principal máxima de la medicina deportiva: cualquier ejercicio será siempre mejor que ninguno. Hay que investigar más. El análisis de marcadores sanguíneos es una buena herramienta para estudiar la salud ósea de forma rápida y sencilla. No obstante, si no se estudian los posibles cambios en la densidad ósea no se puede asegurar que este tipo de deportes ayude a prevenir la osteoporosis. Simplemente sabemos que se genera más hueso, pero no se establece si se compensa la pérdida del mismo. Por ese motivo, para llevar esta investigación al siguiente nivel, sería recomendable realizar un estudio más largo en el que sí se tenga en cuenta este parámetro. Imágenes | Pexels En Xataka | Dime a qué velocidad caminas a los 45 años y te diré cómo envejece tu cerebro: la ciencia detrás del "sexto signo vital" - La noticia Correr y levantar pesas no bastan para tus huesos: la ciencia apunta a un deporte que casi todos jugamos de pequeños fue publicada originalmente en Xataka por Azucena Martín .
José Zorrilla (1817-1893) ha pasado a la Historia, fundamentalmente, por ser el autor de ' Don Juan Tenorio' , pero de su pluma nació mucha más literatura, y entre ella figuran las varias decenas de leyendas que escribió. La leyenda es un género literario firmemente arraigado en la literatura española que alcanzó en el Romanticismo, con Bécquer y el propio Zorrilla como autores más destacados, su mayor esplendor. Y las leyendas de Zorrilla, precisamente, son el tronco del espectáculo que presenta a partir del viernes 13 (estará en cartel hasta el 6 de diciembre), el Teatro Fernán-Gómez : ' Leyendas nuevas de Zorrilla ' es el título de la propuesta de la compañía La Otra Arcadia , que en los últimos años ha presentado proyectos muy atractivos con la poesía y la música como columna vertebral. La dramaturgia es de Raúl Losánez , la dirección de Ana Contreras y los intérpretes son Jorge Basanta, Alba Recondo y José Ramón Arredondo . Los tres hablan, cantan y tocan instrumentos; las canciones las ha compuesto Raquel Riaño . «Somos una compañía que solemos hacer cosas que se salen un poco de lo habitual», sonríe Losánez, que se fijó en Zorrilla porque sus leyendas son en verso. «Escribió muchísimas y es el género del que él se sentía más orgulloso como escritor; con todo el resto de su producción se mostraba inmisericorde. Las escribió, además, durante toda su vida, no como el teatro, que le ocupó poco más de diez años». Confiesa Raúl Losánez que seleccionar las leyendas que iba a llevar a escena ha supuesto un quebradero de cabeza. «Mi intención inicial era coger alguna como base e ir incorporando elementos y personajes de otras, pero había que hacer muchos malabares y se perdía el sentido del ritmo de thriller que tiene Zorrilla. Así que decidí reescribir, argumentalmente, una leyenda nueva aprovechando situaciones, personajes, ideas, líneas de pensamiento…» La historia escrita por Losánez tiene como protagonista a Inés de Alvarado, una joven conocida por su belleza, inteligencia y determinación que intenta abrirse camino en una sociedad dominada por los hombres. Su padre pretende controlar su vida, los rufianes la acechan y quienes la idealizan tampoco parecen dispuestos a reconocer su voluntad. «La historia viene a subvertir los argumentos de las leyendas de aquel tiempo, que tienen todas, no solo las de Zorrilla, una perspectiva muy androcentrista», dice Losánez. El dramaturgo no sabe de cuántos textos ha extraído material. «Le diría que de muchas; he sacado aunque sea una pinceladita casi de todas: ' A buen juez, mejor testigo', 'Margarita la tornera', 'El capitán Montoya ', 'Justicias del Rey don Pedro', 'Para verdades el tiempo y para justicias Dios', 'Historia de un español y dos francesas'… He incluido también algo de su poesía lírica, y hay también mucha cosa mía. Queríamos rendir homenaje a esta género e incluir todo lo que le nutría habitual o tradicionalmente: la acción, la lucha de espadas, las venganzas, el amor puro, la traición, la superstición, la brujería, el fervor religioso, los milagros, las apariciones…» Todo ello, añade, desde la perspectiva súper irónica que tiene Zorrilla: «Lo recordamos como un autor muy serio pero es muy irónico y divertido , y en las leyendas más que en su teatro, porque en ellas, al tener la figura del narrador, le permite intervenir en la propia trama: la corta, la para, reflexiona, se mete, quita, hace... Y todo con una ironía maravillosa. Hay mucha metaliteratura en las leyendas de Zorrilla, y nosotros la hemos transformado y la hemos potenciado en metateatralidad… Y llena de humor». El espectáculo sigue la línea de los anteriores trabajos de la compañía, pero matiza Losánez que «en ellos habíamos tocado con frecuencia la poesía lírica, pero ahora queríamos tocar la poesía narrativa, la poesía épica . Sigue habiendo una vigilancia y un cuidado por la palabra, por la expresión poética, pero al estar tan atravesada por el humor, la metateatralidad y el juego permanente, tiene otro envoltorio mucho más festivo y popular». Y es que en los ensayos no paran de reírse. «Los actores proponen, son muy creativos, juegan… Es un espectáculo que lo permite, porque quiere dinamitar un poco el género a través del juego. No se trata de tirar a Zorrilla por los suelos, a mí me gusta muchísimo cómo escribe. Se trata de reírnos un poco del género, pero al mismo tiempo de poner en valor todas sus virtudes». Gustavo Adolfo Bécquer es el otro gran autor español de este género. El sevillano tenía, distingue Losánez, «un aliento mucho más novelesco. Las de Zorrilla, al ser en verso, son otra cosa; es una poesía muy narrativa que tiene que ver más con la tradición anterior, con el Romancero. Se mueve entre dos aguas; hay un desarrollo narrativo, pero con un ritmo y una manera de versificar, una vivacidad, que lo convierten en otras cosa».
Conseguir un papel en una película de Quentin Tarantino no garantiza tenerlo hasta el final. El director estadounidense ha recuperado dos episodios poco conocidos de la preproducción de 'Malditos bastardos' , cuando decidió prescindir de Mélanie Laurent e Isabelle Huppert por motivos muy diferentes. Una historia de despidos, segundas oportunidades y decisiones tomadas sin demasiados miramientos que ahora sale a la luz en un nuevo libro sobre la película. Las anécdotas aparecen en 'The Making of Quentin Tarantino's Inglourious Basterds', escrito por Jay Glennie, donde el director repasa con todo lujo de detalles cómo se construyó la película , según recoge People . Uno de los momentos más llamativos tuvo como protagonista a Laurent, que finalmente interpretó a Shosanna Dreyfus, la joven francesa que busca vengarse del oficial nazi responsable del asesinato de su familia. En Espinof Tarantino prohibió a Christoph Waltz ir a los ensayos de 'Malditos bastardos' para que Hans Landa impactara más al reparto en el rodaje Sin embargo, conseguir el papel no fue precisamente un camino de rosas. Según recuerda Tarantino, la actriz tuvo una actuación muy decepcionante durante la lectura colectiva del guion , una cita que considera especialmente importante dentro de su proceso creativo. " La lectura del guion de Mélanie Laurent fue terrible. Ni siquiera fue lo suficientemente buena como para ser terrible. Así que la despedí ", explica el cineasta. Para Tarantino, ese primer encuentro con todo el reparto es uno de los momentos más emocionantes de la preparación de una película . Es cuando puede empezar a imaginar cómo funcionarán las escenas más allá de lo que ha escrito sobre el papel. Por eso, el resultado de Laurent le llevó a tomar una decisión drástica. Pero la historia no terminó ahí. Días después, la actriz llamó al director para pedirle otra oportunidad . Le explicó que no se encontraba bien durante aquella lectura y que estaba dispuesta a regresar a Alemania por su cuenta, alojarse en un hotel y volver a interpretar el papel. Su insistencia convenció a Tarantino, que aceptó empezar de cero con ella , aunque puso una condición: tendría que someterse a tres días de ensayos. 'Malditos bastardos' El resultado debió de ser muy diferente, porque Laurent recuperó el personaje y terminó firmando una de las interpretaciones más reconocidas de su carrera . El propio director quiso dejar claro que no guarda ningún reproche hacia ella. " Quiero que quede constancia de algo: adoro a Mélanie. Es mi Shosanna y realizó un trabajo maravilloso ", afirma. Isabelle Huppert ni siquiera acudió Menos suerte tuvo Isabelle Huppert. La actriz francesa estaba prevista para interpretar a Madame Ada Mimieux, la mujer que da cobijo a Shosanna en París. Sin embargo, no acudió a la lectura colectiva y Tarantino decidió prescindir de ella . El personaje pasó entonces a manos de Maggie Cheung, conocida también por su participación en 'Deseando amar' . El director reconoce que existían problemas con el contrato de Huppert y que las negociaciones se estaban alargando . Su ausencia en aquella cita terminó por decantar la balanza. " Si estás contratado y no apareces en esa mesa, ¡no te debo absolutamente nada! Puedo despedirte ", sentencia. Curiosamente, las escenas de Madame Ada Mimieux acabaron desapareciendo del montaje definitivo . Tarantino consideró que explicaban demasiadas cosas y que no era necesario detallar cómo Shosanna había conseguido hacerse con el cine. Bastaba con un salto temporal de cuatro años y una explicación sobre la herencia de su tía. En Espinof Diane Kruger desvela por qué Quentin Tarantino no la quería en 'Malditos bastardos' y cómo acabó logrando que cambiara de idea: "Dije, ¿sabes qué? ¡Que le jodan!" 'Malditos bastardos' se estrenó mundialmente en el Festival de Cannes de mayo de 2009 y consiguió el premio al mejor actor para Christoph Waltz. Meses después llegó a los cines y terminó recaudando 321 millones de dólares en todo el mundo . Más allá de estas dos historias, Tarantino resume su particular filosofía a la hora de construir un reparto con una contundencia que no deja demasiado espacio para las dudas: " No tengo ningún compromiso moral cuando se trata de dar papeles a los actores . Tienen que ser los adecuados para el mundo que he creado. A quien le debo algo es a mi película: tengo que encontrar a los mejores actores posibles. Punto ". Una declaración que explica bastante bien por qué, en el universo de Tarantino , ni siquiera tener un papel prácticamente asegurado garantiza llegar hasta el final. En Espinof | Quentin Tarantino escondió a simple vista un spoiler bíblico que le dio todo el sentido a una de las más crudas escenas de una monumental película En Espinof | Quentin Tarantino desvela cuál es su obra maestra, y es toda una sorpresa que ni siquiera coincide con su propia película favorita: "Nadie más podría haberla hecho" - La noticia "La lectura del guion fue terrible": Quentin Tarantino despidió a Isabelle Huppert y Mélanie Laurent de 'Malditos Bastardos', y explica por qué la última regresó a su película fue publicada originalmente en Espinof por Víctor Mopez .
‘Scrooge y los fantasmas de la Navidad’ se ha promocionado como la vuelta del actor al cine de Hollywood tras su conflicto judicial con Amber Heard El cine francés presume de sus clásicos y reivindica ‘Los miserables’: “En EEUU preguntan si es la versión sin canciones” Realmente Johnny Depp siempre ha sido un actor bastante malo. Es decir, ateniéndonos a una definición de “actor” que apunte a interpretar a alguien más, una persona ajena a la propia. Depp solo hace bien de Depp y ha logrado convertir en espectáculo eso mismo: un espectáculo lo bastante carismático como para llegar a ser el actor favorito de una cierta generación de espectadores al tiempo que la mayor parte de sus películas se resignen a ser “películas de Johnny Depp”. No hay tal cosa como trabajo en equipo en la mayoría de sus filmes, al menos desde una percepción popular. La excepción es Tim Burton y únicamente porque su machacón discurso creativo en torno a la rareza y la vindicación individual frente a una sociedad genérica y aburrida encaja de maravilla con Depp. Depp devora todas las películas en las que participa. Suele disfrazarse no para desaparecer, sino para atraer la mirada del público con más intensidad, retroalimentando esa imagen burtoniana de rareza esquiva y, por qué no, adorable. Se disfraza, pero claro, mantiene sus tics como los mantienen todos los actores (sobre todo los malos). Bajo toneladas de maquillajes y prótesis pone morritos, abre mucho los ojos, camina de puntillas. Y así va acumulando personajes icónicos, incluso en la fase más tardía y acartonada de su carrera —aunque parezca mentira, hay quien considera su papel del Sombrerero Loco en las espantosas películas de acción real de Alicia en el país de las maravillas como algo de lo que merece la pena disfrazarse—, que ya viene durando 15 años por lo menos. Más años, en realidad, de lo que ha durado ese exilio de Hollywood que vendría a clausurar por todo lo alto Scrooge y los fantasmas de la Navidad . Se trata de la enésima adaptación del Cuento de Navidad de Charles Dickens y de un vehículo, en realidad, bastante adecuado para los requisitos de una estrella como Depp. En 1843 Dickens escribió una novela breve consagrada a un único personaje, Ebenezer Scrooge. Había sacado el nombre de la tumba de un cementerio de Edimburgo. Que el Ebenezer Scrogge original estuviera enterrado al lado de Adam Smith (padre fundador del capitalismo), pasando a inspirar la creación del hombre avaro por antonomasia, es el tipo de ocurrencia encantadora que está detrás de los grandes clásicos de la literatura universal. Pero antes de hablar de la codicia y el oportunismo —dejemos lo de la nueva y flamante Skydance sacando heroicamente a Depp de su aparente ostracismo para algo más adelante— nos interesa eso, que Scrooge sea un personaje-planeta. Todo debe girar en torno a él, a su redención y a su floreciente amor por la Navidad, así que por qué no van a caracterizarse como Scrooge figuras del estilo de Depp. Actores que no son tanto actores como centros gravitatorios. El gran referente de la película es 'Los fantasmas atacan al jefe' Antes de Depp ya vimos a Jim Carrey en su propio Cuento de Navidad . Aunque aquí Carrey —posible reverso luminoso del estilo Depp, pues al menos él acapara el protagonismo solo para hacernos reír y no tanto para forrar carpetas— estaba coartado por una rígida animación hiperrealista en tres dimensiones. A lo que más recuerda este Depp es al caso de Bill Murray en Los fantasmas atacan al jefe . Mira tú por dónde, otro actor acusado de “comportamiento inapropiado y acoso” contra las mujeres . Los fantasmas atacan a Johnny Depp Bill Murray protagonizó esta comedia a finales de los 80, en plena cúspide de su éxito. Llegaba de Cazafantasmas y El pelotón chiflado , y su máxima preocupación era que nadie olvidara que la película se reducía a una suerte de “Bill Murray presenta: Cuento de Navidad ”. Lo quiso recordar con tanta intensidad como para que el actor de Atrapado en el tiempo se pasara el metraje vociferando sin parar, dándole una vibración todavía más extraña a una propuesta que quería llevar a Dickens al terreno de la comedia negra sin aligerar por ello el arco de redención del protagonista. Los fantasmas atacan al jefe era una película ciertamente anómala, por no decir grotesca, así que a día de hoy ostenta cierto culto. Su extravagancia no es, ni por asomo, la de Scrooge y los fantasmas de la Navidad: por mucho que Depp pueda fagocitarlo todo a la medida de Murray, el Hollywood de hoy día puede amparar innumerables pedorretas, pero no así un desafío real al molde comercial en que se inserta, sepultado bajo un maquillaje anciano tan esperpéntico como lo era recientemente el de Tom Cruise en Digger . Solo que la película de Iñárritu, como sabemos, problematizaba la ridiculez inherente a esta clase de metamorfosis, mientras que Scrooge y los fantasmas de la Navidad chapotea en ella. “El hombre de las mil caras”, se le ha llamado a Depp en el tráiler. Merece la pena detenerse en dicho anuncio , el primer avance oficial de Scrooge . Fue publicado en abril de este año durante la CinemaCon, mientras Depp se infiltraba entre el público con su disfraz de Scrooge. Todo el tráiler pendía sobre él, con rótulos triunfales repasando los grandes personajes de su carrera e insistiendo en que, sí, volvía. “Da gusto volver”, remataba Scrooge entre risitas. La Paramount de David Ellison, ya gestionando entonces los últimos detalles de la adquisición de Warner Bros., solo nos permitía atender a este nuevo Cuento de Navidad desde esa narrativa: por fin regresaba a Hollywood, al lugar del que nunca debió irse, y todo gracias a ¿su descancelación? Scrooge recibe la visita de un espíritu Depp ya puede volver a hacer películas terribles de Piratas del Caribe y otros vehículos destinados a su expreso lucimiento como ejemplifican Scrooge o Sed de sangre , que pronto estrenará junto a Penélope Cruz. Y puede hacerlo porque salió victorioso de su proceso judicial con Amber Heard , espoleado por unas acusaciones que hicieron cundir la incomodidad en la industria hacia su figura alrededor de 2018. La misma Warner que ahora ha sido suprimida por la maquinaria de Ellison —millonario amigo de Trump al que, por supuesto, le encanta meterle goles a la sociedad woke — llegó a prescindir de sus servicios al frente de Animales fantásticos , y el pobre Depp tuvo que resignarse a años de cancelación… recibiendo premios en festivales europeos como San Sebastián, encabezando propuestas de autor, y contrayendo amistad con el príncipe de Arabia Saudí. En fin. Ahora que “vuelve” ya no habrá tantas ganas de recordar los lazos de Depp con el gobierno autoritario que mandó descuartizar al periodista Jamal Khashoggi ( algo que Mohammed Bin Salman llegó a confesarle al actor ), así que basten estas notas para subrayar el gran negocio que siempre ha sido la así llamada “cultura de la cancelación”. El gran evento, sobre todo, una maquinaria industrial perfectamente engrasada a través de decisiones simbólicas y compensaciones materiales donde quizá solo flaquee el cansancio de Depp: las pocas ganas de seguir trabajando que se hacen notar ostentosamente en Scrooge y los fantasmas de la Navidad . Si no le hubieran cancelado, lo mismo podría haberse jubilado tranquilamente. Una ingrata tesitura también extrapolable a Woody Allen . Un nombre al margen de las mil caras Scrooge y los fantasmas de la Navidad apenas puede permitirse lecturas al margen de la guerra cultural de los amigos del trumpismo o de la pereza con la que se adapta una y otra vez la historia de Dickens, engrosando ordenadamente la campaña navideña cada cierto tiempo. El carácter de acontecimiento que persigue se limita a la sobrada fama de la propiedad intelectual y de las ganas que hay de ver a Depp nuevamente maquillado como un espantajo (otra propiedad intelectual en sí misma), de modo que la película, en tanto a película, apenas pueda respirar por encima de estos condicionantes. Cuando lo hace, curiosamente, se debe a otro nombre propio que no es el de Depp. Nos referimos a quien firma la película, Ti West. Se trata de uno de tantos directores bregados en el cine independiente que, mediando el oportuno cheque, no dudan en ataviarse de mercenarios para legitimar el engrudo corporativo que haga falta. Ocurre no obstante que West, llegado del mumblegore —intersección del género de terror con el mumblecore , cine estadounidense de bajo presupuesto ceñido a treintañeros que “balbucean” ( mumble )—, tiene talento. Su House of the Devil es un título de culto y la trilogía que le ha dedicado a Mia Goth (formada por X, Pearl y MaXXXine ) es de lo más estimulante, dejando entrever una voluntad de estilo que se abre paso en Scrooge . ¿Cómo? Nuevamente, no de un modo que llegue a desafiar las servidumbres de Scrooge , pero sí acertando a darle solidez formal a la propuesta. El guion de Nathaniel Halpern ( Historias del bucle ) sigue linealmente la archiconocida historia, sin más disonancias que las que ofrece algún matiz anecdótico —el viejo amor de Scrooge, el apunte subrepticio de que su mezquindad va más allá de él para apelar a la sociedad que le rodea— o el refuerzo de algunas ideas de Dickens no tan atendidas en tratamientos anteriores, como su amistad con Morley (Ian McKellen) o el lado más siniestro del fantasma de las Navidades Presentes, interpretado por Tramell Tillman ( Severance ). Esto último apuntala toda la posible distinción que pueda reclamar Scrooge más allá de las cucamonas de Depp: hay un moderado esfuerzo por invocar el cuento gótico y enfatizar los aspectos terroríficos aprovechando que dirige quien dirige. Así que el tratamiento fotográfico es más que solvente y hay alguna imagen felizmente malsana, sin que por lo demás la película llegue a desviarse de su plantilla: transcurrida la Nochebuena, el pequeño Tim volverá a saltar con “Que Dios nos bendiga a todos”, y Depp habrá aprendido el verdadero significado de etcétera. Con lo que Scrooge y los fantasmas de la Navidad es otro Cuento de Navidad de Hollywood. Uno más. Con su llamamiento a la convivencia y a la generosidad, disimulando en lo posible unas condiciones de producción más bien cínicas que no tendrá por qué aguarle la fiesta a los espectadores que solo quieran reencontrarse con Jack Sparrow, con Eduardo Manostijeras o, en fin, hay gente para todo, con el Sombrerero Loco. Para otro tipo de espectadores, mejor volverse a ver ahora que llegan estas fechas Los teleñecos en Cuento de Navidad . Por ejemplo.
El Boletín Oficial de Castilla y León ha hecho pública la convocatoria de subvenciones promovida por la Consejería de Desregulación, Familia y Ayudas Sociales para desarrollar el Programa de digitalización destinado a los jóvenes residentes en la Comunidad. De este modo, las entidades sin ánimo de lucro que cuenten con capacidad organizativa, técnica y de gestión suficiente tienen de plazo hasta el próximo 24 de noviembre para presentar sus proyectos formativos, habida cuenta de que el periodo estipulado es de 20 días naturales contados a partir del día siguiente a su publicación oficial el pasado miércoles, cuatro de noviembre. Esta iniciativa autonómica, cuya orden firmaba el consejero Carlos Pollán Fernández el 29 de octubre, dispone de una dotación económica total de 220.847,33 euros , los cuales están cofinanciados al 60 % por el Fondo Social Europeo Plus (FSE+). Con todo, la normativa contempla la posibilidad de añadir una cuantía adicional con el propósito de atender un mayor número de solicitudes, siendo que la ayuda máxima a conceder para cada acción formativa podrá alcanzar hasta el 100 % del presupuesto aceptado por la Administración, sin superar en ningún caso el coste total de la actuación. La finalidad última de este programa radica en mejorar la empleabilidad y facilitar el acceso laboral juvenil dentro del territorio autonómico. Para ello, las acciones se orientan a dotar de competencias digitales básicas a aquellos perfiles con escasa cualificación, al tiempo que se ofrecen conocimientos avanzados para el supuesto de los jóvenes ya cualificados. En ambos casos, los destinatarios finales de la formación deberán ser jóvenes desempleados que estén empadronados en algún municipio de Castilla y León y figuren inscritos en el Registro del Sistema Nacional de Garantía Juvenil . En lo que respecta a los contenidos de los cursos, las enseñanzas se enfocan hacia el dominio de cinco grandes áreas del conocimiento tecnológico. Así las cosas, el alumnado abordará materias como la búsqueda y gestión de información y datos, la comunicación y colaboración ?prestando especial atención al comportamiento en las redes sociales ?, la creación de contenidos digitales, la ciberseguridad y, finalmente, la resolución de problemas junto al uso creativo de la tecnología. Cabe destacar que todas estas acciones formativas conllevan la expedición de una certificación acreditativa de las competencias adquiridas por los participantes, llegando incluso a contar, en determinados supuestos, con reconocimiento académico universitario traducido en créditos ECTS . Las organizaciones interesadas en concurrir a este procedimiento, regido por las bases aprobadas en la Orden FAM/775/2024 de 31 de julio, deben poseer personalidad jurídica propia, estar legalmente constituidas e inscritas en el registro correspondiente y contemplar entre sus fines la formación y la mejora de la empleabilidad. Toda la documentación relativa a esta convocatoria, identificada con el código BDNS 938946 , se encuentra disponible para su consulta tanto en el portal de la Base de Datos Nacional de Subvenciones como a través de la sede electrónica de la Administración autonómica , plataforma telemática donde deberán registrarse las solicitudes antes de que expire el plazo fijado. A partir de entonces, la cuantía individualizada que recibirá cada proyecto se determinará en función de la puntuación obtenida tras aplicar los criterios de valoración y del presupuesto aceptado, hasta agotar el crédito consignado. El Bocyl con la convocatoria, aquí .
El director coreano regresa gracias a Netflix con 'Un amor posible', una magistral exploración sobre la vampirización del cine y cómo retrata este a la clase obrera Rodrigo Sorogoyen, Alana S. Portero, David Uclés y más de 800 firmas apoyan la huelga del 11N: “La cultura también para” El cine siempre ha vivido en la contradicción. Desde aquella imagen fundacional de los trabajadores saliendo de la fábrica, la fricción entre quienes cuentan las historias y quienes las habitan está presente. En aquellos pocos segundos de imagen, eran sus jefes, los hermanos Lumière, los que decidieron usar a sus obreros como la materia prima de una de sus primeras creaciones. Aquella jerarquía ha persistido hasta la actualidad e incluso se ha acentuado con el alto precio de las escuelas de cine a las que pertenecen un gran porcentaje de los directores. Cuando suele manifestarse de forma más evidente es en el cine social. ¿Puede un director de una clase alta retratar de forma honesta y sin paternalismos a la clase obrera? ¿Hay un regodeo en el miserabilismo y la desgracia de quienes no conocen de primera mano esa realidad? Las dudas siempre están ahí. Eso no quiere decir que un director no pueda contar historias que no correspondan a su estatus, pero sí que debe pensar bien en cómo lo hace, en la ética de las imágenes. Eso que tan bien resume la frase atribuida a Godard sobre la puesta en escena: “Un travelling es una cuestión moral”. Uno de los cineastas que mejor ha entendido todo eso es el coreano Lee Chang-Dong (que además de director escribe poesía y fue ministro de Cultura de Corea del Sur ). La clase ha atravesado todos sus trabajos. Cómo enfrentaban los ricos el crimen que habían cometido sus hijos en la magistral Poetry no tenía nada que ver con cómo lo hacía aquella abuela que perdía la memoria. La clase anidaba en el triángulo amoroso de Burning, su soberbia adaptación de Murakami. Lo que antes estaba en su núcleo, palpitando, ahora se ha convertido en el centro de la historia en su nueva película, Un amor posible, León de Plata en el Festival de Venecia y una de las mejores películas del año. En ella, el cineasta cuenta la historia de una documentalista que está haciendo una película sobre una huelga de trabajadores que acabó en una violenta carga policial. Con sus mejores intenciones, la cineasta entablará una relación con la mujer de una de las víctimas. La película se plantea, desde su título, si esa relación de amor fraternal o amistoso es posible cuando hay una separación de clase enorme, y cuando una autora lo que quiere es sacar el mejor material posible. ¿Hay honestidad cuando todo se construye en torno a una explotación comercial, aunque sea en forma de cine de denuncia social? La directora vampira irá chupando poco a poco la sangre de esos trabajadores que dejaron su cuerpo en la calle mientras su marido se dedicaba a comprar empresas. Es una película inteligente, sutil, llena de capas y con una puesta en escena que nunca cae en lo que denuncia. Para realizarla han pasado ocho años. Desde 2018, cuando estrenó Burning, no había rodado ningún largometraje, unos tiempos a los que son habituales para él, pero que también dejan claro el cuidado con el que elabora cada obra. En el caso de Un amor posible la idea nació antes de su anterior filme, cuando una gran empresa coreana realizó una ola de despidos masivos que provocó una huelga que fue reprimida por el Estado. “Fue un impacto enorme para la sociedad coreana; yo mismo quedé profundamente conmocionado”, recuerda. Se puso a escribir el guion, pero no le convencía del todo. “No lograba encontrar la convicción necesaria para responder a ciertas preguntas: ¿qué significa abordar esto en un largometraje de ficción en lugar de hacerlo en formato documental? ¿Y hasta qué punto puedo ser honesto al narrar esta historia? Al no poder responder a estas cuestiones con plena convicción, decidí detener el proceso y dejar el proyecto en suspenso”, cuenta el director a elDiario.es. A veces actuamos como vampiros que codician esas experiencias. Por eso, la ética detrás de la cámara es algo que todos debemos tener presente Lee Chang-Dong — cineasta En 2024 fue cuando tuvo la idea de “incorporar la mirada y la perspectiva de un documentalista a la trama”. “Fue entonces cuando sentí que esta también podía ser una historia que yo mismo debía contar, aportando mi propia actitud, mi mirada y mi ética como la persona que sostiene la cámara. Al adoptar esa estructura narrativa, el proyecto cobró vida de nuevo, porque sentí que, efectivamente, era una historia que me correspondía contar a mí”, justifica. Para el cineasta, ese dilema no es solo el de su personaje, “sino el de cualquiera que sostenga una cámara”. “Esa es, en esencia, nuestra naturaleza cuando nos enfrentamos al dolor y al drama ajenos: a veces actuamos como vampiros que codician esas experiencias. Por eso, la ética detrás de la cámara es algo que todos debemos tener presente y sobre lo que debemos reflexionar. En la película, Ye-ji quiere capturar las vidas de trabajadores despedidos, y esa es, precisamente, la naturaleza de su mirada a través de la cámara. Aunque ella intenta querer de forma sincera a sus protagonistas, al mismo tiempo utiliza su dolor; llega incluso a dramatizarlo, provocando que ese sufrimiento se despliegue ante el objetivo”, cuenta sobre su filme. Por ello cree que ese es el desafío que tienen por delante, no solo los documentalistas, sino “los cineastas en general”. “Cuando se abordan temas como la guerra, las víctimas de la violencia o las minorías, el cine de ficción a menudo consume estas realidades como simple material, llegando incluso a la explotación. Como se trata de ficción, solemos escudarnos en la idea de que es producto de nuestra imaginación, lo que a veces debilita la conciencia ética. En cambio, los documentalistas, al trabajar de manera tan estrecha con personas en sus vidas reales, se enfrentan a cuestiones éticas de una forma mucho más directa”, subraya. Un fotograma de 'Un amor posible' Él procura pensar en la repercusión de la forma de rodar, pero cree que muchas veces “el cine no se detiene en este tipo de cuestiones y simplemente se centra en lo que resulta más dramático, provocador o entretenido”. “Esa es una manera de hacer cine. Sin embargo, creo que, para cineastas como yo, siempre llegan momentos en los que hay que tomar una decisión al respecto. Aunque algunas de estas elecciones puedan parecer decisiones puramente técnicas, considero que, en realidad, tienen mucho que ver con la ‘actitud’ de la cámara. Y es algo en lo que siempre pienso durante todo el proceso de rodaje e incluso a lo largo de la etapa de montaje”, añade. Si le tocara responder a la pregunta que plantea su película, si ese amor es posible, Lee Chang-Dong no se definiría como “optimista”. “No lo soy con respecto a la división de clases, porque la brecha entre clases solo aumenta con el tiempo. En el pasado, las clases parecían estar adyacentes entre sí, como si fueran pisos diferentes. Ahora no es así, la distancia es tan inmensa… Y no se trata solo de trabajadores que han sido despedidos. Muchas personas hoy en día se sienten muy inseguras acerca de su trabajo y sus empleos. Sienten que ya no se reconoce el valor de su trabajo y hay una sensación de crisis. Eso ha llevado a una gran ira que está consumiendo la vida de muchas personas. En esta época en la que vivimos ¿cómo hacemos para reclamar esa idea del sentido de uno mismo y de nuestra propia identidad?, ¿cómo seguimos luchando para proteger y conservar nuestra dignidad humana? Estas son preguntas en las que quería pensar con el público, por eso hice esta película”, confiesa. No soy optimista respecto a la división de clases, porque la brecha entre clases solo aumenta con el tiempo Lee Chang-Dong — cineasta Una de las peculiaridades de Un amor posible es que ha sido producida por Netflix, que ahora la estrena dentro de la plataforma. Un giro sorprendente para un filme del director coreano, famoso por sus tempos pausados que son lo contrario a lo que manda el logaritmo. La compañía salvó el filme en el último minuto. El propio Chang-Dong lo cuenta sin problema. Explica que Netflix ya se había interesado en el filme cuando leyeron el guion, pero que él decidió que no entraran para asegurar el estreno en cines. Cuando hasta el último minuto no lograron la financiación, tomó la decisión de decirles que sí. Ahora solo tiene palabras de agradecimiento, porque de alguna forma se ha producido gracias a ellos: “Netflix fue muy paciente con nosotros y esperó durante todo el proceso hasta que tomamos la decisión. Desde el primer momento sabía que no habría ningún tipo de interferencia ni obstáculo con respecto a mi proceso creativo. No me dieron ni siquiera una sola nota, de hecho. Así que sentí que mi libertad creativa era plenamente respetada”.
El alcalde de Jaén, Julio Millán, y el cuarto teniente de alcalde y concejal de Empleo, Luis García Millán, han participado en la presentación oficial del nuevo equipo Epsilum eSports, celebrada en las instalaciones de ‘Misión Gaming Jaén El Banco’. Al acto también han asistido el subdelegado del Gobierno, Manuel Fernández Palomino, el delegado territorial de Industria, Javier Calvente y el vicerrector de Formación Permanente, Tecnologías Educativas e Innovación Docente de la UJA, Francisco Roca. Representantes institucionales, creadores de contenidos, medios de comunicación y aficionados a este sector han asistido a la puesta de largo de este club profesional de deportes electrónicos, cuya titularidad pertenece al Museo del Recreativo. El proyecto nace con el propósito de conectar la historia de las máquinas recreativas y los videojuegos con el presente y el futuro de la competición digital, y contribuir a impulsar el talento y la proyección de Jaén en este ámbito. El alcalde de Jaén ha valorado la puesta en marcha de esta “interesante y atractiva” propuesta, “una muestra de cómo Jaén también quiere estar presente en sectores emergentes que están transformando nuestra sociedad y nuestra economía”. En este sentido, ha indicado que iniciativas como esta contribuyen a proyectar “una imagen de ciudad dinámica, abierta a la innovación y capaz de acoger proyectos que conectan la cultura, la tecnología y el entretenimiento”. Asimismo, ha resaltado la importancia de que Jaén aproveche “las oportunidades que ofrece el talento digital y que encuentre nuevos espacios para seguir creciendo”. Por su parte, el concejal de Empleo ha destacado que el sector de los videojuegos y los deportes electrónicos representa “un ámbito con un importante potencial de crecimiento y nuevas oportunidades profesionales, especialmente para las generaciones más jóvenes”. Asimismo, Luis García Millán ha señalado que “hoy es un día especial, vivimos el nacimiento de uno de los equipos llamado a ser uno de los cuatro más importantes de toda España en Jaén, de un juego en el hay millones de jugadores en todo el planeta. Y lo que lo hace más especial es que se erige Jaén como sede del equipo”. En el ámbito competitivo, Epsilum eSports participa en la Liga Hispana de Clubes de Teamfight Tactics, donde se ha situado entre los primeros puestos de la clasificación. El equipo forma parte del proyecto del Museo del Recreativo, una iniciativa que amplía la labor de conservación y divulgación de la historia del videojuego para adentrarse también en su vertiente competitiva actual. De esta forma, Epsilum busca generar una comunidad en torno a los deportes electrónicos y acercar esta industria a nuevos públicos, poniendo en valor las posibilidades que ofrece un sector en constante evolución.
"Qué tragedia : este cuadro nunca envejecerá y yo sí, ojalá fuera al revés”. Este lamento fue pronunciado por Oscar Wilde en diciembre de 1887, justo después de que su amiga, la pintora canadiense Frances Richards, le entregara el retrato que le había hecho y justo antes de que esa queja se convirtiera en la inspiración de su única novela, tal vez la más célebre obra literaria sobre la juventud [ El retrato de Dorian Gray ]. Casi 120 años después, en una entrevista que concedió a la NPR, la radio pública norteamericana, Nora Ephron habló sobre un rasgo distintivo de los jóvenes que le llamaba la atención y consiguió –muy probablemente de manera involuntaria– tirarle de la manga de la levita a Wilde hasta traerlo al siglo XXI: “Si voy siguiendo a un joven por la calle y pasa frente a un espejo, veo la manera tan peculiar en que se gira hacia él, sonríe y se mira, sabiendo lo que va a ver. Nosotros no lo sabemos. Hay un momento en el que uno siente pánico ante lo que va a ver. Así que, si te ves obligado a mirarte en un espejo, entrecierras los ojos y luego los abres suavemente para ver si no hay peligro. Y si no lo hay, los cierras y sigues caminando”. Los artistas , a pesar de que tantos otros, además de Wilde y Ephron, vivan obsesionados con el paso del tiempo en carnes propias, cuentan con una ventaja frente al común de los mortales : su mejor y mayor retrato no es el que les pinte un amigo o les devuelva el reflejo del cristal de un escaparate, es su obra . El último reconocimiento de consenso en España hacia los jóvenes , tan a menudo denostados, tuvo lugar en los días y semanas posteriores a la dana valenciana de 2024. El País Semanal llegó a dedicarles el reportaje de portada de su último número del año con un titular contundente: “La generación que se movilizó en medio de la catástrofe”. En El Mundo , Alberto Torres se refirió a ellos como “riada luminosa”. Y en ABC Carlota Fominaya sentenciaba: “La juventud ha demostrado en Valencia que tiene un potencial de cambio e implicación que puede movilizar a una sociedad entera”. Ya no eran la generación de cristal, ni los wokes –como si ser empático con realidades a las que se ha prestado demasiada poca atención fuera algo a despreciar–. Parecía, en fin, que los jóvenes solo se convierten en algo a celebrar cuando hacen honor a la etimología del término que les nombra, puesto que iuvenis se deriva de iuviare , que, en latín, designa la acción de ayudar . En medio de todos estos parabienes hacia la chavalería se coló uno más breve, pero más significativo, en tanto en cuanto, a pesar de mencionarla, trascendía la coyuntura concreta que los celebraba. Lo pronunció Javier Ambrossi en su discurso de recepción del premio Ondas a mejor serie del año 2024, otorgado a La Mesías, mientras era arropado por Javier Calvo y algunas de las actrices de la serie: Ana Rujas, Amaia Romero, Macarena García y Carmen Machi. “ Me gustaría dedicar este premio a la juventud de este país , que tiene que escuchar constantemente cosas horribles sobre ellos y sobre ellas”, declaró. “Quiero agradecerles su cariño hacia nuestro trabajo, desde el día uno, pero, sobre todo, quiero valorar su esfuerzo constante por buscarse la vida, su capacidad para hacernos aprender y mejorar como sociedad e inspirarnos. Y, sobre todo, algo que he comprobado y que compruebo de la gente que trabaja con nosotros en nuestra productora, y especialmente en esta serie, es la enorme capacidad que tienen para trabajar en equipo. Algo que hemos visto en Valencia estos días y que hay que aplaudir. Este premio es para la juventud de nuestro país”. Meses antes, durante la presentación de la serie en el Festival de San Sebastián, Javier Calvo ya había hecho mención a la conexión del trabajo de ambos con generaciones iguales o inferiores a la suya: “Nunca pensamos en que La llamada fuera a conectar con los millennial o que una representante de 50 años como Paquita se convirtiera en un icono para los jóvenes . No lo pretendemos, pero sale así”. Porque forzar juventud es como forzar bondad o simpatía: el primer paso para perderlas. A esto, Ambrossi apostilló: “Las personas que más saben del mundo audiovisual son los jóvenes. Hay un compromiso con ellos desde La llamada y es que no les vamos a tratar de tontos. Estamos muy pegados a la calle”. Este compromiso con los jóvenes lo mantienen dos personas que por edad ya no lo son –Ambrossi tiene 42 años y Calvo, 35–, pero cuya precoz carrera ha transcurrido paralela a su juventud. Y cristalizó por una frustración compartida. El primer gran trabajo de Calvo como actor lo consiguió a los 17 años, al incorporarse al elenco de Física o química , serie adolescente generacional para los millennial tardíos y zetas precoces, que finalizó su emisión en 2011. Después de aquella primera serie, el teléfono sonó poco y solo le devolvía papeles que no le interesaban, algo a lo que ya estaba acostumbrado Ambrossi, quien llevaba años intentando abrirse camino también como actor de manera infructuosa. Dos años más tarde, en 2013, acompañó a su hermana Macarena García a la gala de los Goya donde ella fue galardonada por su trabajo en Blancanieves . En aquella entrega de premios, a la vez que celebraba el éxito de su hermana, tomó una determinación, tal y como contó precisamente en otra ceremonia de los Goya, la que él y Calvo presentaron junto a Ana Belén en 2024: “Fue la primera vez que vine a esta gala, acompañando a mi hermana Macarena y la vi recoger el premio a mejor actriz revelación en un momento maravilloso, un momento que me marcó para siempre, primero porque fue precioso para ella, el inicio de su carrera. Pero también pasó algo muy fuerte. Al verla recoger su premio como actriz, yo me di cuenta de que tal vez yo no era actor. ‘Ahí va la actriz de mi familia’. Y al volver a casa, pensé: ‘ Tengo que escribir, tengo que dirigir , hay algo que no está funcionando”. De aquella decepción conjunta nació, pocos meses después, La llamada , un musical levantado sin producción ajena y con unos recursos precarios como producción propia –Calvo ha contado alguna vez que sus padres hacían bocadillos para ellos y todo su equipo–. Debutó en el hall del Teatro Lara en mayo de 2013 y, lo que empezó como una función para alrededor de cien personas, se convirtió en uno de los mayores éxitos del teatro español de los últimos años. En 2019, tras seis temporadas ininterrumpidas, ya había superado el millón de espectadores. Sobre esa mitología todavía irresistible –por muchos peros que le pongamos– del triunfo juvenil sobrevenido de la nada se fundaron los cimientos de su figura pública, que nació casi inseparable de su obra. De una nada relativa, por supuesto, porque no todo el mundo tiene una hermana ganadora de un Goya, ni ha formado parte del reparto de una serie adolescente de éxito. Pero, al fin y al cabo, en su día a día, eran dos jóvenes con pocos recursos que intentaban buscarse la vida en sus propios términos. Como sus compañeros de generación y como aquellos a los que Ambrossi se refirió en su discurso de los Ondas. Él mismo nunca ha renegado de un pasado que le llevó a ser camarero del Válgame Dios, un popular bar de Chueca, o del Starbucks de la calle Fuencarral, donde presenció el conocido accidente de tráfico que sufrió Tamara Falcó en 2005. Cosas de la vida, ocho años después ellos reconocieron que la conversión a la fe de la hija de Isabel Preysler les inspiró en gran medida para crear el musical y ella misma fue varias veces a verlo entusiasmada al Teatro Lara. La llamada entroncó con muchos jóvenes precisamente por su despreocupada alegría , sus canciones archiconocidas y la falta de prejuicios a la hora de abordar la fe y lo LGTBIQ+. Como seguimos viendo hoy, las generaciones jóvenes, cada vez más secularizadas, no sienten el lógico rechazo que muchos de sus mayores albergaron hacia una fe otrora impuesta y ubicua. En cualquier caso, a un gran éxito, sobre todo si se trata de un debut, le sucede una amenaza todavía mayor. La obra definitiva de una joven promesa no es la primera, sino la segunda, donde se arriesga a no cumplir con unas expectativas a menudo demasiado altas. Paquita Salas , su primera serie como guionistas y directores, estrenada en 2016 en Flooxer (Antena 3) y posteriormente comprada por Netflix para sus siguientes temporadas, no solo no supuso una decepción, sino que consiguió darle una dimensión aún mayor a su capacidad creadora . Ambrossi y Calvo nos ofrecieron una serie que contravenía casi todas las convenciones de la ficción española de la época, que huía de lo meta como de la pólvora, en la que no caló el mockumentary como sí lo hizo en Estados Unidos con The Office o Parks and recreation , y que jamás le habría dado un lugar preeminente a una serie protagonizada por una mujer mayor –por mucho que el actor que la interpretaba, Brays Efe, no fuera más que un veinteañero–. Y de nuevo desde otro hall –esta vez la plataforma digital aún en pañales de una cadena de televisión– llegaron al gran público. Paquita Salas se nutrió de la cultura popular española como ninguna otra serie nacional lo había hecho antes y, con la misma velocidad, se convirtió en cultura popular. Dominó el arte del meme con una maestría que solo podía estar desempeñada por personas forjadas al calor de ese mismo lenguaje. ¿Y qué pegamento funciona mejor entre jóvenes que la cultura popular? Y más aún para las dos últimas generaciones que hemos crecido con los mismos referentes porque todavía veíamos la misma televisión, los millennial y los zeta. Es imposible soslayar, además, que la historia de Paquita era la de una mujer adulta que creía su vida profesional acabada a la vez que se partía el lomo por ayudar a despegar a actrices jóvenes, una especie de ángel de la guarda con torreznos y gin tonic en lugar de alas. Mencionada ya la indivisibilidad entre vida y obra de Ambrossi y Calvo, en su historia de amor con el público joven es obligatorio recordar su paso por OT 2017 como profesores de interpretación . La vuelta del talent show musical tras seis años fuera de las pantallas supuso un revulsivo en el sector y el lanzamiento de nombres que hoy son estrellas indiscutibles, con Aitana, Lola Índigo y Amaia a la cabeza. Ahora eran ellos los ángeles de la guarda de los talentos de la siguiente generación. Su exposición televisiva continuó como jurados de Mask Singer , el programa que mejores datos de audiencia ha cosechado en esta década, y con la misma labor en Drag Race , donde continúan después de seis temporadas . En el compromiso con la causa LGTBIQ+ es donde Ambrossi y Calvo han encontrado otra razón de ser vital y profesional e, involuntariamente, un nuevo nexo con sus contemporáneos y sus menores. No porque la lucha por la igualdad la patrimonialicen los menores de 35 años, sino porque son, de la misma forma que lo hemos sido los demás cuando hemos pasado por su edad, los más ávidos de referentes. Si su biografía, su exposición pública y su obra son inseparables , sus discursos no hablan de oídas, sino de su propia experiencia, similar a la de tantos. “Creo que muchas personas LGTB crecemos desarrollando una personalidad falsa para que no nos vean, no nos peguen, no nos insulten, para que nos quieran”, explicó Ambrossi en el coloquio de Versión española al que acudieron en 2021 a hablar de la adaptación cinematográfica de La llamada , en un discurso que interpeló directamente a los jóvenes del colectivo. “El Orgullo es la fiesta de los que no estábamos invitados a la fiesta. Y por eso hay que celebrarlo, y por eso hay que salir a la calle, y por eso hay que visibilizarse. Porque la vida de una persona LGTB empieza muchas veces a los 20 o a los 25 años, cuando te atreves a ser tú mismo. Los primeros 20 años de tu vida no has tenido un primer amor, no has tenido un referente, no has tenido un desarrollo normalizado de tu sexualidad. Por eso el Orgullo es tan importante”. Y a algo parecido aludió Javier Calvo en su discurso de recepción del premio Feroz a mejor comedia por La llamada en 2018: “ La llamada habla del valor de ser tú mismo, de encontrar tu camino y, pese a quien le pese, ser quien tú quieras ser (...) Si alguien, algún niño, alguna niña o alguna persona me está mirando y tiene miedo, si siente que está perdido, si siente que no le van a querer, que sepa que le van querer, que va a encontrar su sitio”. De ese motor nació Veneno (Atresplayer, 2020), que aunó el compromiso con su identidad y el acercamiento a un personaje y un episodio de la cultura popular , tal vez ajeno por edad a muchos de sus espectadores, pero atrayente en gran medida por eso mismo. Con esta, su segunda serie, inauguraron lo que podríamos llamar la segunda fase de la cultura del meme en su obra: del humor desprejuiciado –pero no superfluo– de Paquita Salas al estudio de las aristas de un personaje público lleno de claroscuros y de un sistema, la televisión de los años 90, que se aprovechó de ella para terminar por convertirla en un juguete roto. El riesgo y la ambición temática de su carrera dieron un gran salto cualitativo que parecía insuperable cuando tres años después estrenaron La Mesías y volvieron a demostrar a los agoreros que llevan desde sus inicios augurando un inminente fracaso cada vez que anuncian un nuevo proyecto que todavía estaban muy lejos de tocar techo. Y lo hicieron de nuevo con la cultura popular como referente, dado que la serie está inspirada en la vida de las integrantes del conjunto musical religioso Flos Mariae, célebres en el underground de Internet desde que empezaron a subir vídeos a Youtube en 2013. La tercera fase del meme estaba, pues, concluida, con la exploración de uno de sus rincones más oscuros: el que tiene que ver con el abuso y la explotación infantil dentro de la familia y en nombre de la fe. El reverso tenebroso de La llamada . Una nueva pirueta cualitativa en la profundidad de los temas y en el tono que llevó a muchos a certificar la madurez del dúo creativo, como si levantar Paquita Salas o Veneno estuviera al alcance de cualquiera. Porque, en cierta medida, lo hemos querido creer así. Se les ha visto como iguales, pero en el momento en el que su carrera ha empezado a dar frutos extraordinarios y los ha llevado a lugares metafóricos y concretos ajenos a las vidas ordinarias, se les ha penalizado por ello. Nada nuevo en un país con serios problemas para metabolizar el triunfo de otros cuando es descomunal, sobre todo en el sector de la cultura –nadie critica a un futbolista por lo mismo que lleva a muchos a pedir las sales cuando se trata de un escritor, un actor o un cineasta–. Ocupan otros espacios, pero no abandonan los anteriores. Y borran las fronteras entre la mal llamada alta y baja cultura, propósito de acracia juvenil los haya. Después de haber recibido el premio a la mejor dirección en el Festival de Cannes, Javier Calvo declaró: “ Si no hubiera hecho Drag Race nunca hubiera podido escribir la frase de ‘el travestismo es la fantasía de la posibilidad y la guerra todo lo contrario’ . Me gusta investigar, rodearme de mi colectivo y enriquecerme. En OT aprendí a dirigir a actores noveles y entonces hicimos Veneno . Cada paso del camino nos ha llevado aquí. Nuestra intuición nos ha llevado aquí”. Con La bola negra elegida como la representante española en la categoría de mejor película internacional de los próximos Oscar y ya estrenada a la publicación de este número, es seguro que se revalidará el vínculo de los Calvo y Ambrossi con los jóvenes. Lo pude comprobar en el pase privado en el que disfruté de la película, donde vi la emoción de chicos y chicas cuyos abuelos, por edad, ya no han vivido la Guerra Civil. No solo es que su casting, como viene siendo habitual en sus trabajos, esté plagado de iconos juveniles como Guitarricadelafuente, Miguel Bernardeau, Milo Quifes o Yenesi, estos dos últimos, estrellas de internet antes que cinematográficas. Son la mirada, la ambición temática, el riesgo y las preguntas que se hacen lo que mantiene la obra de Javier Ambrossi y Javier Calvo tan joven como el primer día . Y lo que, si siguen cultivándolos, les mantendrá jóvenes a ellos, tengan la edad que tengan. *Paloma Rando es guionista, escritora, y columnista de televisión en ‘El País’.
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